ALDO WORLD ART

FALAR O QUE A IMAGEM JA DIZ TUDO !!! TRI LIBERTADORES

2011-07-13T12:03:00.002-03:00

clutch

2011-05-25T11:42:00.001-03:00

Clutch é uma banda de Stoner Rock/Blues formada em Germantown, Maryland nos Estados Unidos no ano de 1990. A banda é conhecida por fazer letras engraçadas, irônicas e sarcásticas, fazendo referências a história, a mitologia e a cultura popular americana. Apesar de ter assinado com grandes gravadoras nos anos 90, a banda nunca fez um grande sucesso nas rádios americanas e nunca vendeu milhões de cópias. O grande trunfo do Clutch são os fãs devotos que a banda acumulou em seus shows, dando-lhe o status de cult. Mesmo não sendo uma banda muito famosa, o Clutch chega a fazer 100 apresentações por ano. Em 2005, a banda lançou o álbum Pitchfork & Lost Needles pela gravadora Megaforce Records (a primeira gravadora do Metallica) e segue fazendo turnês pelo mundo afora. Em 2007 a banda lançou “From Beale Street To Oblivion”, produzido por Joe Barresi (QOTSA) e aclamado como um dos melhores trabalhos do grupo.

GRANDE PRESENTE DE ANIVERSÁRIO !!!!

2011-05-16T17:48:00.001-03:00

Hoje 16 de maio meu aniversário até o meu grandioso santos futebol clube resolveu me presentear em grande estilo , campeão e em cima da "curintia nada" hahahahaha dale dale santosssssssssssssssssssss hahahahahaha

De onde vêm as pin-ups? as originais !!!!

2011-04-14T16:45:00.002-03:00

As pin-ups entraram para o imaginário popular, principalmente nos anos 40 e 50, como símbolos de sensualidade e feminilidade. Algumas ficaram famosas; como Clara Bow e Bettie Page.
Bettie, aliás, tem seus looks copiados pelas meninas até hoje. Já outras permaneceram no anonimato, com suas figuras vivendo apenas na lembrança e fantasia do público.
Vocês já imaginaram como elas eram de verdade, sem os lacinhos e os poás? Pois temos a resposta! Conheça algumas das pin-ups em carne e osso.

Fotografias explosivas

2011-04-14T16:24:00.000-03:00

Alain Sailer é um francês de 55 anos que se dedica a fazer fotografias um tanto inusitadas: ele atira em objetos e, através de cliques rápidos e precisos, captura o momento do impacto. Entre os alvos escolhidos há frutas, brinquedos e legumes.

Feitas na garagem da casa do artista, as imagens são concebidas através de uma pistola de ar comprimido. Segundo Sailer, é melhor assim, já que uma arma convencional poderia causar acidentes. Afinal, diz não gostar de atirar… mas pelo visto curte fazer uma sujeira.

Confira as fotos.

WEEZER

2010-10-14T17:04:00.008-03:00

Weezer é uma banda americana de rock, formada em fevereiro de 1992. Até hoje, lançou oito álbuns, um EP, um DVD e um álbum remasterizado de seu álbum de estréia, com algumas músicas adicionais. O álbum Hurley é o mais recente, foi lançado em setembro de 2010.

A banda foi formada em 14 de fevereiro de 1992 em Los Angeles, Califórnia com os membros originais Rivers Cuomo, Patrick Wilson, Matt Sharp, e Jason Cropper. Cinco semanas depois fizeram sua primeira apresentação, abrindo para a banda Dogstar no Raji´s Bar e Ribshack no Hollywood Boulevard. A banda começou a tocar em pequenos clubes para pequenas audiências perto de Los Angeles. Gravou vários demos e assinou em 25 de junho de 1993 por Todd Sullivan, da Geffen Records.

A banda começou a gravar seu primeiro álbum no final de agosto de 1993 nos estúdios Lady em Nova York. Ric Ocasek, cantor da banda The Cars, foi escolhido como produtor. Durante as gravações do álbum de estréia, simplesmente intitulado Weezer, Jason sai da banda, e é substituído pelo guitarrista Brian Bell, que tocava numa banda chamada Carnival Art. As partes que Cropper gravou foram regravadas por Cuomo, e Bell substituiu os vocais de Cropper. A gravação do álbum acabou em outubro de 1993, e a banda voltou para Los Angeles.

Em 10 de maio de 1994, o Weezer lançou seu primeiro álbum. The blue álbum (como ficou conhecido) teve diversas canções que marcaram tais como “Buddy Holly”, “Undone (The Sweater Song)” e “Say it Ain’t So”. O videoclipe de “Buddy Holly” foi incluído no CD-ROM do Windows 95.

A popularidade da banda logo cresceu e depois de vários meses em turnê pelos Estados Unidos e outros países, o Weezer resolve parar por um tempo. Rivers ingressou na Universidade de Harvard, Matt e Pat montaram um projeto paralelo chamado The Rentals (que fez bastante sucesso com a música “Friends of P.”) e Brian voltou a tocar na banda em que tocava antes do Weezer, o Space Twins.

No fim de 1995 eles se reuniram novamente, e o compositor da banda Rivers Cuomo foi escrever as letras para o segundo álbum da banda, Pinkerton. As canções dessa seção revelaram muito mais da vida pessoal de Cuomo que tudo que ele já tinha feito. O álbum foi lançado em 24 de setembro de 1996 e foi imediatamente inundado pelas críticas. As vendas do álbum foram desastrosas se comparadas ao anterior. O Weezer declarou que ia parar as atividades por tempo indeterminado e desejou nunca ter gravado Pinkerton. A banda também divulgou que gostaria de destruir todas as cópias existentes do álbum. O interessante é que Pinkerton é considerado por muitos fãs como um dos melhores álbuns da banda, e é considerado o álbum cult da banda. Graças à Internet nesse período que a banda parou, eles ganharam milhares de novos fãs.

Em 1998, Matt Sharp anuncia sua saída definitiva do Weezer para se dedicar integralmente ao The Rentals. Para o lugar de Matt foi chamado o baixista Mikey Welsh, que tocava na banda de Juliana Hatfield.

Em 1999 a banda volta a se reunir para ensaiar músicas para o próximo disco. Em 2000, o Weezer entrou em turnê. A turnê foi um tremendo sucesso, e lotou na grande maioria. Durante a turnê Cuomo começou a escrever novamente, e tocou algumas canções novas ao vivo. Depois, a banda voltou ao estúdio e gravou o pop The Green Album. O álbum foi considerado pelos fãs e pela imprensa especializada como um renascimento do Weezer. Logo depois do lançamento desse álbum a banda foi rapidamente para outra turnê nos Estados Unidos, atraindo milhares de fãs pelo caminho. Um quarto álbum, Maladroit, foi lançado em 2002, e manteve o estilo pop do álbum anterior. Muitos fãs não gostaram, pois parecia uma continuação do The Green Album, e eles queriam algo novo. Também não gostaram pelo fato de o álbum estar influenciado pelo heavy metal.

A banda também tocou em diversos concertos com o nome de Goat Punishment, vestindo sacos na cabeça e tocando covers do Nirvana e Oasis. Goat Punishment foi conhecida por abrir diversos concertos do Weezer.

Em março de 2004 o Weezer lançou seu primeiro DVD, “Video Capture Device”, que consiste em todos os seus videoclipes, apresentações e vídeos caseiros. O DVD foi muito bem aceito pelos fãs e foi declarado “Ouro” em 8 de novembro de 2004. O sucessor de Maladroit só é lançado em 2005, depois de muitas seções de estúdio. Make Believe divide opiniões: enquanto para alguns é o melhor disco da banda desde Pinkerton, para outros trata-se de um incontestável sinal de decadência.

KYUSS

2010-10-05T17:22:00.004-03:00

Kyuss (pronuncia-se kaius) é uma banda formada em 1989 em Palm Springs, Califórnia. Popularizou o até então desconhecido movimento musical stoner rock. A banda ganhou status de cult pois em pouco tempo lançou álbuns aclamados e realizou várias turnês. De suas cinzas nasceram os grupos Queens of the Stone Age, Che, Hermano e Mondo Generator.

Com influências que iam do heavy metal ao punk rock, a banda foi formada em Palm Springs,Califórnia em 1989 sob o nome de Katzenjammer (mais tarde nome de uma canção do álbum Wretch) composta por John Garcia (vocal), Josh Homme (guitarra), Chris Cockrell (baixo), Brant Bjork (bateria) e Nick Oliveri (guitarra base). Essa formação era um projeto da banda, na qual ela tentava tocar músicas do Black Flag sem sucesso por serem velozes demais para eles naquele tempo. E não durou muito, com Oliveri saindo por se mudar de cidade por um ano e pelo desejo de Josh em ser o único guitarrista da banda.

Logo, trocaram o nome para Sons Of Kyuss, inspirados em uma criatura do jogo Dungeons & Dragons e começaram a tocar nas chamadas “generator parties”, festas no meio do deserto regadas a bebidas e drogas ilícitas, em que as bandas usavam geradores movidos a gasolina para gerar energia para os equipamentos. Josh Homme começou a ganhar uma reputação por tocar guitarra elétrica através de amplificadores de baixo para criar um som pesado e grave. Muitos não os consideravam como apenas outra banda de rock/metal pelo talento de Josh na guitarra e o som mais psicodélico que eles faziam.

Após gravarem uma demo, eles conseguem lançar em 1990 um EP independente chamado Sons of Kyuss (composto basicamente das canções que formariam o primeiro álbum do Kyuss), após o qual Chris Cockrell deixa a banda. Nick Oliveri é chamado para tocar baixo no lugar de Cockrell e a banda consegue assinar um contrato com um pequeno selo californiano chamado Dali Records. A banda encurta seu nome para Kyuss.

A banda lança em 1991 o album Wretch, mas fica descontente com a gravação e distribuição do album. Apesar disso, ali tinha uma banda promissora. Mas em um dos seus shows, que era o grande forte do Kyuss, conheceram Chris Goss da então banda Masters of Reality que foi convidado para produzir o próximo album da banda. Josh tinha 18 anos. Garcia tinha 21.

Seu segundo álbum de estúdio, lançado em 1992 e intitulado Blues for the Red Sun foi aclamado pelo público e pela crítica. A banda estava com um novo folêgo pois assinou com uma gravadora major, a Elektra Records e tinha músicas tocando na rádio, e por último, escurssionou com bandas como Metallica, Soundgarden e Tool. Mas com esse inesperado estouro, começa os desentendimentos entre os integrantes, principalmete pelas longas turnês. Quando a banda começa a trabalhar no próximo album, Nick Olivieri sai da banda e em seu lugar, entra Scott Reeder (ex-The Obsessed). Josh tinha 19 anos

Com essa nova formação gravam o clássico Welcome To Sky Valley lançado em 1994 e produzido por Goss também. O album foi um sucesso de críticas e público,e ainda mais por se tratar de um projeto ambicioso (o album é composto de três suítes),e entram mais turnês e mais hits. No fim da turnê, para a supresa de todos, Brant Bjork sai da banda e em seu lugar entra o músico de jazz Alfredo Hernandez. Josh tinha 21 anos. Garcia tinha 24 anos.

Em 1995 sai o último album de estudio da banda o experimental …And The Circus Leaves The Town, um bom album que não agradou a imprensa e nem os fãs, que ficaram divididos. A banda anuncia seu fim. Josh tinha 22 anos. Garcia tinha 25 anos.

ROBERT CRAY

2010-10-05T17:11:00.000-03:00

Robert Cray nasceu no dia 1º de agosto de 1953 em Columbus (Georgia). Pelo fato de ser filho de um militar, acompanhou a sua família nos seus diferentes destinos, inclusive Alemanha Ocidental (onde recebeu as primeiras aulas de piano). Embora seu pai fosse um grande colecionador de discos, encorajava-o que fosse uma espécie de novo Ray Charles, entretanto corriam os tempos do auge da guitarra: seus amigos da vizinhança tinham guitarra e seu som inundava as emissoras de rádio. Por isso escolheu o caminho da guitarra e começou a se apaixonar pelo bluesmen de Chigago como Magic Man e Buddy Guytocou na banda One Way Street.

KANSAS

2010-10-05T16:53:00.000-03:00

Formado inicialmente por Steve Walsh (Teclados e vocal), Robby Steinhardt (Violino), Kerry Livgren (Guitarras), Billy Greer (Baixo) e Phil Ehart (bateria) eles gravaram grandes álbuns nos anos 1970. O primeiro chama- se Kansas apenas e foi o trampolim para o êxito dos que viriam depois: "Song for América", "Masque", "Point of Know return"e "Letoverture", esses dois últimos ganharam vários prêmios. A banda se destacou ao emplacar clássicos do rock progressivo como "Carry on Wayward Son", hoje, sucesso na abertura do seriado norte-americano Supernatural, "Song for America" e "The Wall"... desta época também surgiu o maior sucesso do Kansas, a balada "Dust in the Wind".
Como o sucesso traz junto a discórdia, os integrantes começaram a de desentender no que resultou na saída de Robby Steinhardt e Kerry Livgren.
Os anos 1980 entraram e a banda manteve o pique, os álbuns "Audio Visions"e "Vinyl Confessions" demonstram isto, com a participação do produtor Joey Elefante como integrante oficial, a banda emplacou os hits "Play the game tonight" e "Fight fire with fire" ("Drastic Measures" álbum).Apesar de não seguirem mais a linha progressiva dos álbuns anteriores a banda manteve sua popularidade intacta.
Um novo período de mudanças surge na banda, segue-se uma coletânea e em 86 eles lançam novo trabalho na praça, trata-se de "Power". Um álbum totalmente voltado para o Hard Rock, inluência de Steve Morse que estreiava na guitarra.
O álbum traz um resultado satisfatório, colocando o Kansas de igual para igual com as bandas de hard da época. Este disco contém excelentes canções como é o caso de "Silhouettes in disguise", "All I Wanted" e "Three Pretenders"...
Seguem com mais um álbum de estúdio : "The spirits of Things", onde se destaca a canção "The Preacher". Vale apena frisar que desde algum tempo, Steve Walsh estava apenas como frontman ao vivo... mas apesar de muitas mudanças, o Kansas já começava a cair, álbuns ao vivo e Box sets foram lançados para tentar "Equilibrar as finanças". A banda permaneceu um tempo longe da mídia, mas retornou com força total em 1995 com o álbum "Freaks of Nature", Este disco mostrou um outro lado mais pesado da banda, que contava com mais um violinista : David Ragsdale.
O álbum é potente e preciso, as grandes músicas são "Desperate Times""Hope once again" (Grande balada) e "Black phatom 4"...
Depois veio o disco "Always Never the Same" junto de "The London Shymphony Orchestra", o que não causou impacto. Após o lançamento de vários caça níqueis (Remasterizacões, ao vivo, Coletâneas) a formação original se junta novamente e grava "Somewhere to Elsewhere", onde mostram o porque de o Kansas ser tão conceituada em termos de rock progressivo.

DAFT PUNK

2010-09-27T14:57:00.004-03:00

Daft Punk é uma dupla francesa de musica eletronica, muita gente tem aquele conceito que musica eletronica é bate estaca só e mais nada, sem conteudo, apenas batida, eu particularmente acho que não, acredito que tem muita coisa boa com conteúdo na musica eletronica, o daft punk mesmo acho que pensando nisso quando lançou o album Discovery de 2001, fez do album um longa metragem em animes (cada musica tem seu clipe que juntando-os formam um longa ).

discovery (2001)

ai estão as 14 musicas para vcs assistirem , divirtam-se !!!!

1.One More Time

2.Aerodynamic

3.Digital Love

4.Harder, Better, Faster, Stronger

5.Crescendolls

6.Nightvision e 7.Superheroes

8.High Life

9.Something About Us

10.Voyager

11.Veridis Quo

12.Short Circuit

13.Face to Face

14.Too Long

RED HOT CHILI PEPPERS

2010-09-27T14:02:00.001-03:00

Red Hot Chili Peppers é uma banda de rock dos Estados Unidos formada em Los Angeles, Califórnia, em 1983. A banda, vencedora de seis Grammys, é composta por quatro membros: o vocalista Anthony Kiedis, o baixista Michael "Flea" Balzary, o baterista Chad Smith e o guitarrista Josh Klinghoffer, que está atualmente substituindo John Frusciante. Assistindo a várias mudanças e a problemas pessoais de membros, o estilo da banda é variado, conseguindo juntar elementos do funk tradicional com elementos de outros gêneros como punk rock e rock psicodélico.

Eles eram garotos de Hollywood que descobriram um som diferente. Em retrospecto eles estavam fora do contexto, fora do que havia na época. Eram diferentes. Os Chili Peppers causaram polêmica desde o início, com suas famosas "Socks on Cocks", mas, por trás da fachada extravagante há uma amizade inabalável. O grupo passou pela morte de um dos integrantes por overdose de heroína (Hillel Slovak), e testemunho do quase declínio total de outro (John Frusciante). Após a recuperação, com a "nova" formação, o Red Hot Chili Peppers abriu novas trilhas e atingiu seu maior sucesso, ultrapassando muitos grupos rock atuais.

WOLFGANG AMADEUS MOZART

2010-09-27T13:37:00.001-03:00

Wolfgang Amadeus Mozart , batizado Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart (Salzburgo, 27 de janeiro de 1756 – Viena, 5 de dezembro de 1791) foi um prolífico e influente compositor austríaco do período clássico.

Mozart mostrou uma habilidade musical prodigiosa desde sua infância. Já competente nos instrumentos de teclado e no violino, começou a compor aos cinco anos de idade, e passou a se apresentar para a realeza da Europa, maravilhando a todos com seu talento precoce. Chegando à adolescência foi contratado como músico da corte em Salzburgo, porém as limitações da vida musical na cidade o impeliram a buscar um novo cargo em outras cortes, mas sem sucesso. Ao visitar Viena em 1781 com seu patrão, desentendeu-se com ele e solicitou demissão, optando por ficar na capital, onde, ao longo do resto de sua vida, conquistou fama, porém pouca estabilidade financeira. Seus últimos anos viram surgir algumas de suas sinfonias, concertos e óperas mais conhecidos, além de seu Requiem. As circunstâncias de sua morte prematura deram origem a diversas lendas. Deixou uma esposa, Constanze, e dois filhos.

Foi autor de mais de seiscentas obras, muitas delas referenciais na música sinfônica, concertante, operística, coral, pianística e de câmara. Sua produção foi louvada por todos os críticos de sua época, embora muitos a considerassem excessivamente complexa e difícil, e estendeu sua influência sobre vários outros compositores ao longo de todo o século XIX e início do século XX. Hoje Mozart é visto pela crítica especializada como um dos maiores compositores do ocidente, conseguiu conquistar grande prestígio mesmo entre os leigos, e sua imagem se tornou um ícone popular.

AFRO SAMURAI

2010-09-23T13:55:00.001-03:00

A história do anime se passa em um "Japão feudal futurístico", onde, aquele que conseguir a bandana simbólica de "Número Um", irá comandar o mundo, como um "deus". Alguem se torna o Número Um matando o antigo Número Um e tomando sua bandana. Entretanto, somente aquele que tiver a bandana de "Número Dois" tem direito de desafiar o Número Um. Por sua vez, qualquer um pode desafiar o Número Dois. Quando criança, Afro teve seu pai (que era o Número Um) assassinado bem em sua frente por um pistoleiro, "Justice" (antigo Número Dois) e passou a ser o Número Um. Agora Adulto, Afro Samurai, é o atual Número Dois, e viaja pelo mundo em busca de vingança, pelo atual Número Um que matou seu pai.

ASSISTA ONLINE AQUI !

EPISÓDIO UM

EPISÓDIO DOIS

EPISÓDIO TRES

EPISÓDIO QUATRO

EPISÓDIO CINCO

MARVIN GAYE

2010-09-23T12:38:00.003-03:00

“…Marvin Gaye foi um homem que viu o valor social de colocar nossa dor e sofrimento em música.” - Ice Cube sobre Marvin Gaye

Ele foi um dos maiores cantores e compositores de sua geração, um soul man natural cuja música esteve profundamente absorvida por nossa cultura.

Nascido em 1939, Marvin Gaye dedicou sua vida à música. Tanto foi que, apesar de ter sido um artista absolutamente genial e bem-sucedido profissionalmente, nunca teve grandes alegrias no lado pessoal. Gaye, porém, utilizava-se dos fracassos nos relacionamentos para compor canções de sucesso e álbuns que entraram para a história.

Depois de passar por alguns grupos e adquirir experiência, lançou “The Soulful Moods Of”, em 1961, encantando a todos pela profundidade das harmonias e melodias em faixas como “How Deep Is The Ocean?” e “How High The Moon”.

Durante todas a décadas de 60 e 70 continuou lançando clássicos e duetos com Mary Wells, Kim Weston e Tammi Terrell. São dessa fase discos como “Marvin & Mary Together”, de 1964, “Easy”, de 1969.

A parceria com Tammi Terrell parece ter sido a mais dolorosa. Embora eles não fossem amantes - como a imprensa gostava de especular - a morte da cantora, vítima de um tumor no cérebro em 1970, deixou Marvin Gaye em depressão.

“What’s Going On” de 1971, cuja canção homônima chegou a ser recusada pela gravadora que não a considerou comercial o suficiente, é outro marco na carreira do cantor. O ao vivo “Live!”, de 1974 e “Here My Dear”, de 1978, que falava sobre o fim de seu casamento com Anna, também tiveram ótima repercussão.

Logo que seu divórcio foi concluído, casou-se com Janis Hunter, com quem ele teve dois filhos quando ainda era casado legalmente com Anna. Entrou na década de 80 em um dos melhores momentos de sua carreira, com “Midnight Love”, que trazia o ‘hit’ “Sexual Healing”.

Marvin Gaye já era o principal artista da famosa gravadora Motown quando, infelizmente, um fato trágico fez o cantor se calar. No dia 1º de abril de 1984, véspera de seu aniversário, quando completaria 45 anos, Marvin Gaye foi assassinado pelo próprio pai, após um desentendimento familiar.

Nos anos seguintes, seus álbuns foram relançados e a coletânea “Very Best Of” chegou às lojas em 2001. A gravadora Motown também lançou gravações ao vivo e material raro depois da morte do músico.

STEVIE WONDER

2010-09-23T12:01:00.000-03:00

Stevie Wonder, nome artístico de Steveland Judkins Hardaway, (Saginaw, Michigan, 13 de Maio de 1950) é um compositor, cantor e ativista de causas humanitárias e sociais norte-americano, cego de nascença.

Com onze anos ele começou a gravar (sob o pseudônimo de Little Stevie Wonder) e rapidamente se tornou conhecido como um dos mais inovadores e influentes cantores/compositores de seu tempo. Foi também um dos mais bem sucedidos artistas da gravadora Motown. Com o passar do tempo, passou a cantar músicas que mostravam uma consciência social, possivelmente influenciado por sua versão do sucesso “Blowin’ in the Wind” (de Bob Dylan). Também se tornou conhecido como compositor, escrevendo músicas para artistas e grupos da Motown, como The Spinners e Smokey Robinson.

SCORPIONS

2010-09-23T11:29:00.000-03:00

Formados em 1965, os Scorpions passaram os primeiros 18 anos sem conseguir muito sucesso nos EUA, embora já fossem bastante famosos na Europa e no Japão. Apenas com o lançamento do álbum Love at First Sting, a banda conseguiu agarrar as paradas americanas. Reconhecidos pelo single Rock You Like a Hurricane, os Scorpions assumiam um papel de destaque no rock. No início da década de 1990, tiveram fama com o álbum Crazy World e a música Wind of Change, inspirado nas mudanças sociais ocorridas no Leste Europeu e também no fim da Guerra fria.

Foram o primeiro grupo a tocar na Rússia após a extinção da União Soviética e, em 21 de julho de 1990 foram convidados a participar no espetáculo de Roger Waters, The Wall in Berlin, juntamente com outros como Van Morrison e Bryan Adams.

História
Na Alemanha Ocidental, no final da década de 60, os irmãos e guitarristas Michael e Rudolf Schenker decidem montar uma banda com os amigos Klaus Meine (como vocalista), Lothar Heimberg (no baixo) e Wolfang Dziony (na bateria). Considera-se que, neste momento, surgia o Hard rock e a primeira banda desse novo estilo musical, os Scorpions.

Após gravarem uma fita demo, conseguem lançar o primeiro álbum, Lonesome Crow, em 1972. Apesar da boa repercussão da estréia, Heimberg e Dziony resolvem deixar o grupo e pouco tempo depois, Michael Schenker torna-se guitarrista da banda londrina UFO.

Sozinhos, Rudolf e Klaus dão continuidade ao trabalho e rapidamente entram em contato com o guitarrista Ulrich Roth (mais conhecido como Uli Jon Roth), que por sua vez convida o baixista Francis Buchholz e o baterista Jurgen Rosenthal para completar o grupo.

Fazem algumas apresentações e assinam com a RCA, que lança o segundo disco Fly to the Rainbow, em 1974. No ano seguinte, Rudy Lenners assume a bateria e o álbum In Trance faz sucesso em toda a Europa, dando início a uma turnê que consagrou o Scorpions como uma das melhores bandas de Rock ao vivo.

Em 1976, gravaram Virgin Killer e, em 1977, Taken by Force, realizando shows em vários países. Nessa época, Herman Rarebell já havia substituído Lenners e, em 1978, lançaram Tokyo Tapes, um registro da passagem da banda pelo Japão.

De volta à [[Alemanha Ocidental]], mais uma baixa no Scorpions: Uli Jon Roth anuncia a sua saída para montar um novo projeto batizado de Eletric Sun, entrando em seu lugar Matthias Jabs. O grupo grava uma seqüência de discos que mantiveram seu nome entre os maiores da época: Lovedrive (1979), Animal Magnetism (1980) e Blackout (1982). Porém, seria o próximo trabalho (Love at First Sting, de 1984), que conquistaria uma quantia considerável de fãs com os hits Rock You Like a Hurricane, Big City Nights e a balada Still Loving You. O disco ao vivo World Wide Live sai no ano seguinte e o grupo fica quase quatro anos sem lançar material inédito.

Em janeiro de 1985 os Scorpions se apresentaram na primeira edição do festival Rock in Rio, ao lado de outras bandas como AC/DC, Iron Maiden, Queen, Whitesnake e Yes e de Ozzy Osbourne.

Somente em 1988, Savage Amusement chegou às lojas e também foi muito bem recebido. A coletânea Best of Rockers and Ballads e mais um disco de estúdio, Crazy World, que trazia a música Wind of Change, vieram em seguida.

Em 1993, o baixista Francis Buchholz é substituído por Ralph Rieckermann e lançam o álbum Face the Heat, que trazia a canção Under the Same Sun como o seu principal sucesso. O terceiro ao vivo da carreira, Live Bites, sai em 1995 e Pure Instinct é lançado em 1996 já sem a participação de Herman Rarebell, que foi substituído nas gravações pelo baterista Curt Cress. Herman Rarebell decide deixar a banda e abrir uma gravadora em Monte Carlo, chamada Monaco Records e James Kottak torna-se o novo baterista do Scorpions.

Gravam Eye to Eye em 1999 e, cansados de álbuns convencionais de estúdio, resolvem explorar outros caminhos. O próximo passo dos Scorpions foi bem aceito pelos fãs e pela crítica por se tratar de algo totalmente inédito: a gravação de um álbum com a Orquestra Filarmônica de Berlim, a mais importante do mundo. Intitulado de Moment of Glory e lançado em 2000, esse álbum traz faixas como Send Me a Angel, Still Loving You, Hurricane 2000 (uma nova versão de Rock You Like a Hurricane), entre outras, com novos arranjos orquestrados. A criação dos arranjos e a regência da orquestra ficou a cargo do austríaco Christian Kolonovitz, que deu seqüência ao seu excelente trabalho com os Scorpions em outro projeto que foi batizado de Acoustica.

Em 2001, é lançado o álbum Acoustica. As apresentações acústicas, registradas no Convento do Beato, em Portugal, fizeram tanto sucesso quanto o trabalho anterior com a orquestra. Tiveram ainda o reforço de alguns músicos contratados, como um percussionista chileno, para que as versões mais intimistas, executadas apenas com violão soassem melhor.

Em 2004, lançam o álbum Unbreakable, que era aguardado com grande expectativa pelos fãs, pois havia 5 anos desde Eye to Eye que um álbum contendo canções inéditas não era lançado. O trabalho foi bem recebido pelos fãs. Com o álbum Unbreakable também foi apresentado o novo baixista da banda: Pawel Maciwoda, que substituiu Ralph Rieckermann, que deixou a banda um pouco antes das gravações de Unbreakable. A banda incluiu o Brasil na turnê Unbreakable e fizeram três shows no país em 2005. Os músicos apresentaram sucessos como Wind of Change, Rock You Like a Hurricane e New Generation, sendo esta última sua música de trabalho da turnê. Um novo álbum “Humanity - Hour I”,está sendo gravado e será lançado na 2ª quinzena de Maio de 2007.

LOST ACAPULCO

2010-09-22T13:33:00.001-03:00

Lost Acapulco é uma banda que começou em meados da década dos anos 90 que revolucionou o surf rock mexicano. O grupo foi formado no porto de Acapulco, no México, em 1996, para ser exato, e continua até hoje.

O RAPPA

2010-09-22T13:02:00.001-03:00

O Rappa é uma banda brasileira conhecida por suas letras de forte impacto social e por seus shows sempre animados. Seu ritmo não é exatamente definido nem mesmo pela própria banda. Embora seja de início principalmente reggae e rock, a banda também incorporou elementos de samba, hip-hop, rap, sampler e mpb, mostrando assim o estilo alternativo da banda.

Um de seus maiores sucessos, a música “Pescador de ilusões”, do ex-baterista Marcelo Yuka, tornou-se sucesso no CD em que foi lançada primeiramente, Rappa Mundi, e novamente no Acústico MTV de 2006, com o refrão “Valeu a pena, valeu a pena”. O mesmo feito de popularidade veio com a música “Me deixa”, também de Marcelo Yuka.

Em 2006 foi lançado o Acústico MTV, no qual a banda resgata alguns sucessos e outras músicas nem tão famosas, do primeiro ao último disco lançado na época, e introduz duas músicas inéditas: uma feita especialmente para o Acústico - “Na frente do reto” - e outra que entraria em O Silêncio Que Precede O Esporro - “Não perca as crianças de vista” - mas ficou de fora da lista de músicas.

Historia

Em 1993, com a vinda do cantor regueiro Jamaicano Papa Winnie ao Brasil, foi montada uma banda às pressas para acompanhar o cantor em suas apresentações. Formada por Nelson Meirelles, na época produtor do Cidade Negra e de vários programas de rádios alternativas do Rio de Janeiro; Marcelo Lobato, que havia participado da banda África Gumbe; Alexandre Menezes, o Xandão, que já havia tocado com grupos africanos na noite de Paris e Marcelo Yuka, que tocava no grupo KMD-5. Após essa série de apresentações como banda de apoio do jamaicano, os quatro resolveram continuar juntos e colocaram anúncio no jornal O Globo para encontrar um vocalista. Dentre extensa lista de candidatos, Marcelo Falcão foi o escolhido.

A decisão sobre o nome da banda envolveu opções como “Cão-careca” e “Bate-Macumba”. O nome escolhido - O Rappa - vem da designação popular dada aos policiais que interceptam camelôs, os rapas. Com um p a mais para diferenciar, o nome foi escolhido. Um exemplo de a palavra rapa ser aplicada aos caçadores de camelôs pode ser encontrado na música “Óia o rapa!” na composição de Lenine e Sérgio Natureza, gravada pela banda no CD Rappa Mundi.

Finalmente, com Falcão na voz, Marcelo Yuka na bateria, Xandão na guitarra, Nelson Meireles no contra-baixo e Marcelo Lobato no teclado, estava formado O Rappa.

Em 1994, lançaram seu primeiro disco, que levou o nome da banda. O Rappa não obteve muito sucesso e foi o único disco com a presença de Nelson Meireles, que abandonou a banda por motivos pessoais. Com a saída de Nelson Meireles, Lauro Farias, que tocava com Yuka no KMD-5, assumiu o contrabaixo.

Em 1996, foi lançado o CD Rappa Mundi, que praticamente introduziu a banda no cenário nacional e quase todas as músicas foram sucesso. Entre elas, Pescador de Ilusões, A Feira e a versão nacional para o sucesso de Jimmy Hendrix, Hey Joe.

Depois de três anos sem um álbum novo, em 1999 vem a público Lado B Lado A. Com letras “mais fortes” que o anterior, mostra o amadurecimento da banda e revela Yuka como letrista de alto nível em músicas como Minha Alma (a paz que eu não quero) e O que sobrou do céu, além de Tribunal de Rua, que narra história baseada em fato real, conhecido na mídia como “Rambo, o torturador”, que foi a capa da revista Veja de 09/04/1997. Os videoclipes das duas primeiras foram premiadíssimos, tornando-se sucesso nacional.

Em 2000, O Rappa causou “comoção pública e muita indignação” entre diversas bandas: no Rock in Rio que ocorreria no ano seguinte, a banda seria colocada antes de alguns americanos, e protestaram. Foram retaliados com exclusão, e 5 bandas brasileiras saíram do festival em protesto (Skank, Raimundos, Jota Quest, Cidade Negra e Charlie Brown Jr.)

Em 2001, o baterista Marcelo Yuka foi vítima direta da violência urbana, ao ser baleado durante tentativa de assalto, ficando paraplégico e assim impossibilitado de tocar bateria. Lobato assumiu o instrumento (deixando para seu irmão Marcos Lobato, contribuinte do O Rappa, os teclados, este não entrou oficialmente para a banda) e O Rappa voltou a tocar. Mesmo debilitado, o baterista voltou ao grupo e no mesmo ano lançaram o disco Instinto Coletivo ao vivo, com um show gravado em 2000, ainda com Yuka na bateria e três inéditas de sua autoria.

Yuka desligou-se de O Rappa deixando inimizade com os outros companheiros, alegando ter sido expulso por não concordar com o novo rumo que a banda vinha seguindo. Yuka fundou outro grupo, F.ur.t.o (Frente Urbana de Trabalhos Organizados), que faz parte de um projeto social homônimo, que, segundo Yuka, era algo maior do que O Rappa o possibilitava. A dedicação de Yuka ao projeto F.ur.t.o. pode ser vista mesmo durante sua estadia no O Rappa: ele aparece com uma camiseta preta com o nome F.ur.t.o. em branco durante o vídeo clipe Minha Alma (A paz que eu não quero) vídeo clipe que deu toda a projeção ao O Rappa como movimento social e não somente uma banda de rock.

Em 2003, O Silêncio Que Precede O Esporro, primeiro álbum sem ligação com Yuka foi lançado. Sem as letras de Yuka, Marcos Lobato, tecladista colaborador, tornou-se o principal compositor com a autoria de diversas músicas de sucessos como Reza Vela e Rodo Cotidiano. Em parceria com Carlos Pombo compuseram O Salto, com letra forte em relação ao resto do disco, mais ameno sem as letras de Yuka. Em seguida foi lançado o DVD homônimo, gravado ao vivo no Olimpo - Rio de Janeiro.

Em 2006, atendendo a convite por parte da MTV Brasil, a banda gravou o especial Acústico MTV com participação de Maria Rita em “O que sobrou do céu” e “Rodo Cotidiano”, e Siba, do Mestre Ambrózio, na rabeca em “Homem Amarelo” e “Cristo e Oxalá”. O disco também rendeu um DVD com algumas músicas além das presentes no CD.

Já no ano de 2008, a banda em parceria com a Samsung, gravou o single É preciso mais som, logo após o estouro do cd 7x (Sete Vezes), lançado 5 anos após o último cd feito em estúdio pela banda (O silêncio que precede o Esporro), e 3 anos após o acústico MTV.

AUDIOSLAVE

2010-09-22T12:46:00.000-03:00

Para se entender a história da formação do Audioslave, é preciso falar de duas bandas de peso no cenário do rock: Rage Against the Machine e Soundgarden. Zack de la Rocha, o vocalista do Rage Against the Machine deixou a banda em outubro de 2000 para seguir carreira solo, ao passo que os três integrantes remanescentes partiam para a busca de um novo vocalista. O futuro do Rage Against the Machine era incerto quando Tom Morello, Tim Commerford e Brad Wilk receberam o vocalista Chris Cornell (ex-Soundgarden) para um ensaio.

Cornell vinha de uma bem sucedida carreira no Soundgarden nos anos 90 e já havia lançado um álbum solo, “Euphoria Morning”, em 1999. O entrosamento entre os ex-Rage Against the Machine e o ex-Soundgarden superou as expectativas de todos, em pouquíssimo tempo uma banda nova estava surgindo. Os músicos tinham contratos em vigor com duas grandes gravadoras, e rivais. De um lado a Epic/Sony Music do Rage Against the Machine e de outro a A&M/Interscope do grupo Universal, gravadora de Chris Cornell. Através de um acordo raro na indústria fonográfica, que não foi conseguido sem que houvesse muita negociação, foi permitido aos músicos seguir em frente.

Os boatos sobre a nova banda não demoraram a surgir na internet, o que dividiu tanto os fãs de RATM quanto os fãs do Soundgarden. Do lado do RATM, os fãs lamentavam a perda de identidade do grupo, já que Cornell representa um caminho bem diferente da firmeza política e da influência hip-hop de Zack de la Rocha. Já muitos fãs do Soundgarden repudiavam Cornell justamente por entrar num grupo muito vulgarmente taxado de rap-metal. Se for para tocar rock de peso novamente, então porque o fim do Soundgarden? Mesmo entre aqueles que admiram Chris Cornell e que acompanharam a sua carreira solo, questionavam a coerência do músico, já que a união com o Rage Against the Machine significava um caminho radicalmente oposto ao que pôde ser conferido em Euphoria Morning. Mas, sem dar ouvido a esse tipo de manifestação, o futuro Audioslave permaneceu unido e disposto a provar a todos o quanto ainda é possível ousar e atingir novos horizontes com o novo trabalho.

Por pouco, o Audioslave não acabou antes mesmo de começar. Além de contar com duas gravadoras, a banda inicialmente contava com dois times de empresários, os “managers”. De um lado, a empresa que cuida da carreira de Chris Cornell e de outro a empresa que defendia os interesses do Rage Against the Machine. Com tanta gente dando palpites, não foi muito difícil acontecerem os primeiros conflitos. Em março de 2002, o Audioslave (que ainda sequer tinha definido o nome da banda) anunciou a participação na turnê Ozzfest. Com tudo definido, datas e horários dos shows (o Audioslave seria um headliner, a atração principal), Chris Cornell anuncia que está fora. Tanto da turnê Ozzfest como da banda em si. Foi um novo choque para a base de fãs do Soundgarden/Rage Against the Machine. Mas a gravadora Epic continuou anunciando que o disco seria lançado e em pouco tempo Cornell estava de volta para ficar. E a partir de então, o grupo passou a contar com apenas um manager, da empresa The Firm, de Los Angeles.

SEU JORGE

2010-09-20T16:04:00.001-03:00

O cantor, compositor e ator Jorge Mário da Silva, o Seu Jorge, nasceu em 8 de junho de 1970, em Belford Roxo, Baixada Fluminense (Rio de Janeiro, Brasil). Primogênito de quatro filhos, Seu Jorge teve uma infância tranqüila, freqüentando a escola e ajudando a mãe a tomar conta dos irmãos. Começou a trabalhar com apenas dez anos de idade em uma borracharia, primeira de várias ocupações como contínuo, marceneiro e office-boy, entre outras. As variadas profissões nunca ofuscaram o seu verdadeiro desejo de se tornar músico. Desde adolescente, freqüentava as rodas de samba cariocas acompanhando o pai e os bailes funks da periferia, e cedo começou a se profissionalizar cantando na noite.

Foi aí que a morte de seu irmão Vitório em uma chacina levou a família à desestruturação, e Seu Jorge acabou virando sem-teto por cerca de três anos. A nova virada se deu quando o clarinetista Paulo Moura o convidou para fazer um teste para um musical de teatro. Foi aprovado e acabou participando de mais de 20 espetáculos com o Teatro da Universidade do Rio de Janeiro, como cantor e ator.

Participou depois da formação da banda Farofa Carioca, que lançou seu primeiro CD em 1998 com uma competente mistura da ritmos negros de várias partes do mundo, como samba, reggae, jongo, funk e rap. A partir daí, Seu Jorge tem sua carreira engrenada e passa a participar de vários projetos, como um disco de tributo a Tim Maia e a participação em estúdio e na turnê da banda brasileira Planet Hemp, em 2000.

Seu Jorge é primo do sambista Dudu Nobre. O apelido, ele ganhou do amigo Marcelo Yuka.

Carreira no Cinema

Seu Jorge já tinha realizado a trilha sonora dos longas Amores Possíveis, de Sandra Werneck, e A Partilha, de Daniel Filho, quando foi convidado a interpretar o bandido Mané Galinha, destaque do filme Cidade de Deus, de Fernando Meirelles e Kátia Lund. Seu Jorge também contribuiu para a trilha do filme, que teve sucesso internacional. O filme foi a estréia de Seu Jorge no cinema, já que ele já tinha experiência como ator ao participar da companhia TUERJ (Teatro da Universidade do Estado do Rio de Janeiro).

Em 2004 foi convidado pelo diretor Wes Anderson para participar do filme The Life Aquatic with Steve Zissou, onde interpretou Pelé dos Santos, um especialista em mergulhos e segurança da tripulação do oceanógrafo Zissou. Nas horas vagas, Pelé, que tem uma coleção de camisetas de times de futebol, adora pegar o violão e cantar músicas de David Bowie com letras em português.

Em 2005 estréia em Casa de Areia, de Andrucha Waddington, ao lado de Fernanda Montenegro e Fernanda Torres, no papel de Massu, um quilombola que se torna amigo das personagens interpretadas pelas atrizes, mãe e filha nas telas e na vida real.

Em 2006, atua em Achados e Perdidos, de José Joffily, e Zuzu Angel, de Sérgio Rezende. Como curiosidade, assinale-se que as participações de Seu Jorge nestes filmes, assim como em Cidade de Deus, não são creditadas, ou seja, a seu próprio pedido, seu nome não aparece no material de divulgação e nos próprios filmes.

DICK DALE

2010-09-20T15:27:00.001-03:00

Dick Dale é o maior ícone da surf music mundial, tendo mudado o sentido do estilo no final de 60’, quando auxiliou na criação do pedal Reverb, inicialmente para tremular sua voz, e em seguida tornou-se acessório indispensável na guitarra, influenciando bandas até hoje, como The Eliminators, Helena Y Los Zorros e os Violentures.

BEATLES

2010-09-17T13:05:00.001-03:00

The Beatles foi uma banda de rock britânica, formada em Liverpool, em 1960, e um dos atos mais comercialmente bem-sucedidos e aclamados da história da música popular. A partir de 1962, o grupo era formado por John Lennon (guitarra rítmica e vocal), Paul McCartney (baixo e vocal), George Harrison (guitarra solo e vocal) e Ringo Starr (bateria e vocal).

Enraizada do skiffle e do rock and roll da década de 1950, a banda veio mais tarde a assumir diversos gêneros que vão do folk rock ao rock psicodélico, muitas vezes incorporando elementos da música clássica e outros em formas inovadoras e criativas. Sua crescente popularidade, que a imprensa britânica chamava de “Beatlemania”, fizeram com que eles crescessem em sofisticação. Os Beatles vieram a ser percebidos como a encarnação de ideais progressistas e sua influência se estendeu até as revoluções sociais e culturais da década de 1960.

Com a formação inicial de Lennon, McCartney, Harrison, Stuart Sutcliffe (baixo) e Pete Best (bateria), os Beatles construíram sua reputação nos pubs de Liverpool e Hamburgo durante um período de três anos a partir de 1960. Sutcliffe deixou o grupo em 61, e Best foi substituído por Starr no ano seguinte. Abastecida de equipamentos profissionais moldados por Brian Epstein, que depois se ofereceu para gerenciar a banda, e com seu potencial reforçado pela criatividade do produtor George Martin, os Beatles alcançaram um sucesso imediato no Reino Unido com seu primeiro single “Love Me Do”.

Ganhando popularidade internacional a partir do ano seguinte, excursionaram extensivamente até 1966, quando retiraram-se para trabalhar em estúdio até sua dissolução definitiva em 1970. Cada músico então seguiu para uma carreira independente. McCartney e Starr continuam ativos; Lennon foi baleado e morto em 1980, e Harrison morreu de câncer em 2001.

Durante seus anos de estúdio, os Beatles produziram o que a crítica considera um dos seus melhores materiais, incluindo o álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967), amplamente visto como uma obra-prima. Quatro décadas após sua dissolução, a música do grupo continua a ser muito popular.

Os Beatles tiveram mais álbuns em número 1 nas paradas britânicas do que qualquer outro ato musical. De acordo com a RIAA (Recording Industry Association of America), eles venderam mais álbuns nos Estados Unidos do que qualquer outro artista. Em 2008, a Billboard divulgou uma lista dos top-selling de todos os tempos dos artistas “Hot 100” para celebrar o cinquentenário das paradas de singles dos EUA, e a banda permaneceu em primeiro lugar. Eles já foram honrados com 7 Grammy Awards e 15 Ivor Novello Awards da BASCA, além de também terem vendido mais de 1 bilhão de discos ao redor do mundo. O Fab Four, ademais, foi coletivamente incluído na compilação da revista Time das 100 pessoas mais importantes e influentes do século 20.

MINHA VERSÃO DE LEÃO DO MAR

2010-09-16T14:21:00.003-03:00

MINHA HOMENAGEM AO MAIOR TIME DE TODOS OS TEMPOS,

O GRANDISO SANTOS FUTEBOL CLUBE

DE TANTAS CONQUISTAS MUNDO A FORA.

UM ABRAÇO DO ALDO A TODOS OS SANTISTAS DO BRASIL E DO MUNDO.

CANÇÃO LEÃO DO MAR (em uma versão jazz) COM A MINHA VOZ.

TOTO

2010-09-09T12:44:00.000-03:00

Toto é uma banda de rock progressivo norte-americana, formada em 1976 em Los Angeles, que cantou clássicos como Rosanna e Africa.

O Toto iniciou-se em Los Angeles em 1978, com a formação: David Paich (teclados e vocal), Steve Lukather (guitarra, vocal), Bobby Kimball (vocal), Steve Porcaro (teclado), David Hungate (baixo) e Jeff Porcaro (batera). Os Irmãos Porcaro eram filhos do percussionista Joe Porcaro. Os outros membros da banda conheceram-se na faculdade e em sessões do estúdio, na década de 70, quando formaram a banda. Paich, Hungate e Jeff Porcaro escreveram canções e assim gravaram seu primeiro disco, “TOTO”, álbum de 1978 que rendeu-lhes expressiva vendagem.

A combinação entre rock e a híbrida essência que a banda tinha marcou seu primeiro disco. O album alcançou o Top Ten, com mais de dois milhões de cópias vendidas. “Hold the Line” foi o primeiro single da banda. Em seguida viriam “Hydra”, em outubro de 1979, e voltam em janeiro de 1981 com “Turn Back”, este menos bem sucedido.

“Toto IV”, de abril 1982, com os hits “Africa” e “Rosanna” (sobre a namorada de Lukather, a atriz Rosanna Arquette) e “I Won’t Hold You Back” novamente levaram o Toto ao Top Ten. No Grammy 1982, “Rosanna” ganhou como melhor canção do ano, melhor performance vocal e como melhor arranjo instrumental; “Toto IV” ganhou como album do ano e também como melhor produção e melhor gravação.

Em 1984, um terceiro irmão de Porcaro, Mike, junta-se ao grupo no baixo, substituindo Hungate. O quinto album do Toto, “Isolation”, foi ouro, mas foi um desapontamento comercial.

Frederiksen foi substituído por Joseph Williams, em “Fahrenheit”, de 1986. Steve Porcaro sai em 1988, antes do lançamento do sétimo album. Em 1990, Jean-Michel Byron substitui Williams nas novas gravações para “Past To Present 1977-1990”.

Jeff Porcaro morre de ataque no coração em 1992, mas já havia gravado o próximo álbum do grupo, “Kingdom Of Desire”. Por todo este tempo, Toto teve maior aceitação no Japão e Europa do que em sua casa. Para substituir o grande baterista Jeff Porcaro, Simon Phillips, inglês, entra na banda.

“Tambu”, lançado na Europa em 1995, só apareceu nos EUA em junho de 1996.

Em 1999, gravam “Mindfields”. Bobby Kimball retorna ao grupo após uma ausência de 17 anos.

Gravaram dois discos ao vivo: o primeiro, após o lançamento do disco “Kingdom of Desire”, chamado de “Absolutly Toto Live” e o segundo, após seu ultimo lançamento em estudio, chamado “Livefields”.

Membros do Toto participaram da gravação do álbum “Thriller” de Michael Jackson em 1982.

O Toto fez um show no Brasil em 2007.

“Toto” em latim significa “totalidade”

TEARS FOR FEARS

2010-09-08T12:19:00.001-03:00

Uma das mais adoradas bandas britânicas a emergirem após a onda new wave, no ínicio da década de 80, o Tears for Fears estourou em 1985 com os hits Everybody Wants To Rule The World, Shout e Head Over Heels. Essas canções fazem parte de seu segundo álbum, Songs from the Big Chair, que chegou ao topo da parada da Billboard, onde permaneceu por 5 semanas. No total, o disco permaneceu 83 semanas no Top 200 americano, recebendo 5 discos de platina, e 81 semanas entre os mais vendidos da Inglaterra.

O Tears for Fears foi formado em 1981, em Bath, Inglaterra, depois que os amigos de infância Roland Orzabal e Curt Smith gravaram seu primeiro disco com a banda de ska Graduate. O nome Tears for Fears foi criado a partir dos ensinamentos de Arthur Janov, cuja teoria do grito primal influenciou fortemente John Lennon.

A dupla lançou seu primeiro single em 1982, Mad World, que chegou ao número 3 da parada britânica. Em 1983, eles lançam Change (#4) e Pale Shelter (#5), todos retirados de seu álbum de estréia, The Hurting.

Depois do estrondoso sucesso de Songs From the Big Chair e uma debilitante turnê mundial (que incluiu apresentações em concertos beneficentes para arrecadar fundos para aliviar a fome na África), o Tears for Fears entrou em um prolongado recesso. Eles só retornariam em 1989 com um novo e maravilhoso single, Sowing The Seeds Of Love (#2 nos EUA, #5 no Reino Unido) e o disco platinado The Seeds of Love (#1 na Inglaterra). O disco incluía a balada Woman In Chains, que ajudou a deslanchar a carreira da vocalista Oleta Adams, descoberta por Orzabal e Smith em um bar de hotel de Kansas City.

Depois da saída de Curt Smith em 1991 para seguir carreira solo, a coletânea Tears Roll Down (Greatest Hits 82-92) foi lançada, em 1992. Orzabal seguiu adiante ainda sob o nome de Tears for Fears, lançando os álbuns Elemental em 1993 e Raoul and the Kings of Spain em 1995. Os projetos solos de Smith renderam Mayfield (1998), Aeroplane (1999) e Halfway, Pleased (2008). Orzabal também lançou um álbum solo, Tomcats Screaming Outside, em 2001.

Após dez anos de silêncio, os dois reataram a amizade e, em setembro de 2001, começaram a trabalhar juntos para criar novas músicas. Em 2004, com a intenção de obter novamente o sucesso, é lançado o álbum Everybody Loves a Happy Ending.

CHROMEO

2010-09-08T11:38:00.000-03:00

Dono de timbres que remetem ao electro-funk dos anos 80, o Chromeo reúne Dave One e Pee Thug. A dupla fez suas primeiras apresentações em 2003, e no ano seguinte lançou o álbum “She’s in control”. O flerte com as décadas passadas remete à adolescência dos integrantes, amigos desde aquela época. Daft Punk é outra influência presente no som dos rapazes, que abusam dos sintetizadores para criar suas melodias. O disco “Fancy footwork”, lançado em 2007, traz hits como a faixa homônima e ainda a dançante “100 percent”.

BLACK LABEL SOCIETY

2010-09-08T11:18:00.004-03:00

Black Label Society é uma banda de Heavy/Sludge/Southern Metal criada por Zakk Wylde, ex-guitarrista de Ozzy Osbourne

A banda teve início em maio de 1998, quando Zakk Wylde chama o baterista Phil Ondich recomendado por seu amigo Nick Catanese para tocar com ele em um concerto solo na Itália

Zakk e Phil decidiram chamar a banda de “Hell’s Kitchen” (bairro de periferia de Nova Iorque) e o seu primeiro álbum de “Sonic Brewery”. Entretanto, por não conseguirem uma marca registrada para “Hell’s Kitchen”, o nome da banda foi trocado por Black Label Society, e o nome do primeiro álbum mudado para “Sonic Brew”.

Após o lançamento do segundo álbum da banda, Stronger Than Death (2000), DeServio decide deixar a banda para ir atrás de outros objetivos pessoais e a vaga foi preenchida por Steve “S.O.B.” Gibb, filho de Berry Gibb dos BeeGees. Phil passou por alguns problemas de saúde, o que interferia negativamente nos shows da banda, e foi então substituído por Craig Nunenmacher (Crowbar, banda em turnê com o BLS). Em julho de 2000, Craig grava seu álbum de estréia no Black Label Society: Alcohol Fueled Brewtality Live. Steve Gibb foi temporariamente substituído por Mike Inez do Alice in Chains durante a turnê do Ozzfest 2001. Robert Trujillo assumiu as linhas de baixo da banda no ano de 2002, lançando o álbum que originalmente se chamaria “Deathcore Warmachine Eternal”, entretanto, devido aos acontecimentos de 11 de Setembro de 2001 o CD foi lançado com outro nome, “1919 Eternal”, no dia 5 de março de 2002.

Em 2003, Trujillo entrou no Metallica, deixando aberta a vaga de baixista no Black Label Society, o que deu espaço para Inez voltar a banda para uma curta turnê de duas semanas, com o álbum The Blessed Hellride, o qual contém uma música com participação especial de Ozzy, entitulada “Stillborn”. James LoMenzo se juntou a banda em 2004, participando da gravação de algumas faixas do álbum Hangover Music Vol. VI, o último da banda lançado pela Spitfire Records.

No ano de 2005, depois de assinarem com a Artemis Records, o Mafia foi lançado. Após o lançamento do álbum, LoMenzo voltou ao Megadeth, sendo substituído pelo baixista original, John DeServio. Em 2006, a banda deixou a Artemis Records e assinou com a Roadrunner Records, lançando o álbum Shot To Hell.

Em 2008 fizeram o primeiro show no Brasil, junto com Ozzy Osbourne, nos dias 03/04/2008 no Rio de Janeiro e dia 05/04/2008 em São Paulo.

ORDER OF THE BLACK (2010)

THE BASEBALLS

2010-09-02T12:25:00.000-03:00

The Baseballs is a German Rock’n’roll cover band founded in Berlin in 2007. They became popular with rock’n’roll versions in the style of the 50s of modern hits such as Umbrella by Rihanna and Hot’n Cold by Katy Perry. The band members are only credited by their first names. Their version of Umbrella was a hit in Germany, Finland, Austria and Switzerland and got into the charts in all four countries.

KC AND THE SUNSHINE BAND

2010-09-02T12:00:00.000-03:00

KC and the Sunshine Band é um grupo musical americano. Fundados em 1973, o seu estilo incluiu funk, pop e disco. As suas canções mais conhecidas são os êxitos da disco That’s The Way (I Like It), (Shake, Shake, Shake) Shake Your Booty e Get Down Tonight. Fizeram também enorme sucesso com uma música mais lenta chamada Please Don’t go.

Fundado em 1973 por Harry Wayne Casey (“KC”), Jerome Smith, Richard Finch e Robert Johnson, a banda lançou o compacto simples das canções “Blow Your Whistle”, no mesmo ano, e “Sound Your Funky Horn”, no ano seguinte. Ainda em 1974, Casey e Finch veriam a canção “Rock Your Baby”, parceria de ambos, levar o cantor George McCrae ao primeiro lugar na parada musical norte-americana.

E AI TEM JEITO ????

2010-09-01T16:25:00.000-03:00

MEU POVO E MINHA POVA, QUERIA FALAR SOBRE ALGO QUE É O ASSUNTO DO MOMENTO,
PODERIA DIZER QUE ESTOU INDIGNADO, MAS ACHO QUE NÃO É O CASO, POIS ISSO JA ACONTECE ANTES MESMO DO MEU NASCIMENTO E BEM ANTES MESMO.

BOM! NÓS ANDAMOS PAGANDO FINAIS DE SEMANAS PARA UNS, VIAGENS PARA O EXTERIOR PARA OUTROS, ESTADIOS DE FUTEBOL PARA OUTROS AINDA, CUSTIAMOS MANSÕES , FAZENDAS, BONS HOSPITAIS E TODO TIPO DE REGALIA PARA UM PESSOALZINHO AI QUE IRONICAMENTE PROIBIRAM A GENTE DE FAZER PIADAS COM ELES(acho que não preciso ser mais especifico não é??), SENDO QUE NÓS MAIS IRONICAMENTE AINDA É QUE COLOCA ESSE PESSOALZINHO NO CARGO DELES, QUE CARGO É ESSE??

RIR DA GENTE POR 4 ANOS. É MOLE???

BOM AGORA A GENTE NÃO PODE RECLAMAR POIS ELES FORAM MUITO GENTIS EM NOS DAR O DIREITO DE FAZER PIADAS SOBRE ELES NOVAMENTE.
EM TROCA É CLARO DO VOTO, DA CADEIRA ONDE ELES IRÃO RIR DA GENTE POR 4 ANOS, ALÉM DE MARCAR AS VIAGENS E USAR O NOSSO SUADO DINHEIRINHO COMO TIVEREM VONTADE.

MAS A QUESTÃO É CLARA E AO MESMO TEMPO DESESPERADORA, SE POSSO DIZER DESSA FORMA, POIS NÃO HÁ NINGUEM QUE REALMENTE OLHE POR NÓS, SE TIVER ALGUEM QUE NÃO ROUBE OU QUE FAÇA ALGO CONTRA NOSSA CONFIANÇA, ME DIGAM !!!

AH PRA ENCERRAR ESSA PEQUENA HISTORINHA, QUERIA DEIXAR CLARO QUE NÃO FOI UMA PROIBIÇÃO A NÓS , FAZER PIADAS, APENAS UM AVISO PARA QUE NÃO PERDESSEMOS NOSSO TEMPO , POIS BASTA ASSISTIR AO PROGRAMA ELEITORAL E AS PIADAS E ABERRAÇÕES JA ESTÃO LÁ.

COMENTEM E OPINEM , FICO AGUARDANDO !!!!!!
ABRAÇOS

JOHN COLTRANE

2010-09-01T10:59:00.000-03:00

John William Coltrane (Hamlet, 23 de Setembro de 1926 — Nova Iorque, 17 de Julho de 1967) foi um saxofonista e compositor de jazz norte-americano, tendo atuado principalmente durante as décadas de cinquenta e sessenta. Comumente considearado pela crítica especializada como o maior sax tenor do Jazz e um dos maiores jazzistas e compositor deste gênero de todos os tempos. Sua influência no mundo da música ultrapassa os limites do Jazz, indo desde o Rock até a Música Erudita.

Nascido na Carolina do Norte, neto de um pastor evangélico, John Coltrane cresceu em High Point e em Nova Jérsei numa época de forte segregação racial em meados da década de vinte tendo tido uma infância pobre, como a maioria das crianças negras daquela época em seu país. Seu interesse pela música começou devido ao seu pai que tocava vários instrumentos musicais e que o incentivou a estudar música. Durante sua adolescência, Coltrane perdeu vários parentes, como sua tia, seu avô e seu pai. Essas perdas o marcariam por toda sua vida.

Coltrane começou sua carreira tocando em várias big bands após o fim da Segunda Guerra Mundial. Tocou com vários gigantes do Jazz como Dizzy Gillespie e Paul Chambers (depois voltaria a tocar com ele no quinteto-sexteto de Miles Davis).

De 1955 a 1960 fez parte do histórico quinteto de Miles Davis, tendo participado de discos memoráveis como Cookin’, Relaxin’, Steamin’, ‘Round About Midnight e Workin’, todos de 1956. No ano seguinte gravou seus primeiros álbuns como líder, tendo Blue Train alcançado maior destaque no meio jazzistico. Essa foi a sua primeira grande fase como músico, embora tenha sido um período muito difícil em sua vida pessoal, devido à um vício em heroína , adquirido no final dos anos quarenta. Este foi o motivo pelo qual Miles Davis o tenha demitido ainda no fim do ano de 1956. Em 1957 foi contratado pelo grande pianista Thelonious Monk e gravado alguns álbuns com ele, sendo Thelonious Monk with John Coltrane o de maior reconhecimento.

Em 1958, Coltrane foi recontratado por Miles Davis iniciando sua grande fase como sideman. Nos próximos anos gravaria dois álbuns que entrariam para a História do Jazz:

* Milestones(1958), um grande álbum do Cool Jazz .

* Kind of Blue(1959), o álbum símbolo do Cool Jazz.

O sexteto de Miles Davis, além de John Coltrane, contava com outros dois grande músicos do Jazz: o célebre pianista Bill Evans e o grande contra-baixista Paul Chambers. Este álbum foi um dos maiores sucessos da história do gênero.

Em 1960, após deixar o conjunto de Miles, Coltrane iniciou uma nova fase, liderando um quarteto com McCoy Tyner ao piano, Jimmy Garrison ao contrabaixo e Elvin Jones à bateria, e iniciou uma ousada e inédita exploração do espaço sonoro jazzístico. Coltrane desenvolveu um estilo absolutamente próprio, onde predominavam as chamadas sheets of sound (folhas ou camadas de som), que se compunham de longas frases de notas rápidas tocadas em legato. Coltrane embarca numa radicalização da harmonia que o leva à beira da atonalidade. Também fragmenta e desconstrói os temas, deixando-os quase irreconhecíveis sob um congestionamento de frases torturadas. A produção do quarteto de Coltrane entre 1960 e 1965 é um marco na história do jazz, comparável ao quinteto de Miles. As várias, longuíssimas e impressionantes versões de Coltrane para My Favorite Things, valsa aparentemente banal de Rodgers e Hammerstein, são antológicas. Em 1965 o quarteto cria aquela que é unanimamente considerada sua obra-prima, a suíte em quatro movimentos A Love Supreme.

Embora vindo do hard bop, o Coltrane de 1955 a 1965 já podia ser considerado em certo sentido um precursor do free jazz. Porém em 1965 sua ligação com a vanguarda se torna ainda mais direta, quando se une a músicos free como o baterista Rashied Ali, os saxtenoristas Archie Shepp e Pharoah Sanders, entre outros. Sua mulher, a pianista Alice Coltrane, também o acompanha nessa nova, arrojada e curta fase. O disco Ascension é uma obra-prima desse período, já desvinculado da harmonia tonal. Bastante religioso, Coltrane imprimiu às suas obras de 1965-1967 um forte conteúdo religioso e místico. Morreu repentina e prematuramente, em 1967, aos 40 anos, de câncer no fígado. Após sua morte, uma grande quantidade de gravações inéditas foi sendo localizada e lançada, permitindo ao público avaliar melhor o quão monumental é sua obra.

LIVE

2010-09-01T10:44:00.003-03:00

Formada em York, Pennsylvania por Patrick Dahlheimer (baixista), Chad Taylor (guitarrista), Chad Gracey (baterista) e Ed Kowalczyk (vocalista e guitarrista). O nome da banda, como afirma o vocalista, foi escolhido “por acaso”. Eles colocaram vários nomes no papel, dobraram e colocaram num boné. Live foi o nome sorteado.

O estilo da banda é caracterizado como rock alternativo, e suas letras, na maior parte, falam sobre questionamentos, amor e liberdade. Entre seus maiores sucessos, pode-se destacar “The Dolphin’s cry”, “Heaven, “Pain lies on the riverside”, enorme sucesso entre os anos 1990 e 1991 (sendo uma das mais executadas na MTV Brasil) e “Selling the drama”.

A metafísica filosófica por trás da sonoridade marcante do Live é sutil, mas relevante em toda a sua trajetória musical. O álbum “Songs From Black Mountain”, por exemplo, trás um som mais leve e melódico (como em “The river” e ‘Where do we go from here?”), se comparado ao “Secret Samadhi”, que tem questionamentos mais ácidos, notas mais densas e metais mais pesados, vale a pena conferir “Ghost”, Rattlesnake” e “Gas hed goes west”.

PRIMUS

2010-09-01T09:43:00.006-03:00

A banda Primus, originalmente chamada Primate foi formada em 1984 por Les Claypool (vocalista e baixista), Todd Huth (guitarrista) e Jay Lane (baterista). Depois do curto período que a banda teve, Les voltou à sua banda de colégio, os Blind Illusion e gravou um álbum, o The Sane Asylum.

Depois deste álbum Les saiu dos B.I. e trouxe consigo o guitarrista Larry Lalonde e em 1989 voltou aos Primus com Larry e o baterista Tim “Herb” Alexander.

O álbum de estreia saiu apenas em 1990, o Suck On This, gravado ao vivo e lançado de forma independente. Algumas músicas deste primeiro disco foram regravadas no primeiro álbum de estúdio, Frizzle Fry, ainda em 1990. O material restante seria usado nos álbuns a seguir, com excepção apenas para a música Jellikit, embora tenha sido feita uma versão alternativa mais tarde.

Com a boa repercussão dos dois primeiros álbuns independentes o Primus foi contratado ainda em 1991 por uma editora profissional, a pequena Interscope Records. Gravou o Sailing The Seas of Cheese ganhando um Álbum de Ouro. Este Álbum conta com a participação de Tom Waits em Tommy The Cat. Em 1993 com o álbum Pork Soda a banda Primus subiu as paradas dos Estados Unidos. Em 1995 saiu o Tales From the Punchbowl, o último trabalho de estúdio com Tim Alexander, que saiu em 1996 por alegar diferenças criativas. O seu substituto foi Brian Mantia, mais conhecido por Brain. Com esta formação, gravaram dois albuns, Brown Album, de 1997, e mais tarde Antipop, em 1999, que contou com a presença de ilustres convidados.

Em 2003 lançaram Animals Should Not Try To Act Like People, um pack cd/dvd que conta com 5 novas músicas e 3 horas de vídeo, respectivamente. Nessas 3 horas estão incluídos todos os vídeoclips da banda e filmagens raras. Em 2004 saiu o dvd ao vivo Hallucino Genetics Live 2004, gravado em Chicago.

KEB MO

2010-08-31T17:03:00.000-03:00

Keb’ Mo’ , nascido Kevin Moore em 13 de outubro de 1951, em Los Angeles, Califórnia, é um dos maiores nomes atuais do blues.

Começou tocando tambor de ferro e contrabaixo em uma banda de calypso (estilo de música afro-caribenho originário de Trinidad e Tobago). Nos anos 70, seguiu em frente sendo músico de apoio para várias bandas; Tocando, inclusive, com o violinista do Jefferson Airplane, Papa John Creach, em seu projeto solo.

Seu primeiro lançamento saiu em 1980 pela Chocolate City Records, foi Rainmaker. Passou inúmeros anos tocando com a banda Whodunit Band. Fez jams com Albert Collins e Big Joe Turner ao longo deste tempo e acabou sendo reconhecido como um genuíno talento que guardava as raízes do blues em seu sangue.

Em 94, lança seu primeiro álbum, o auto-intitulado Keb’ Mo’, que trazia dois covers do mestre Robert Johnson, sua maior influência, de acordo com o próprio Moore. Em 96, lança Just Like You, álbum cheio do ritmo do delta, contando com as participações especiais de Bonnie Raitt e Jackson Browne e lhe rendeu seu primeiro Grammy. Em 99, vem seu segundo Grammy com o álbum Slow Down, que tinha uma música em tributo a Muddy Waters (auto-intitulada) e uma nova versão de uma antiga música sua, Rainmaker.

Em 2000, Keb’ Mo’ lançou mais dois novos álbuns: The Door e Big Wide Grin, um álbum destinado para crianças, trazendo algumas músicas que marcaram a infância de Keb’ e também algumas de suas próprias composiçõs. Em 2004 lançou, novamente, dois álbuns: Keep It Simple (que lhe rendeu seu terceiro Grammy) e Peace… Back By Popular Demand. Em 2006, vem seu oitavo álbum, Suitcase. Em 2009, lança seu álbum ao vivo.

Keb’ Mo’ também teve algumas aparições em cinema, tendo interpretado Robert Johnson no documentário Can’t You Hear The Wind Howl? de 1998. Fez 3 participações especiais no seriado O Toque de um Anjo (Touched By An Angel). Teve outra participação especial no seriado Nos Bastidores Do Poder (West Wing). Em 2007, apresentou-se no Sundance Film Festival. E no mesmo ano, interpretou um espírito Possum no filme Honeydripper, de John Sayles.

Keb’ Mo’ também teve atuações em movimentos políticos, como o No Nukes group, que era contra a expansão da energia nuclear. Além de ter tocado na turnê do Vote for Change em 2004, cujo objetivo era fazer as pessoas se registrarem e votarem contra George W. Bush e a favor de John Kerry.

PANTERA

2010-08-31T16:48:00.000-03:00

Formada em 1981, a banda atingiu muito sucesso, até mesmo na segunda metade da década de 90 quando a popularidade do heavy metal começava a cair. Eles faziam metal moderno (ou o chamado “power-groove”, termo cunhado pela própria banda pois boa parte de suas músicas possuíam riffs “grudentos”). Isso fica especialmente evidente no álbum Vulgar Display of Power.

O Pantera lançou três discos (Metal Magic, de 1983, Projects In The Jungle, de 1984 e I Am The Night, de 1985) antes de demitir o então vocalista Terry Glaze para a entrada de Phil Anselmo no quarto disco, Power Metal, de 1988. Na época, Glaze teria sido informado sobre assinar com uma gravadora pertencente a Gene Simmons do KISS, mas Terry rejeitou o contrato e foi mandado embora. Os membros restantes encontraram Phil Anselmo em Nova Orleans e produziram Power Metal, uma gravação onde Phil regravou algumas canções cantadas originalmente por Glaze, além de algumas originais.

O primeiro álbum de sucesso comercial foi Cowboys From Hell, de 1990. Neste ponto, a música do Pantera ainda era fortemente influenciada por heavy metal clássico, com vocais ao estilo de Rob Halford do Judas Priest e riffs e solos mais complexos do guitarrista Dimebag Darrell, embora o álbum também tenha começado a demonstrar um estilo muito mais extremo do que os trabalhos anteriores.

O álbum de maior sucesso foi Vulgar Display of Power, de 1992, onde os vocais em falsete foram substituídos por vocais gritados mais influenciados pelo Thrash-Metal e um som de guitarra muito mais pesado. A extensão do crescimento de popularidade deste álbum pode ser vista no sucesso instantâneo do álbum seguinte, Far Beyond Driven, de 1994, que estreou no topo das paradas americana e australiana de discos, sendo o primeiro disco de metal a conseguir tal feito, apesar da crise de metal na América na época. Neste disco, o som tomou um rumo mais extremo. O próximo álbum, The Great Southern Trendkill, foi lançado em 1996. O álbum fez um sucesso moderado, especialmente considerando a época em que foi lançado. O último disco do Pantera, de 2000, foi Reinventing The Steel, incluindo os singles “Goddamn Electric” e “Revolution is My Name”.

A banda se dissolveu depois que Anselmo deixou a banda para buscar outros trabalhos com bandas como Down, embora os irmãos Abbott não tivessem terminado oficialmente a banda até iniciar os trabalhos em seu novo projeto, New Found Power. Como nas circunstâncias em que Rob Halford saiu do Judas Priest, os membros restantes ficaram no aguardo que ele retornasse, mas isso nunca aconteceu. Ao invés, Anselmo decidiu continuar com uma de suas (muitas) bandas paralelas, o Superjoint Ritual. Após o lançamento do segundo disco desta banda (A Lethal Dose of American Hatred, de 2003), o baterista Vinnie Paul (Abbott) e Dimebag Darrell (Abbott) formaram o New Found Power, que logo após foi rebatizado como Damageplan (New Found Power acabou sendo o nome do único álbum da banda).

O fim da banda não foi amigável e, subseqüentemente, a imprensa provocou uma guerra entre Superjoint Ritual e Damageplan. Entre as acusações plantadas, dizia-se que Anselmo e os irmãos Abbott tinham dificuldades em concordar sobre que direção eles queriam que a sonoridade do Pantera tomasse. Vinnie Paul e Dimebag chegaram a comentar que Anselmo os forçava a fazer as músicas que ele queria, não podendo assim experimentar e arriscar com suas gravações. Além disso, o vício de Anselmo em drogas (ele já chegou a ter uma overdose de heroína) era conhecido por causar turbulências entre a banda. Por fim, como resultado de outros problemas internos à banda, a relação entre Anselmo e os irmãos Abbott se deteriorava rapidamente de uma forma geral. No meio do fogo cruzado estava o baixista Rex Brown, que por fim ficou do lado de Anselmo, tocando com ele no segundo disco do Down, A Bustle In Your Hedgerow, de 2002.

Em 2004, um fanático do Pantera chamado Nathan Gale matou Dimebag Darrell a tiros na casa de espetáculos Alrosa Villa, em Columbus, Ohio, quando o Damageplan entrou no palco. Um membro da platéia, uma empregada do local e um segurança da banda também foram assassinados antes que Gale fosse morto a tiros pelo policial James Niggemeyer.

Após a morte de Dimebag, uma reunião do Pantera tornou-se obviamente impossível, mas comentários públicos de Phil Anselmo após o tiroteio sugeriram que ele teria cogitado se reunir com a banda.

MEGADETH

2010-08-31T16:37:00.000-03:00

O grupo foi formado em 1983, dissolvido em 2002, e voltou a formação em 2004. O grupo foi um dos pioneiros no estilo Thrash Metal, porém com a evolução do estilo as batidas cruas são substituídas por um som mais complexo e trabalhado fazendo com seus principais albuns estejam entre os melhores de todos os tempos do Heavy Metal.

Pouco depois de Dave ter se retirado do Metallica (onde ele era o guitarrista solo) junto com o baixista David Ellefson, formou o Megadeth. Dave tornou-se o vocalista e o principal letrista das canções do grupo, bem como primeiro guitarrista. A banda rapidamente expandiu-se com o baterista Gar Samuelson e o guitarrista temporário Kerry King (do grupo Slayer). No mesmo ano, King foi substituído por Chris Poland.

O guitarrista Dave Mustaine fundou a banda em 1983, após ter se retirado do Metallica por problemas de personalidade e também por causa do álcool. Seus antigos companheiros mandaram Mustaine para casa numa viagem de carro de 48 horas. No percurso, Dave leu num panfleto político o término das “megadeath” (megamortes, unidade de medida equivalente a um milhão de mortes humanas nas guerras). A partir daí, surgiu uma das maiores bandas de Thrash Metal de todos os tempos. Há rumores de que Dave tenha formado a banda por apenas uma suposta “dor de cotovelo”, por ter sido expulso da banda que gostava, porém, com vários motivos, diz o próprio em uma entrevista a uma revista americana.

Após a saída do Metallica, Dave procurou músicos em todos os cantos dos Estados Unidos. Devido a seu passado, integrante do Metallica, Dave obteve maior facilidade, então. Poucas semanas depois, a primeira formação do Megadeth foi formada. Era Composta por Dave Mustaine,Dijon Carruthers, David Ellefson e Greg Handevidt. Esta formação chegou a fazer alguns shows juntos, mas não durou muito tempo, pois Dave não achou Greg e Dijon competentes para continuar com o Megadeth. Meses depois a primeira versão oficial do Megadeth foi formada com Mustaine, o baixista David Ellefson, o guitarrista Chris Polland e o baterista Gar Samuelson. Com Poland, Mustaine, Samuelson e Ellefson tocando, o Megadeth lançou o demo Last Rites e em 1985 o primeiro e excelente Killing Is My Business… And Business Is Good, com excepcional aceitação do público e da mídia.

Após lançarem Peace Sells… But Who’s Buying em 1986 Chris Polland e Gar Samuelson foram despedidos da banda por Mustaine, sendo substituídos pelo guitarrista Jeff Young e pelo baterista Chuck Behler. Essa formação lançou um novo álbum intitulado So Far, So Good… So What! com destaque para a música In my Darkest Hour, que foi por 3 meses a mais tocada nas rádios americanas.

Infelizmente naquela época o relacionamento de Mustaine com os membros do grupo não era muito bom. Ele sofria de dependência de drogas, e foi preso algumas vezes por isso. Um dia a polícia prendeu-o com oito tipos de drogas injetáveis. Após isso ele teve que ser internado em uma clínica de reabilitação.

Poucos meses depois Mustaine dizia-se um novo homem e reformulou a banda que era composta pelo guitarrista Marty Friedman e o baterista Nick Menza.

Esta formação lançou o Álbum Rust In Peace, um sucesso de vendas em todo o mundo, e por várias semanas entre os TOP 10 dos Estados Unidos. Este álbum é considerado um classico do thrash metal, e alguns o apontam, ao lado de Master Of Puppets do Metallica, como o melhor de toda história desse estilo.

Em 1992, lançaram Countdown To Extinction também um grande sucesso comercial. O destaque vai para a música Symphony of Destruction que é a mais conhecida do público.

Youthanasia, lançado em 1994, manteve o bom nível do álbum anterior, e a música A tout le monde foi por quase 1 ano a mais tocada nas rádios dos Estados Unidos. No mesmo ano Dave acabou a briga com Hetfield e o Metallica tocou com o Megadeth várias vezes. Em meados dos anos 90, foi tentado uma reunião com a formação “quase original” do Metallica, com James Hetfield no vocal, Dave Mustaine na guitarra solo, Lars na bateria e o lugar de Cliff Burton seria ocupado por David Ellefson. Mas os contactos entre os empresários não deram certo.

No ano 95 lançaram o álbum Hidden Treasures que agradou o público mas a mídia não deu muita atenção.

Em 1997 o Megadeth lançou Cryptic Writings, um álbum de “volta às origens” com músicas que lembram toda a carreira da banda: “She-Wolf”, “Trust”, “Secret Place”, “Vortex”, “FFF”, “Almost Honest”, “The Desintegrators”

Nesse mesmo ano Nick Menza saiu da banda, os motivos são desconhecidos. Muitos dizem que um câncer no joelho o tirou da banda. Ele foi substituido por Jimmy DeGrasso.

Em 1999, a banda lançou o polêmico álbum Risk, que continha músicas semi-eletrônicas. Este álbum desiludiu muitos fãs da banda e foi um fracasso crítico e comercial. Destaque para a música “Crush Em’” que foi tema do filme Soldado Universal. Um dos fãs assumidos que a banda ganhou, foi o ator Jean-Claude van Damme, que hoje é um grande amigo de Dave Mustaine.

Mustaine previa que o álbum Risk seria o último do guitarrista Marty Friedman. Até hoje não se sabe ao certo o motivo de sua saída, a versão oficial é de que ele não queria mais tocar em nenhuma banda, e sim criar uma longa carreira solo, o qual vem dando certo até hoje. Para o seu lugar foi escalado Al Pitrelli ex-guitarrista da banda Savatage.

Era o ano de 2001, e a banda lançava o polémico álbum The World Needs a Hero. Este teve muito boa aceitação. Uma curiosidade é que a banda foi barrada ao entrar na Malásia para fazer um show. O motivo foi que causava má conduta e deixava os jovens visivelmente modificados.

No dia 3 de abril de 2002 Dave decide encerrar temporariamente o Megadeth por problemas em um nervo no braço. Naquela época ele entrou em crise com David Ellefson, o baixista da banda. Houve muitas brigas, inclusive judiciais. Em meio de todas essas confusões, Mustaine relança o álbum Killing Is My Business… And Business Is Good!, com novas faixas.

Era o ano de 2004, e todos pensavam que a banda ia encerrar definitivamente as suas atividades. Mas Dave Mustaine conseguiu recuperar do seu problema no nervo e anuncia o reínicio da banda. Ainda lançam mais CD remasterizados e com faixas novas.

Na metade do ano 2004, o Megadeth lança o álbum The system has failed para alguns o segundo melhor da história do grupo. As letras eram ótimas e faziam ataques ao atual governo americano. Chris Poland (guitarra), Vinnie Colaiuta (bateria) e Jimmy Lee Sloas (baixo) completaram a banda.

Após as vendas do novo álbum serem melhores de que o esperado, Mustaine anuncia uma tour pelo mundo inteiro. Chama o guitarrista Glen Drover e seu irmão Shawn Drover para a bateria. O baixista foi James MacDonough. Em 11 de outubro de 2005, a banda veio tocar no Brasil.

Em Fevereiro de 2006, o então baixista MacDonough foi despedido por Mustaine. Boatos na internet sugeriram a volta de David Ellefson, que fez as pazes com Dave um mês antes. Todos queriam isto menos ele. Chamou o baixista James LoMenzo.

Ainda em 2006 a banda lançou o novo DVD entitulado Arsenal of Megadeth que está muito bem nas vendas nos Estados Unidos e no Brasil. Os planos para 2007 são vários. Em março, a banda lançou um DVD entitulado That One Night, Live in Argentina. United Abominations, o novo álbum de estúdio, saiu em maio e desponta como o retorno da banda às suas raízes, e vem fazendo muito sucesso entre os fãs do mundo inteiro.

Recentemente, a banda lançou uma nova coletânea, entitulada Megadeth Warchest na qual traz 4 CD’s com grandes músicas da banda, incluíndo inéditas e um DVD bonus de um show.

No dia 14 de Janeiro de 2008, Mustaine anunciou oficialmente a saída de Glen Drover por motivos particulares. O escolhido para substituir Glen foi o ex-guitarrista do Nevermore, Chris Broderick.

Com Chris Broderick na guitarra, a banda lançou em 2009 o excepcional Endgame, que até agora teve muito boa aceitação da mídia e do público, sendo considerado um dos melhores albuns já lançados pelo Megadeth. Provavelmente um dos melhores albuns da história do Thrash Metal.

No dia 8 de Fevereiro de 2010, Mustaine anuncia a volta do baixista original David Ellefson, que integrara a banda desde seu início até 2002.

STONE TEMPLE PILOTS

2010-08-31T16:00:00.001-03:00

O Stone Temple Pilots é uma das principais bandas norte americanas do cenário grunge nos anos 90, na qual faziam parte: Nirvana, Soundgarden, Pearl Jam, Alice in Chains, entre outras. Ela é também uma das poucas bandas do cenário grunge que não vieram de Seattle, são de San Diego, California. Têm influências evidentes de hard rock e até mesmo o punk. O abuso no consumo de drogas por parte do vocalista Scott Weiland levou ào fim da banda em 2003. Entretanto, em janeiro de 2008, o próprio Weiland afirmou em uma entrevista que a banda voltaria aos palcos. A banda está atualmente no estúdio trabalhando no sexto álbum que planejam lançar em Dezembro de 2009.

Stone Temple Pilots começou quando Scott Weiland conheceu Robert DeLeo em um show da banda punk Black Flag em Long Beach California em 1986. Eles discutiam sobre as namoradas e então perceberam que estavam namorando a mesma garota. Os dois terminam com ela, que sai da cidade, e Weiland e DeLeo mudam para o apartamento alugado dela. Imediatamente, Weiland e DeLeo formam uma banda com dois amigos do Scott, Corey Hicock (guitarrista) e David Allin (baterista). Depois que Allin deixa a banda, o baterista Eric Kretz o substitui. Logo depois, o irmão de Robert DeLeo, Dean DeLeo substitui o guitarrista Hicock e completa o quarteto. Eles então chamaram a banda de Mighty Joe Young.

A banda gravou uma fita demo por volta de 1990. Durante a gravação do primeiro álbum, eles são informados pelo advogado que havia um músico de blues com o nome de Mighty Joe Young e mudam o nome para Shirley Temple’s Pussy. Mas logo depois por causa da pressão da gravadora, eles mudaram o nome novamente, e como gostaram das iniciais “STP”, mudaram o nome da banda para Stone Temple Pilots em 1992.

O primeiro CD da banda, integrada por Scott Weiland (vocais), Robert DeLeo (baixo), Dean DeLeo (guitarra) e Eric Kretz (bateria) foi lançado no mesmo ano: Core, que vendeu mais de 7 milhões de cópias em todo mundo. Criticados no início da carreira por fazer um som que muitos consideravam uma mistura de Pearl Jam com Alice in Chains, o STP ganhou o prêmio da MTV de “Banda Revelação” pelo clipe da música Plush e alcançou o respeito no meio musical.

Em 1993, a banda gravou um acústico para a MTV e em 1994, lançou o segundo CD, Purple, que mais uma vez foi sucesso de vendas com mais de 5 milhões de cópias vendidas. Já consagrada como uma das principais bandas de hard rock, o terceiro trabalho do STP chegou em 1996 com o título Tiny Music…Songs from the Vatican Gift Shop. No meio da turnê, o vocalista Scott Weiland teve sérios problemas com drogas e a banda foi obrigada a cancelar várias apresentações. Rumores de que os outros integrantes teriam feito as músicas e creditado a autoria a Scott resultou na venda de 2 milhões de discos no mundo, um número bem inferior aos alcançados com os CDs anteriores.

As músicas desse CD mostravam claramente a situação vivida pelo grupo. Em Tumble In the Rough, um dos versos diz: “Eu estou procurando por uma nova meditação, ainda procurando uma nova maneira para voar, e não uma nova maneira de morrer”.

Depois desse trabalho, a banda gravou discos separadamente. Scott lançou 12 Bar Blues e os outros integrantes chamaram o ex-vocalista do Ten Inch Men, Dave Coutts, e montaram um novo grupo chamado Talk Show. Em 1999, a banda se reuniu novamente e lançou “No. 4”, mas logo após seu retorno Scott foi preso por porte de heroína e o STP teve que parar novamente.

Em 2001, com Scott livre, a banda lançou Shangri-la Dee Da, com composições que agradaram quase todos os públicos, voltando a fazer sucesso em todo o mundo. A coletânea “Thank You” foi lançada em 2003 com os principais hits dos discos anteriores, principalmente do CD “Core”, que conta com 4 faixas, entre elas Wicked Garden, Creep, Plush e Sex Type Thing. Segundo a crítica, duas músicas faltaram nesta junção: Crackeman e Piece of Pie.

Os intermináveis problemas do vocalista com o uso de drogas fizeram com que a banda terminasse. Mas o que pesou também para o fim da banda foi o fim do relacionamento íntimo de Scott com De Leo. Após o término da banda Scott Weiland formou o Velvet Revolver, junto aos antigos membros do Guns N’ Roses, Slash, Duff McKagan e Matt Sorum ainda com Dave Kushner ex-Wasted Youth. Os irmãos Robert e Dean DeLeo viraram produtores musicais e o primeiro trabalho deles nesta área é o lançamento do grupo Libertines, depois de trabalharem com o ex-vocalista do Filter, Richard Patrick, formaram a banda Army of Anyone. O baterista Eric Kretz construiu um estúdio em sua casa.

Em 20 de janeiro de 2008, o blog Miami Herald relatou que Scott disse que o público “deve ser à procura de um reencontro do STP nos próximos meses”. No dia 29 de dezembro de 2007, Billy Morrison no Camp Freddy Radio alegou que têm espaços para shows. Existem rumores que a turnê de reencontro vai ocorrer em maio, no festival Rock on the Range. Tudo isto coincide com uma citação de Scott Weiland no verão passado, quando ele declarou: “A única coisa que lhe deixou inacabada é a conclusão da história. Eu sinto que poderia haver um melhor capítulo final”.

Em 25 de janeiro de 2008, Slash guitarrista do Velvet Revolver, confirmou o reencontro do STP por dizer à Billboard que Scott estaria de volta a sua antiga banda. A MTV também relatou o caso no mesmo dia em que a indústria da música. Há também rumores recentemente divulgados em sites de fãs, de que a banda já começou a gravar um novo material no estúdio de Eric Kretz, o Bomb Shelter, localizado em Los Angeles.

ROB ZOMBIE

2010-08-31T14:37:00.000-03:00

Rob Cummings, que depois se tornaria Rob Zombie, nasceu em Haverhill, Massachusetts. Quando se formou na escola, Rob mudou-se para Nova York, onde trabalhou como assistente de produção e desenhista de uma revista pornô, juntamente com a namorada, Sean Yseult, formada em design na Carolina do Sul. Foram alguns anos juntos nesse meio, até que, em 1985, eles decidiram partir para a música.

WHITE ZOMBIE

Ao lado de Tom Guay e Ivan DePrume, o casal montou a banda White Zombie, em 1985. Rob era fã de filmes de horror e o nome foi dado em referência ao filme “White Zombie”, com Bela Lugosi, em 1932. A formação era Rob nos vocais, Ivan na bateria, Tom na guitarra e Sean no baixo. O curioso é que ela não sabia tocar o instrumento e ficava apenas segurando o baixo e se movimentando nos shows. Rob era ainda o responsável pela arte dos álbuns, design das camisetas, vídeoclipes e da concepção dos cenários dos shows.

A história da banda incluiu muitas mudanças de integrantes, expulsões e o término do namoro de Rob e Sean. O lançamento mais famoso do White Zombie veio só em 1995, “Astro Creep 2000”, que chegou ao sexto lugar da Billboard. Rob dirigiu o vídeoclipe da música “More Human Than Human”, que ganhou naquele ano o MTV Video Music Awards na categoria de melhor vídeo Hardcore.

Durante a turnê do disco, Rob participou de alguns projetos solos. Fez um dueto com Alice Cooper para a trilha sonora do seriado “Arquivo X”, a música “The Hands of Death”, que chegou a ser nomeada a um Grammy. O músico foi ainda convidado a criar uma cena para o filme “Beavis e Butt-head Do America”. Neste período, o White Zombie tirou longas férias e anunciou que não voltaria a tocar. Foi a deixa para Rob Zombie se dedicar à carreira solo.

O primeiro trabalho demorou um ano para ficar pronto, foi lançado pela Geffen em agosto de 1998. “Hellbilly Deluxe” foi produzido pelo próprio Rob em parceria com Scoot Humphrey, que já havia trabalhado com os Metallica. O disco entrou no Top 5 da Billboard. O show que Rob criou incluiu luzes, sons e vídeos especiais. O álbum vendeu 3 milhões de cópias e a turnê acumulou um público de 1 milhão de pessoas. A nomeação ao Grammy com a música “Superbeast” na categoria melhor performance de Hard Rock, só confirmou o sucesso.

De volta para casa depois da turnê, Rob lançou um disco com remixes do primeiro trabalho solo, “American Made Music to Strip By”. O trabalho incluiu também as músicas que entraram nas trilhas sonoras de “Matrix” e “Fim dos Dias”. Em 2000, o cantor escreveu a música “Scum of the Earth” para outro filme, “Missão Impossível II”, que vendeu três milhões de cópias. No mesmo ano, Rob resolveu se arriscar no mundo do cinema e começou a trabalhar no seu primeiro filme, “House of 1000 Corpses”, pela Universal Studios.

O longa, com roteiro e direção de Rob, teve problemas de distribuição e o lançamento levou anos para acontecer. A Universal achou o filme muito escuro e perturbador e se recusou a lançá-lo, o que também aconteceu com a Miramax e a MGM. A única que se interessou no trabalho foi a Lion Gates, mas o filme só estreou em abril de 2003.

Enquanto isso, Rob Zombie não ficou parado. “The Sinister Urge” foi lançado em 2001 pela Universal Music e co-produzido novamente por Scott Humphrey. O que chamou a atenção no disco foram as participações especiais, entre elas Ozzy Osbourne e Beasties Boys. O som, mais dramático, ganhou reforço com alguns músicos de orquestra, tudo gravado ao vivo no estúdio, sem nenhum truque com computador.

Em 2003, Rob lançou uma coletânea da carreira solo e com algumas músicas do White Zombie. O disco foi muito bem recebido, chegou a vender 500 mil cópias nos primeiros meses, além de ter começado 2004 na décima primeira posição da Billboard.

CURTIS MAYFIELD

2010-08-31T13:23:00.000-03:00

Curtis Mayfield conquistou fama e sucesso no começo da década de 60 como compositor e vocalista do Impressions, grupo que dominou as paradas com os hits ‘Gypsy Woman’ (1961), ‘It’s All Right’ (1963) e ‘People Get Ready’ (1965), entre outros. Suas letras alternavam românticas declarações de amor e as primeiras reivindicações sociais e políticas do movimento negro. Isso em um tempo que os cantores de soul não eram os compositores das músicas que cantavam.

Em 1970, Curtis parte para a inevitável carreira solo já emplacando ‘(Don’t Worry) If There’s A Hell Below We’re All Going To Go’ uma canção de protesto com muito suingue e a metaleira comendo solta. Seu talento como produtor e guitarrista ficam ainda mais evidenciados e junto a Marvin Gaye e Stevie Wonder forma a tríade básica para a música negra nos anos 70. Ele é considerado o arquiteto do chamado soul de Chicago produzindo inúmeros cantores e cantoras dessa época.

Antecipando os temas que seriam corriqueiros no hip-hop na década seguinte, Curtis Mayfield fala dos problemas que o negro americano sofre por viver em um gueto: drogas, crime e a inevitável morte cedo demais. Em ‘Superfly’ - trilha sonora de um blaxploitation (estilo que dominou os anos 70 de filme para negros feito por negros que Quentin Tarantino adora e homenageou em ‘Jackie Brown’) - esses ingredientes chegam à perfeição e Curtis escreve sua obra-prima.

Essas e mais outras 30 canções estão no CD duplo The Definitive Collection - Curtis Mayfield que a gravadora Paradoxx coloca nas lojas brasileiras. ‘Move On Up’, ‘Freddie’s Dead’, ‘Do Do Wap Is Strong In Her’, ‘Future Shock’ e ‘Homeless’, entre outras, comprovam o talento do primeiro grande compositor negro a falar da opressão que seu povo sentia com firmeza, mas sem rancor, com muita ginga e propriedade.

Em 1990, um acidente quase que improvável (uma peça da torre de iluminação de um show cai sobre ele) deixa Curtis imóvel do pescoço para baixo. A partir daí, algumas homenagens foram feitas e um disco com Lenny Kravitz, Whitney Houston, Aretha Franklin, Bruce Springsteen, Rod Stewart, Elton John e Steve Winwood, entre outros, foi gravado em tributo a sua obra, mas tudo ficou muito difícil para ele. Em 96, propondo e realizando verdadeiros malabarismos no estúdio para poder cantar, Curtis lançou o álbum ‘New World Order’, mas poucos se dispuseram a ouvi-lo e o constrangimento foi inevitável. Em dezembro de 99, Curtis morre em um hospital.

DAVE MATHEWS BAND

2010-08-30T16:07:00.000-03:00

Dave Matthews viveu na África do Sul até seus 10 anos de idade, quando seu pai faleceu devido a complicações da doença de Hodgkins. Sua família então mudou para Yorktown Heighs, Nova York mas aos 12 anos ele retorna à Africa do Sul onde permanece mudando de escola para escola, concentrando-se mais na música do que nos estudos. Após o colegial, Dave se estabelece em Charlottesville, Virgínia onde, incerto do que iria fazer, torna-se um conhecido e querido barman no Miller’s.

Encorajado pelo amigo e guitarrista Tim Reynolds, Dave mostra seu lado musical e, a partir de canções que havia escrito, convida o saxofonista LeRoi Moore e o baterista Carter Beauford para gravar uma demo tape. Assim, em 1991, nasce a Dave Matthews Band. Junto com Matthews, Beauford e Moore, nessa primeira formação, estão: Stefan Lessard (baixo), Boyd Tinsley (violinos) e Peter Griesar (teclados).

Desde 1998, o tecladista Butch Taylor se apresenta ao vivo com a banda. A partir de 2005, o trompetista Rashawn Ross (ex-Soulive) também passou a fazer parte da banda ao vivo. Nenhum dos dois é considerado um integrante oficial.

Em Agosto de 2008, após variadas complicações sofridas devido a um acidente de moto, o saxofonista LeRoi Moore faleceu em Los Angeles.

Em Setembro e Outubro de 2008 a banda realiza shows em Manaus, São Paulo, Rio de Janeiro e Buenos Aires com a participação do “flecktone” Jeff Coffin para suprir a falta de LeRoi.

Em posts regulares no seu Twitter - http://twitter.com/DaveJMatthews - Dave cita que já trabalha em um novo disco com música inéditas. Entitulado Big Whiskey and the Groogrux King, o álbum está previsto para ser lançado em junho de 2009. Groogrux King, como também era conhecido LeRoi Moore, prova que o trabalho será feito em sua homenagem.

BEN HARPER

2010-08-30T15:47:00.000-03:00

Nascido na Califórnia, Ben Harper cresceu a ouvir blues, folk, soul, r&b e reggae. Aprendeu a tocar guitarra ainda criança e montou diversas bandas em sua adolescência, sempre influenciado por nomes como Blues Traveler, Hootie & the Blowfish e Phish.

Sua carreira profissional como artista solo começou em 1993 com “Welcome To The Cruel World”. Sempre seguindo um intervalo de dois anos, foram lançados “Fight For Your Mind” (1995), “The Will To Live” (1997) e “Burn To Shine” (1999).

Uma caixa especial intitulada “CD Box Collection”, contendo os 3 primeiros álbuns de Harper saiu em 2000 e, no ano seguinte, chega o duplo ao vivo “Live From Mars”. O disco foi dividido em um elétrico e outro mais acústico e traz os maiores ‘hits’ do músico como “Excuse Me Mr.”, “Steal My Kisses” e “Pleasure And Pain”.

Seu sexto trabalho é “Diamonds On The Inside” (2003). O álbum é uma mistura de heavy, funk e folk. Ao lado dele estão The Inocent Criminals, formado pelo baixista Juan Nelson, o percussionista Leon Lewis Mobley e o baterista Oliver Charles. Os destaques foram “With My Own Two Hands”, “Everything”, “Amen Omen”, além da própria faixa-título.

Em 2004 o californiano estava de volta com um novo trabalho “There Will be a light”. O disco que reúne 11 faixas conta com a participação do grupo gospel Blind Boys of Alabama, que deu ao álbum uma nova roupagem e trouxe elementos da música country, gospel e da soul music.

“Live At The Apollo” lançado em 2005 traz grandes sucessos como “Well Well Well” e “Church on Time”. As 15 faixas do cd foram gravadas ao vivo em um show consagrado que rendeu ao artista um DVD.

Ben Harper lançou trabalhos que lhe deram o ‘status’ de um dos artistas mais importantes da atualidade. Além de sua música, a aparência e a atitude do músico impressionavam a todos, principalmente em suas performances ao vivo, que não são poucas, já que ele faz em média 150 shows por ano. Foi em função de toda essa consagração que o cantor conquistou ao lado do grupo The Blind Boys of Alabama, o Grammy de melhor álbum de Soul Gospel pelo disco “There Will Be a Light”. O evento comemorou a 47° edição do Grammy, e aconteceu em fevereiro de 2005 na cidade de Los Angeles.

Em 2005 ao lado do premiado grupo Blind Boys of Alabama, o cantor presenteou o público com o CD e DVD ao vivo “Live At The Apollo”. O material traz um registro de um show gravado em 2004 no famoso teatro Apollo em Nova York. Destaque para músicas como “Church House Steps”, “Picture Of Jesus”, “Wicked Man” e “There Will Be A Light”.

Agosto de 2007: Ben Harper lança o álbum “Lifeline”, centrado no soul acústico americano, respeitando as tradicionais raízes do género. “Busco criar um diálogo com os instrumentos e com os membros da banda, e, através desse diálogo, conectar-se a quem o ouvir”, disse Ben Harper em entrevista à agência Efe. O processo de criação de “Lifeline” começou após o fim da tour de “Both Sides of the Gun”, em meados de Novembro do ano passado. Ben Harper e os, The Innocent Criminals, ficaram concentrados num estúdio de Paris para gravar e mixar o álbum, o que ocorreu em apenas uma semana. O resultado é um disco em que “não há uma só nota que possa ser eliminada ou uma batida de bateria que sobre ou falte”, afirma o músico.

Ben Harper vai estrear um novo projecto já no próximo ano. A nova banda chama-se Relentless7 e está neste momento a terminar as gravações de White Lies for Dark Times , o álbum de estreia. A notícia foi avançada pela Rolling Stone, que falou com Harper sobre esta nova aventura musical.

RANCID

2010-08-30T15:31:00.000-03:00

Rancid é uma banda de punk rock com influências de ska, formada em Albany, CA, Estados Unidos, em 1991.

A história do Rancid tem inicio com Tim Armstrong e Matt Freeman, que se conhecem desde os 5 anos de idade. Desde então sempre foram muito amigos, frequentando as mesmas escolas, e fazendo parte do mesmo grupo de amigos. Em meados de 1987 fundaram juntos uma banda de ska-punk chamada Operation Ivy, que contava tambem com Jesse Michaels e Dave Mello em sua formação. Lançaram apenas um disco de estúdio. Um contrato mau sucedido com a gravadora, fez com que a banda terminasse em 1989. Quando ela acabou, Tim se envolveu com drogas e álcool e o amigo Matt achou que ele precisava de uma nova atividade para se livrar do problema. A solução foi criar uma nova banda, o Downfall, mas infelizmente durou pouco tempo. Matt não desistiu e montou outra, chamada Rancid.

A formação inicial contava com Tim na guitarra, Matt no baixo e ambos no vocal. Logo chamaram o baterista Brett Reed, e Matt saiu de sua outra banda, The Gr’ups, para se dedicar somente ao Rancid. Em 1992, saiu o primeiro single, “I’m Not The Only One”, pelo selo Lookout Records. O grupo sentiu a necessidade de mais um guitarrista e chamou Lars Frederiksen, que também se tornou vocalista.

O álbum de estreia homônimo chegou em 1993 sem a presença de Lars e já pela nova gravadora, Epitaph. Lars não queria receber o mérito do disco já que não estava com a banda desde o início da criação das canções. Os destaques de “Rancid” foram as canções “Get Outa My Way”, “The Bottle”, “Unwritten Rules” e “Another Night”. A banda realizou vários shows pela Europa para divulgar o disco e conquistou fãs pela forte influência de ska e fazendo a troca de vocalistas na mesma canção, o chamado tag team.

Finalmente, em 1994, Lars entrou em estúdio para gravar com o Rancid o single “Radio”. Ainda neste ano, é lançado segundo álbum, entitulado “Let’s Go”, considerado um clássico do grupo com a canção “Salvation”, que foi a primeira a ser tocadas nas rádios.

Mesmo sem querer, o Rancid se tornava aos poucos um grupo bem sucedido. Em janeiro de 1995, eles lançaram um novo single com “Roots Radicals” e “I Wanna Riot”, logo depois saíram em turnê pelas grandes capitais norte-americanas. Em março daquele ano entraram em estúdio por seis semanas para gravar com a pressão de repetir o sucesso do aclamado disco anterior e se superaram com o lançamento de “And Out Come The Wolves”, disco que é considerado por muitos como o melhor da banda.

O álbum posterior, “Life Won’t Wait”, de 1998, aclamado por uns, e odiado por outros, é o disco mais puxado pro ska. Dois anos depois, com a pressão de alguns fãs, e em clima de despedida de sua gravadora (Epitaph), eles voltaram-se ao punk que estavam acostumados a fazer, com “Rancid”, de 2000.

Como não podia ser diferente, alguns integrantes começaram a se dedicar a projetos paralelos. Eles já tinham um sub-selo da Epitaph, o Hellcat, especializado em punk rock. Em 2001, Lars ainda lançou um disco com sua banda paralela, “Lars Frederiksen & The Bastards”. No ano de 2002 ainda lançaram um split com o NOFX. E em 2003 o Rancid se reuniu novamente, para lançar “Indestructible”, de 2003. Em novembro de 2006, o baterista Brett Reed anunciou que iria deixar a banda. E para o seu lugar foi chamado Branden Steineckert, ex-baterista da banda The Used. No ano de 2007, o grupo lançou um cd com músicas até então desconhecidas para a maioria do público, entitulado “B Sides And C Sides”. E em 2009 lançaram o tão aguardado album, entitulado “Let The Dominoes Fall”, o primeiro com o novo baterista. Foram lançados também um cd bônus com faixas acústicas e um dvd, com o making of do álbum. O próximo trabalho do Rancid, cogita-se ser um novo split, desta vez com o Dropkick Murphys, ainda sem data de lançamento.

CHUCK BERRY

2010-08-26T16:15:00.000-03:00

Chuck Berry ou Charles Edward Anderson Berry (Saint Louis, Missouri, 18 de outubro de 1926) é um compositor, cantor e guitarrista estadunidense. É apontado por muitos como o inventor do Rock and Roll. Foi um dos primeiros membros do Hall da Fama do Rock and Roll, homeneageado em 1986.

Berry foi influenciado por Nat King Cole, Louis Jordan e Muddy Waters, que acabaria o apresentando a Leonard Chess, da gravadora Chess. Enquanto ainda existem controvérsias sobre quem lançou o primeiro disco de rock, as primeiras gravações de Chuck Berry, como “Maybellene”, de 1955, sintetizavam totalmente o formato rock and roll, combinando blues com música country e versos juvenis sobre garotas e carros, com dicção impecável e diferentes solos de guitarra.

A maioria de suas gravações mais famosas foram lançadas pela Chess Records, com o pianista Johnnie Johnson, o baixista Willie Dixon e o baterista Fred Below. Juntamente com o guitarrista Berry, eles se tornaram o sumário de uma banda de rock.

Durante sua carreira ele gravaria tanto baladas românticas (como “Havana Moon”) quanto blues (“Wee Wee Hours”), mas foi no recém-nascido rock que Berry ganhou sua fama. Ele gravou mais de trinta sucessos a aparecerem no Top Ten, e suas canções ganharam versões de centenas de músicos de blues, country e rock and roll. Entre seus clássicos podemos citar “Roll Over Beethoven”, “Sweet Little Sixteen”, “Route 66”, “Memphis”, “Johnny B. Goode” (que possui provavelmente a mais famosa introdução de guitarra da história do rock), “Nadine”, entre outras.

Quando jovem, Berry passou três anos em um reformatório por tentativa de assalto. Mas acusação pior viria em 1959, quando ele convidou uma índia apache de 14 anos que havia conhecido no México para trabalhar em seu clube noturno em St. Louis. A garota acabaria sendo pega pela polícia, assim como Berry, que foi acusado de entrar com uma menor nos limites do estado com propósitos sexuais. Ele foi condenado a cinco anos de prisão e multado em 5,000 dólares. Chuck foi solto em 1963, mas seus dias de glória ficaram para trás. Mesmo assim ele ainda obteve sucessos com “You never can tell” e “No particular no place to go”, lançada em 1964. Em 1966 ele gravou pelo selo Mercury Records uma compilação de todos os seus sucessos, utilizando técnicas mais modernas de gravação. A partir de então, Chuck Berry raramente voltaria a lançar músicas novas, preferindo capitalizar para si o sucesso que suas canções clássicas tinham junto ao público.

Como exemplo de sua influência profunda, podemos lembrar das bandas inglesas dos anos 60. The Beatles, Animals, Rolings Stones, entre outros, regravaram suas músicas. Os Rolling Stones literalmente basearam seu estilo de tocar rock ‘n’ roll no dele. Quando Keith Richards premiou Berry no Hall da Fama, disse: “É difícil pra mim apresentar Chuck Berry, porque eu copiei todos os acordes que ele já tocou!”

Chuck viajou em turnê por muitos anos carregando apenas sua guitarra Gibson, confiante no fato de que poderia contratar uma banda que conhecia suas músicas em qualquer lugar que ele fosse. Entre os muitos artistas que serviram de apoio para Berry estiveram Bruce Springsteen e Steve Miller.

Depois de tocar seus maiores sucessos durante os anos 70, inclusive lançando um álbum ao vivo que foi grande sucesso comercial (London Sessions, de 1972), Berry teve problemas legais novamente em 1979, quando foi considerado culpado de sonegação de impostos. Ele foi sentenciado a quatro meses de prisão e a cumprir 1,000 horas de trabalho comunitário fazendo shows beneficentes.

Em 1986, Keith Richards organizou para seu ídolo confesso um grande show para comemorar seus 60 anos, realizado em Saint Louis. Nele foi filmado o documentário “Hail!Hail!Rock ‘n’ Roll”, no qual Chuck Berry, acompanhado de Etta James, Julian Lennon, Robert Cray, Eric Clapton, entre outros convidados, celebrava sua carreira. Foi o seu último grande momento artístico na mídia, embora tenha continuado nos anos seguintes a fazer turnês.

Curiosidade:
No filme de De Volta para o Futuro, quando Marty McFly está tocando e cantando uma música de rock que na época (1955) não existia ainda, o primo de Chuck Berry liga para ele falando da nova música que ele estava procurando. A música foi originalmente gravada por Chuck Berry e se chama “Johnny B. Goode”, um dos maiores sucessos do cantor e compositor.

GARY MOORE

2010-08-26T15:59:00.000-03:00

Gary Moore nasceu em Belfast, capital da Irlanda do Norte ao dia 4 de abril de 1952.

A vida de quem crescreu em meio às bombas do IRA e às brigas religiosas do pós-guerra refletia-se em seu som de guitarra: extremamente triste e sofrido, mas também visceral e técnico quando solicitado.

Ele iniciou a trajetória profissional aos 16 anos de idade, tendo Eric Clapton, Peter Green e Jimi Hendrix como ídolos, e participando das gravações de um álbum da banda de folk Dr. Strangely Stranger. Pouco depois, Moore estava no Skid Row (banda irlandesa), onde conheceu seu fiel comparsa, Mr. Phil Lynott.

Apesar do fanatismo pelo blues, o jazz também fazia sua cabeça, tanto que foi o estilo melhor explorado em seu primeiro álbum-solo, Grinding Stone (1973), e em sua breve jornada com a segunda encarnação do Colosseum, batizada de Colosseum II.

No Thin Lizzy, ele deu colaborou na gravação de álguns álbuns, mas gravar mesmo foi só no compacto Darling (1974) e no álbum Black Rose (1979).

A carreira solo de Gary começou com o golpe evocativo único em 1979, ‘Parisienne Walkways’ que lançaram Gary, blues-encharcado conduzia a guitarra e vocal Phil Lynott. Chegou ao REINO UNIDO no Top 10 em abril daquele ano, e o álbum subseqüente, ‘Back On The Streets’ foi bem-recebido .

Os anos 1970 e 1980 foi caracterizado pela procura inquieta de Gary para as melhores colocações musicais para o talento dele. Uma reunião com Phil Lynott produziu o poderoso ‘Out In The Fields’ (1985). Ele explorou as raízes Célticas dele no álbum ‘Wild Frontier’ (1987), mas o álbum em 1990 ‘Still Got The Blues’, aquele Gary chegou a uma veia musical rica dentro a qual a criatividade dele poderia fluir livremente. Em 1994, Gary trabalhou ao lado de Ginger Baker and Jack Bruce na banda BBM, antes de retomar a carreira solo dele.

THE CLASH

2010-08-26T15:45:00.000-03:00

The Clash foi um grupo de punk rock britânico que durou de 1976 até 1985. Uma das bandas mais aclamadas pela crítica da época, o The Clash foi famoso por seu alcance musical (incorporavam ska, reggae, rockabilly, e eventualmente muitos outros estilos musicais em seu repertório), por demonstrar uma sofisticação lírica e política que os distinguia da maioria de seus companheiros no movimento punk, e por suas explosivas performances ao vivo.

Formado originalmente por Joe Strummer - vulgo John Mellor - (vocais, guitarra rítmica), Mick Jones (vocais, guitarra), Paul Simonon (baixo e vocais), Keith Levene (guitarra guia) e Terry Chimes - creditado no primeiro LP como “Tory Crimes” - (bateria), o Clash foi formado em Londres em 1976 durante a primeira leva do punk britânico. Strummer fazia parte dos The 101ers e Jones e Simonon da lendária banda de proto-punk London SS. Por influência do empresário Bernie Rhodes, Levene e Simonon recrutaram Strummer. Estava formado o Clash.

Keith Levene foi o guitarrista da banda neste começo, mas depois de 5 shows abandonou o grupo sob circustâncias ambíguas.

Depois do lançamento do primeiro álbum do Clash, Chimes foi substituído pelo baterista Topper Headon. Inicialmente a banda foi conhecida por sua visão extremamente esquerdista e pelas roupas que eles pintavam com slogans revolucionários. O primeiro show foi em 1976 como banda de apoio dos Sex Pistols, e então eles assinaram contrato com a CBS Records. O Clash lançou seu primeiro compacto (“White Riot”) e seu primeiro álbum (The Clash) em 1977, alcançando sucesso considerável no Reino Unido. Apesar disso a CBS se recusou a lançá-los nos Estados Unidos, só o fazendo dois anos depois.

The Clash foi um álbum de punk rock britânico seminal. A maioria das músicas eram porradas de 2-3 minutos, mas as composições e melodias superiores destacaram Strummer e Jones entre a maioria de seus contemporâneos. Incluiria também a primeira evidência de sua habilidade, que se repetiria por toda a carreira da banda, de absorver um estilo musical e dar a ele uma atmosfera própria, aqui com uma versão do clássico do reggae “Police and Thieves”.

Seu álbum seguinte, Give ‘Em Enough Rope, foi o primeiro a apresentar Topper Headon em todas as faixas. Rope foi lançado em 1978, alcançando a segunda colocação na parada de sucessos britânica mas fracassando em sua tentativa de penetrar no maior mercado mundial de música, os Estados Unidos.

Assim como a maioria das primeiras bandas punk, o Clash protestava contra a monarquia e a aristocracia no Reino Unido e ao redor do mundo. Mas ao contrário dessas primeiras bandas punks, o Clash rejeitou o sentimento dominante de niilismo e anarquismo. Ao invés disso, eles se solidariezaram com diversos movimentos de libertação da época. Sua visão política era expressada explicitamente em seus versos, como em “White Riot”, que encorajava jovens brancos a entrarem para organizações libertárias de negros.

Certa vez, em 1977, durante um show da ‘’Love Music Hate Racism’’ organizada pela Liga Anti-Nazismo, Joe Strummer vestiu uma polêmica camiseta com as palavras ‘’Brigate Rosse’’ e o emblema da facção Baader-Meinhof estampadas no centro. Ele declarou posteriormente que usou a camiseta não para apoiar os terroristas, mas para chamar atenção à sua existência. Ainda assim, ele se arrependeu depois do show, o que o levou a compor a canção “Tommy Gun”, renunciando à violência como um meio de protesto.

O The Clash também apoiava o IRA e o PLO, e, posteriormente, o Sandinista e outros movimentos marxistas da América Latina, além de estarem envolvidos diretamente com a polêmica Liga Anti-Nazismo e o Rock Against Racism. Eles são geralmente creditados por fundar as bases do punk rock no protesto liberal.

’Give ‘Em Enough Rope’’ foi o primeiro álbum do Clash lançado nos E.U.A., e para divulgá-lo a banda organizou uma turnê norte-americana em 1979. Seu primeiro álbum só sairia ali em julho de 1979, então em versão drasticamente revisada e editada da lançada anteriormente.

O sucesso de crítica e de vendas do Clash nos Estados Unidos veio apenas com ‘’London Calling’’, álbum duplo lançado em 1979 (pelo preço de um simples, por exigência da banda) e considerado até hoje um dos maiores discos de “rock” de todos os tempos. Clássico absoluto, London Calling tem o mérito de mesclar, com extrema eficiência, ao punk estilos completamente díspares como reggae, ska, jazz, disco, rockabilly, R&B e pop. A raivosa faixa-título e o poderoso funk “Train in Vain” tornaram-se singles de sucesso nos charts americanos.

A seguir veio ‘’Sandinista!”, álbum triplo pelo preço de um duplo, lançado no final de 1980. A banda continuou seus experimentos com o reggae e o dub, se expandindo em direção a outras técnicas de produção e estilos musicais, que incluíam jazz e hip-hop. O resultado confundiu os novos fãs e as vendas caíram, embora tenham se saído melhor nos E.U.A. Depois do lançamento de ‘’Sandinista!’’, o Clash entrou em sua primeira turnê mundial, visitando países da Ásia e da Oceania.

Em 1982, a banda retornou com o mais vendido de seus álbuns, ‘’Combat Rock’’, apresentando os sucessos “Rock The Casbah” e “Should I Stay Or Should I Go?”.

Os sintomas aparentemente passaram despercebidos com o sucesso de ‘’Combat Rock’’, mas depois deste álbum o Clash começou lentamente a se desintegrar. Topper Headon foi demitido devido à problemas com drogas, e o baterista original da banda, Terry Chimes, foi chamado de volta para a turnê seguinte. Depois da turnê ‘’Combat Rock’’ de 1982 ele saiu do Clash, convencido de que o grupo não duraria muito tempo com todas as brigas e desentendimentos. Em 1983, depois de uma longa busca por um novo baterista, Pete Howard foi recrutado e tocou com a formação original em alguns shows nos Estados Unidos.

Em setembro de 1983, Strummer e Simonon expulsaram Jones da banda, citando seu comportamento problemático e divergências musicais. Depois de uma série de testes, a banda contratou Nick Shepperd e Vince White, ambos com 23 anos, como seus novos guitarristas. Eles voltaram a se apresentar em janeiro de 1984, e no final do mesmo ano anunciaram que um novo disco estava a caminho.

As sessões de gravação deste novo álbum foram decepcionantes, com o empresário Bernie Rhodes recusando o talento considerável de Howard em favor de uma bateria eletrônica, alterando drasticamente os arranjos das músicas e baseando o som da banda em sintetizadores.

Desiludidos com o álbum, Strummer levou o Clash para viajar pela Inglaterra e Escócia, tocando de graça em esquinas e bares. O grupo apresentou seus últimos shows em 1985. Enquanto isso, ‘’Cut The Crap’’ era lançado, sendo bombardeado pelas críticas e sofrendo vendas pífias.

Joe Strummer atuou em alguns filmes, gravou trilhas sonoras e tocou com algumas bandas de sucesso limitado. No final dos anos 90, ele reuniu um grupo chamado The Mescaleros, assinando com o selo punk Hellcat Records e lançando um álbum chamado ‘’Rock Art and the X-Ray Style’’. A banda passou a fazer turnês pelos Estados Unidos e Inglaterra, tocando, além de suas músicas, sucessos do Clash e clássicos do reggae. Em dezembro de 2002, Strummer morreu subitamente, vítima de um ataque cardíaco. Ele tinha 50 anos. O álbum do Mescaleros em que ele estava trabalhando, ‘’Streetcore’’, foi lançado postumamente em 2003, sendo aclamado pela crítica.

Depois do fim do The Clash, Paul Simonon entrou para um grupo chamado Havana 3AM, que gravou somente um álbum no Japão e se separou. Posteriormente Simonon voltaria às suas raízes de artista visual, organizando várias galerias de arte. Sua relutância em voltar a tocar foi citado como a principal razão de o Clash ter sido uma das poucas bandas punks britânicas dos anos 70 que não se aproveitou da febre de nostalgia punk que assolou o final dos anos 90 para tentar relançar a carreira.

Depois de ser despedido do Clash, Topper Headon seguiu sem rumo com seu vício em heroína. Ele formou uma banda de jazz que durou pouco tempo. Até a gravação do documentário de Don Letts sobre o Clash, ‘’Westway To The World’’, Headon tinha sumido do mundo da música. Atualmente ele está limpo e continua a tocar. Foi em um de seus shows que ele ficou sabendo da morte de Joe, e em 2003 ele anunciou que tocaria em tributo a seu antigo companheiro de banda.

DREAM THEATER

2010-08-24T14:24:00.001-03:00

A banda foi fundada em meados da década de 80 por alunos da "Berklee College of Music", em Boston. Inicialmente formado por John Petrucci (guitarra) e John Myung (baixo), que depois conheceram Mike Portnoy (bateria) e decidiram fundar uma banda. Posteriormente chamam o vocalista Chris Collins e o tecladista Kevin Moore para completarem o grupo.

Antes de se chamarem Dream Theater, sugestão do pai de Mike e nome de uma sala de espetáculos na Califórnia, eram conhecidos por Majesty. Este nome surgiu durante um concerto dos Rush, durante a sua turnê Power Windows. John Petrucci, John Myung e Mike Portnoy dormiram na rua para poderem comprar ingressos para assistir ao espetáculo e ao ouvirem a canção Bastille Day surge o comentário de que aquela música era majestosa, ficando assim o nome. Contudo, descobriu-se que já existia uma banda de jazz com o mesmo nome.

A banda lançou a sua primeira demo com seis músicas, uma amostra de seu metal progressivo com referências da música clássica que influenciaria muitas bandas no futuro. Após isso eles demitem o vocalista Chris Collins, que não conseguiu se adaptar ao estilo que a banda procurava. Para substituí-lo chamaram Charlie Dominici, e com essa formação gravaram o primeiro disco da banda, intitulado When Dream and Day Unite. O disco foi bem aceito pela crítica e bem difundido nas rádios, que possibilitou um reconhecimento dos fãs e shows em pequenos clubes, sempre lotados.

Novamente, por diferenças musicais, despediram seu vocalista. Por um bom tempo não tiveram um vocalista fixo, mas mesmo assim não cessaram de compor novas músicas, nem de fazer apresentações mesmo instrumentais. As músicas instrumentais compostas dariam origem ao álbum Images and Words. Nesse período pela banda passaram no vocal John Arch, Steve Stone e Chris Cintron. Mas finalmente surgiria o vocalista ideal. Era Kevin Labrie, o vocalista da banda canadense Winter Rose. A partir de então se juntou a banda adotando o nome de James Labrie, no intuito de evitar confusões com Kevin Moore e não deixar a banda com dois Kevins e dois Johns.

Em 1992, lançaram o Images and Words e então foram convidados para abrir alguns shows do Iron Maiden. Tiveram uma excelente recepção pela MTV e estouraram as vendas de “Images and Words” no Japão, levando a banda a fazer sua primeira turnê mundial. Quando estavam gravando o terceiro disco o tecladista Kevin Moore resolveu abandonar a banda para seguir carreira solo. Sem um substituto para Kevin, terminaram as gravações de Awake (álbum que contém a faixa "The Silent Man") (900.000 CDs vendidos), que rapidamente conquistou o mercado americano e europeu. Pouco depois o lugar de Moore seria ocupado por Derek Sherinian (que havia tocado em turnês com o Kiss e Alice Cooper).

Em 1995 foi lançado o EP A Change of Seasons, contendo a gigantesca faixa homônima (com seus 23:09 minutos) e ainda alguns covers ((Funeral For a Friend/Love Lies Bleeding, de Elton John, "Perfect Strangers", do Deep Purple, as fusões de The Rover, Achilles Last Stand e The Song Remains The Same, do Led Zeppelin, e de In The Flesh?, Carry On Wayard Son, Bohemian Rhapsody, Lovin Touchin, Squeezin, Cruise Control e Turn It On Again, respectivamente do Pink Floyd, Kansas, Queen, Journey, Dixie Dregs e Genesis) gravados ao vivo no Ronnie Scott's Jazz Club, em Londres.

O quarto álbum, Falling into Infinity, chegou em 1997 com músicas um pouco mais melódicas, não tão agressivas quanto Awake. O disco apresenta um Dream Theater mais focado em canções (com passagens instrumentais tradicionais ainda) e acessibilidade devido a pressão da gravadora para que a banda tivesse sucesso comercial. O tiro saiu pela culatra, embora o disco mesmo em suas canções mais acessíveis seja excelente. Na verdade, é incorreto dizer que Derek Sherinian influenciou a banda a compor canções mais comerciais, já que ele compôs as partes mais técnicas do álbum. Basta também ver os discos solo do tecladista. Devido à pressão da gravadora, Mike Portnoy quis deixar a banda, mas foi convencido a ficar, já que ainda havia a turnê do álbum a ser realizada. No entanto, conforme já mencionado trata-se de um álbum excelente. Antes de o disco sair, a banda entrou em tour, inclusive passando pelo Brasil, em 1997.

Em 1998, a banda lançou seu segundo disco ao vivo, Once In a Live Time. Um vídeo, nomeado 5 Years in a LiveTime surgiu também, com os principais momentos da banda nos últimos 5 anos. Após isso, o Dream Theater revelou que estava trocando de tecladista, alegando que com o disco ao vivo estavam encerrando uma fase de sua história e, por fim, inserindo Jordan Rudess no lugar de Derek.
Em Outubro de 1999, foi lançado Scenes From a Memory, um álbum descrito por Mike Portnoy como algo que ele sempre quis fazer. O álbum teve grande sucesso e repercussão.

Durante a turnê mundial a banda gravou, em Nova York, um DVD contando com uma super-produção, com direito a corais, convidados e telão. O show, de três horas e meia, seria lançado com um CD triplo. A data do lançamento, infelizmente, coincidiu com os atentados de 11 de Setembro de 2001, e mais infelizmente ainda, a capa do CD trazia as torres gêmeas dentro de chamas. Todos os CDs foram recolhidos e a capa refeita, trazendo o símbolo da banda no lugar da maçã (que fazia alusão à cidade de Nova Iorque - "Big Apple") e das torres.

Entretanto, alguns poucos CDs com a capa original, com as torres gêmeas em chamas, continuam nas mãos de fãs e colecionadores. Tais CDs passaram a ser considerados raridades.

Mas isso não abalou a criatividade da banda, que se fechou para gravar um novo álbum, um disco duplo, experimental e controverso, intitulado Six Degrees of Inner Turbulence, lançado em 2002. Trazia músicas bem extensas no primeiro CD, e um épico impressionante de 42 minutos de duração, dividido em 8 partes no segundo CD.

Show da turnê do Train of Thought Após a turnê mundial do álbum ser bem sucedida, lançaram, no final de 2003, o álbum Train of Thought, que, como o álbum anterior muda um pouco a linha musical da banda, levando a crítica severas de fãs antigos. Um álbum mais pesado do que os álbuns anteriores, não deixando o progressivo, nem a virtuosidade e a técnica da banda de lado, destancando as faixas "As I Am", "Endless Sacrifice" e "In the Name of God".

A banda, ao vivo, em Roma em 2004Em 2004 novamente Dream Theater realiza gravações ao vivo, e lança um DVD em álbum triplo Live at Budokan. Gravado no Budokan Hall, em Tokyo - Japão, local onde grandes bandas e músicos como Beatles, Ozzy Osbourne, Eric Clapton e Bob Dylan já tocaram. O DVD traz as principais faixas do álbum Train of Thought e faixas dos outros álbuns, dando destaque para um medley instrumental mostrando toda a técnica e destreza dos integrantes da banda chamado de Instrumedley, que passa por trechos de várias músicas instrumentais dos Dream Theater, inclusive por algumas do Liquid Tension Experiment, projeto instrumental paralelo dos membros da banda.

Em meados de 2005 a banda lança seu oitavo álbum, Octavarium, marcando vinte anos da existência da banda, caracterizado como algo "incrivelmente lindo" pelo baterista Mike Portnoy. Destaque para mais uma música épica, Octavarium, com seus 24 minutos. Destaca-se também a continuação da compilação de Portnoy Alcoholics Anonymous Suite. Em dezembro do mesmo ano, os DT voltaram ao Brasil com 3 shows.

A banda, que no dia 1° de abril de 2006 gravou um DVD em Nova York para comemorar seus 20 anos de carreira, surpreendeu o público tocando clássicos e músicas do último CD com a presença de uma orquestra, o DVD foi lançado dia 29 de agosto do mesmo ano, intitulado "Score".

Foi lançado o álbum Systematic Chaos e a banda iniciou a Chaos in Motion World Tour 2007-2008, onde passou pelo Brasil nos dias 7, 8 ,9 e 10 de março de 2008 nas cidades de São Paulo (realizando um show a céu aberto para quase 15 mil pessoas, no estacionamento do Credicard Hall), Rio de Janeiro e Belo Horizonte, respectivamente. No dia 1º de abril de 2008, foi lançada a primeira coletânea da banda, um CD duplo intitulado Greatest Hit (...and 21 Other Pretty Cool Songs). O título do álbum é uma brincadeira referindo-se à música "Pull Me Under", que foi o único verdadeiro hit de sucesso do grupo. Um novo DVD duplo chamado Chaos in Motion 2007–2008 com músicas de shows da turnê Chaos in Motion foi lançado pela Roadrunner Records em 23 de setembro de 2008; A edição especial inclui três CDs com o áudio das músicas do DVD.

No dia 23 de junho de 2009, a banda lança o novo álbum de estudio, entitulado Black Clouds and Silver Linings. Desde seu lançamento, o novo trabalho do grupo americano tem obtido bons resultados de vendas, alcançando posições na Billboard, fato esse raro com bandas progressivas, considerando a alta vendagem de material mais popular. O álbum teve diversas edições, incluindo um produto com 3 cd's - um do trabalho de estudio, um de covers de bandas progressivas e de heavy metal, e outro instrumental. Foi também lançada uma box com varios materiais referentes ao álbum e uma edição de vinil 180 gramas. Após o lançamento, a banda concedeu várias entrevistas para promover o álbum, e recentemente concluiram a turnê norte-americana Progressive Nation. Em breve haverá tambem a turnê européia, junto com outras bandas, como Opeth. O Avenged Sevenfold anunciou oficialmente que Mike Portnoy, gravará as linhas de bateria para o novo álbum da banda.

STRATOVARIUS

2010-08-24T14:04:00.000-03:00

Em 1984 foi criada na Finlandia, mais especificamente na cidade de Helsinque (famosa por ser a origem de muitas bandas de Heavy Metal), a banda Black Water. Formada por 3 amantes de Black Sabbath: Tuomo Lassila, baterista e vocalista; John Vihervã, baixista e Staffan Strahlman, guitarrista.
A banda iniciante começou fazendo apresentações de cover de outras bandas mais famosas, principalmente Sabbath, da qual retiravam inspiração para suas primeiras canções e rifts próprios. John Vihervã deixou a banda. Seu vago lugar foi ocupado pelo desconhecido Jyrki Lentonen.
No ano seguinte, a banda adota o nome que iria imortalizar: Stratovarius , que segundo Tuomo Lassila é uma mistura do modelo Stratocaster da Fender com a famosíssima marca de violinos Stradivarius. Ao mesmo tempo ocorre a troca do guitarrista com a saida de Staffan e entrada Timo Tolkki. Ele era um guitarrista extremamente técnico e talentoso que rapidamente se incorporou a banda e passou a ocupar também o cargo de vocalista, já que Tuomo estava sofrendo para tocar bateria e ainda cantar. Tolkki trouxe também a banda, uma influência de Música Clássica e Heavy Metal melódico, que na época era uma coisa nova. As antigas canções passaram por grandes reformas, dando um estilo próprio a elas.

A banda fez algumas demos que foram enviadas a várias gravadoras na Finlândia e a CBS Finland os procurou para um contrato. Um novo tecladista de nome Antti Ikonen entrou para o grupo e com essa formação o Stratovarius gravou o seu primeiro single com Future Shock e Witch Hunt, em 1988. Em 89 outro single denominado Black Night e Night Screamer e, finalmente, o álbum de estréia Fright Night.

O Baixista Jyrki Lentonen deixa a banda e em 1990 novo material era escrito. Porém a CBS já não tinha interesse em lançar o novo material, o que forçou o Stratovarius a financiar as suas próprias gravações sem nenhum contrato. Desta maneira foi lançado Stratovarius II, no início de 1992, na Finlândia.

Muitas fitas foram enviadas pelo mundo todo e a Shark Records quis assinar com a banda, depois de escutar a canção Hands of Time. Stratovarius II foi lançado com uma nova capa e um novo nome, Twilight Time, no fim de 92 em toda a Europa e Japão onde ficou 5 meses no Top 10 de discos importados.

O terceiro álbum, Dreamspace, teve lançamento mundial no inicio de 94, sendo bem aceito pela crítica. São deste álbum os clássicos Dreamspace, 4th Reich e Chassing Shadows. Foram feitos neste ano concertos em Tokio, Osaka e Nagoya.

Novo material foi escrito na primavera de 94 e a banda entrou em estúdio com ótimas impressões pela tour no Japão. Então Timo Tolkki decidiu que seus dias de cantor estavam acabados e que banda precisava procurar um cantor estável e que soasse bem. Timo Kotipelto recebeu um telefonema de Timo Tolkki e após uma audição Timo Kotipelto torna-se o vocalista do Stratovarius.

A nova fase de Timo pode ser ouvida no quarto lançamento da banda, Fourth Dimension. O título do álbum diz tudo e o som e as canções eram algo totalmente diferente do que eles já tinham feito antes, mas o estilo de música permanecia como o verdadeiro metal do Stratovarius. As vendas dobraram.

A banda fez tour tocando em shows por toda a Alemanha, Suiça, Holanda, Finlândia, Grécia e Japão. Após todas essas tours, Tuomo Lassila e Antti Ikonen, os membros de mais tempo na banda quiseram sair, pois não podiam tocar o material desenvolvido por Timo Tolkki. Entraram então para substituí-los o novo baterista Jörg Michael da Alemanha, que anteriormente tocara com o Running Wild e Mekong Delta e o novo tecladista Jens Johansson, que tocara com Dio e Malmsteen.

Foi lançado então o quinto álbum da banda, Episode. Com uma atitude mais nova e o som de Johansson e Michael, o resultado foi um álbum dramático, melódico e metálico. Também pela primeira vez um coro de 40 cantores e uma orquestra de 20 instrumentos de corda foram usados.

Em 1997 a banda lançou um novo disco, Visions, com clássicos como The Kiss of Judas e Black Diamond. A tour foi grande e englobou vários países, como EUA, Dinamarca, Grécia, Japão, Alemanha, Finlândia, Suíça, Suécia, Inglaterra e Brasil. Desta tour saiu Visions of Europe que se trata de um cd duplo ao vivo e traz músicas antigas mescladas às que foram sucesso absoluto do álbum Visions.

Em 1998 a banda lança seu sétimo trabalho, Destiny. Um álbum que prima por uma variação maior em seus arranjos e que traz mais uma vez, uma linda capa. A fórmula continua a mesma, ou seja, estilo que consagrou a banda desde Episode e mais adiante, Visions. Destiny vem com outras melodias que a banda não tinha tentado antes como a introdução belíssima de Anthem of the World. Vale destacar que a banda apostou em conceber algumas passagens mais profundas musicalmente, como por exemplo melodias tristes, mas sem deixar sua veia mais heavy metal. Outro destaque óbvio é a música Venus in the Morning onde Timo Kotipelto mostra toda sua versatilidade já comprovada antes como vocalista. Outros destaques ficam por conta da faixa-título (típico clássico para abertura de shows), The Rebel, Playing With Fire, SOS etc.

E, em 2000 vem o novo álbum, o Infinite, seguindo o caminho trilhado por Destiny. Agora, a temática do disco se fecha em temas sobre o universo e a grandeza do cosmos. Quanto às musicas, apresentam uma maior participação do tecladista Jens Johansson na composição, e belos arranjos com corais e cordas. Traz de cara um novo single (Hunting High And Low) seguido de um clip, e grandes tournês, passando novamente pelo Brasil.

No ano de 2001, fora lançado o disco Intermission, desta vez sem músicas inéditas, apenas bonus tracks de discos previamente lançados (muitas delas antes apenas disponíveis em singles), alguns covers, entre eles ‘Bloodstone’ do Judas Priest e ‘Kill The King’, do Rainbow.

Vem o ano de 2003 em que o Stratovarius lança dois novos álbuns, “Elements PT.1” e “Elements PT.2”, além do single “Eagleheart”, seguido de um clipe. Os álbuns soaram um pouco diferente dos anteriores, nenhuma mudança dramática, mas as músicas tinham um som diferente do resto. Alguns fãs não aceitaram esses álbuns com facilidade, embora eles tenham sido um sucesso.

2004 e o começo de 2005 foram tempos turbulentos para o Stratovarius. O Líder da banda Timo Tolkki (guitarrista), sofre de problemas mentais; por causa desta doença toma atitudes estranhas e acaba gerando uma grande confusão, expulsando membros, contratando uma vocalista feminina e dando declarações místicas banhado em sangue. Após tratamento e com pedidos de desculpas de Tolki pelos atos durante o tempo de insanidade, Kotipelto voltou para a banda, junto com Jörg.

Apesar do clima tenso, com a banda reunida, foi produzido o décimo terceiro álbum de estúdio, auto-entitulado, em 2005. Um álbum com sonoridade diferente, sem o pedal duplo de sempre, e com os gritos agudos de Kotipelto não tão abundandes quanto antes. Os membros já estavam cansados de repetir o mesmo modo de tocar em tantos álbuns. O resultado é um verdadeiro recomeço depois de tanta confusão.

Após as gravações terminarem, o baixista Jari resolveu sair da banda, por razões pessoais. Foi substituído por Lauri Porra, baixista que já havia tocado com Timo Kotipelto em seu álbum solo.

Dia 2 de abril de 2008, Timo Tolkki anunciou o Fim da banda. Após um longo período de silêncio, Timo Tolkki anuncia oficialmente o Fim do Stratovarius em seu site. As tensões internas dentro da banda foram mencionadas como a causa, dizendo que Lauri Porra e Jens Johannson eram seus únicos suportes, Jorg Michael estava centrado mais sobre seu session work, e Kotipelto era melhor com a banda solo.

A banda estava planejando lançar um álbum novo de estúdio, com iniciais R…R… em 2008. Tolkki estará lançando o álbum solo dele em junho 2008, e será formada a uma banda nova em torno do álbum, chamado “Revolution Renaissance” que terá participações nos vocais de Michael Kiske (ex-Helloween) e Tobias Sammet (Edguy).
Os integrantes prometeram retornar com um novo álbum de estúdio em 2009 – é o primeiro anúncio oficial desde a saída do guitarrista e principal compositor Timo Tolkki.

De acordo com o anúncio, o novo CD será “um registro positivo e poderoso que certamente tocará o coração dos fãs da banda de todo o mundo”.
Comentários do tecladista Jens Johansson: “Depois que Tolkki deu sua permissão para que nós pudéssemos continuar sem ele, escrevendo músicas juntos novamente neste verão depois de muito pensar, nós decidimos continuar com o legado do Stratovarius.

Complementou o vocalista Timo Kotipelto: “Nós estamos muito excitados com a gravação e em tocar as músicas do Stratovarius ao vivo para os nossos fãs. Mal podemos esperar.”
O Stratovarius recrutou o fenômeno finlandês da guitarra Matias Kupiainen, de apenas 25 anos. O baterista Jörg Michael disse: “Encontramos no Matias o novo integrante que se ajusta perfeitamente com seu estilo melódico de guitarra. Ele é um guitarrista impressionante, um prodígio da Finlândia”.

O Stratovarius já confirmou duas datas em festivais para 2009:
22 de maio – Wacken Rocks, Kreuth / Aurich / Alemanha 23 de maio – Wacken Rocks, Kreuth / Aurich / Alemanha
Mais shows em 2009 estão planejados e serão anunciados em breve.
O Stratovarius lançou seu novo CD de estúdio, “Polaris”, em maio. O álbum foi o primeiro desde a saída do guitarrista e compositor Timo Tolkki.

NINE INCH NAILS

2010-08-24T13:55:00.000-03:00

Nine Inch Nails (abreviado como NIN) é uma banda de rock industrial, fundada em 1988 por Trent Reznor em Cleveland. Reznor é o único membro oficial do Nine Inch Nails e permanece responsável sozinho por sua direção musical, sendo o principal produtor, cantor, compositor e multi-instrumentista.

Os estilos musicais do NIN abrangem uma grande variedade de gêneros, enquanto retendo um som caracteristicamente intenso usando instrumentos e processos eletrônicos. É um trabalho autoral e sempre atento cuidadosamente aos detalhes da produção. Após gravar um novo álbum, Reznor geralmente reúne uma banda para acompanhá-lo em apresentações ao vivo; este componente ao vivo é uma entidade separada do Nine Inch Nails no estúdio de gravação.

Devido aos seus álbuns conceituais, geralmente Trent Reznor incorpora em seus shows algum personagem que vive à margem da sociedade, beirando entre a depressão e a insanidade. As canções envolvem temas como a introspecção, desespero, exclusão social, e críticas às religiões, ao consumismo e ao mundo das celebridades. Nos palcos, o NIN comumente faz espetáculos artísticos, empregando elementos visuais espetaculares para acompanhar suas performances, que frequentemente culminam com a banda destruindo instrumentos musicais.

Audiências do underground receberam calorosamente o Nine Inch Nails em seus primórdios. Diversos discos influentes nos anos 90 alcançaram vasta popularidade: muitas canções do Nine Inch Nails se tornaram sucesso nas rádios, duas gravações do NIN ganharam Grammy Awards, e a banda vendeu mais do que vinte milhões de álbuns no mundo todo, com 10,5 milhões de vendas certificadas somente nos Estados Unidos. O Nine Inch Nails é considerado um ícone da música alternativa e experimental, inclusive tendo sido listado pela Rolling Stone como 94 em sua lista de 100 maiores artistas do rock de todos os tempos em 2004.A despeito deste sucesso, a banda teve vários feudos com o lado corporativo da indústria fonográfica. Trent Reznor anunciou em 2007 que o Nine Inch Nails prosseguirá independentemente de gravadoras.

O primeiro álbum longe das gravadoras, Ghosts I-IV, foi lançado online em uma variedade de formatos físicos e digitais através do website do grupo e contém 36 faixas instrumentais numeradas, intituladas “Ghosts”, em 4 divisões. Após pouco mais de dois meses, a banda lançou outro álbum, disponibilizando-o grátis na íntegra pela página oficial, chamado The Slip, podendo ser distribuído livremente sem conflito com os direitos autorais.

Em fevereiro de 2009, Reznor postou seus pensamentos sobre o futuro do Nine Inch Nails no NIN.com, dizendo que “Eu estive pensando por um tempo, agora é a hora do NIN desaparecer um pouco.” Reznor disse em uma entrevista no site que ele não parou de fazer música com o Nine Inch Nails, mas que o Nine Inch Nails parou de fazer tours no futuro próximo. A banda fez seu ultimo show no Wiltern Theater em Los Angeles. No mês seguinte, equipamentos excedentes que foram usados nas tours foram postos a venda no eBay.

Trent Reznor disse no site oficial da banda que ele ainda vai continuar fazendo novos projetos tanto com o Nine Inch Nails quanto com outras bandas após a Tour Wave Goodbye. Algum tempo depois foi anunciado no Twitter da banda que uma edição de luxo do album The Fragile vai ser lançada em 2010. Atualmente Reznor está trabalhando num projeto com sua mulher Mariqueen Maandig e Atticus Ross chamado How to Destroy Angels.

GRAND FUNK RAILROAD

2010-08-20T14:01:00.000-03:00

Uma das bandas mais seminais e representativas da década de 70, mas que na ótica da crítica imbecil e reacionária, ostentava injustamente (dividindo com o não menos excelente Uriah Heep) o título de mais malhada.

Apesar da intolerância da crítica e da relutância das rádios em tocar as suas músicas, o GFR construiu uma sólida carreira com uma legião de fans fiéis, principalmente por manter-se sempre “on tour”, apresentando-se em qualquer cidade que passasse...uma banda estradeira. O som deste vigoroso power trio, uma receita de hard/heavy/funk/blues rock, atraia a simpatia dos jovens e das classes trabalhadoras.

Formada em 1968, oriunda de Flint, Michigan, USA, tinha Mark Farner nos vocais e guitarras, Don Brewer na bateria (egressos da banda local Terry Knight and The Pack) e Mel Shacher no baixo (este indo do ? & The Misterians) e participações bissextas do próprio Terry Knight. Terry Knight nos primórdios era um faz tudo nas performances ao vivo, mas rapidamente retirou-se para assumir a gerencia e produção do grupo.

Talvez devido as táticas promocionais não ortodoxas do agora empresário Terry Knight (um replicante do Coronel Tom Parker de Elvis Presley) que tinha por objetivo impor a banda como um produto comercial legitimamente americano, apesar da rebeldia do som do GFR, tenham se acirrado ainda mais os problemas com a crítica e com as rádios americanas, que continuaram o boicote.

Em 1969 se apresentaram no Atlanta Pop Festival, com grande sucesso e excelente receptividade e repercussão junto ao público presente (estimava-se 50.000 pessoas) e um executivo da major Capitol Records presente ao show acabou contratando-os.

Ainda detonados pela crítica, mas já aceitos e tocados em algumas poucas rádios, graças as sua muitas qualidades e seu som diferente dos padrões, mais fans conquistavam por toda a América, o que pode ser comprovado pela vendagem de seus 8 primeiros álbuns lançados entre 1969 e 1974, que lhes deram sem exceção discos de ouro ou de platina.

A agressividade e ousadia de Terry Knight não tinha mais limites, beirando a loucura. Chegou a alugar o Madison Square Garden para promover o album Closer To Home, um estrondoso sucesso, apesar de mais uma vez execrado pela crítica.

Com o sucesso a personalidade difícil de Terry Knight minava o seu relacionamento com a banda, e culminou com sua exclusão/demissão em março de 1972. Isto levou a banda para os tribunais durante um ano de dura batalha judicial, onde afinal sua saída foi indenizada.

Ao final de 1972 o tecladista Craig Frost juntou-se para o album Phoenix. Após este trabalho a banda encurtou seu nome para apenas Grand Funk e finalmente conseguiu emplacar uma música nas rádios, We Are An American Band, que atingiu o #1 no Hit Parade, retirada do album de mesmo nome produzido por Todd Rundgreen (virtuose e multiinstrumentista egresso do Nazz e Utopia).

O trabalho antecedente Shinin'On em função do sucesso do We Are An American Band, conseguiu outro #1 Hit, Locomotion, um remake de Little Eva, mas já no próximo álbum All The Girls In The World Beware o declínio começava. Reverteram o nome para Grand Funk Railroad e mantiveram-se juntos, apesar da decadência e brigas, até 1976, para lançar seu “canto do cisne”, o trabalho Good Singin' Good Payin' produzido nada mais nada menos que pelo gênio Frank Zappa, excelente álbum mas pouco comercial.

Mark Farner retirou-se logo após para uma carreira solo obscura (gravou 2 álbuns solo pelo selo Atlantic Records) e os remanescentes acrescidos do guitarrista Bill Elworthye lançarem um álbum sob o nome de Flint (gravaram 2 álbuns, sendo que um deles nunca foi oficialmente lançado).

Após lançar o sofrível Grand Funk Lives, em 1981 o GFR reagrupa-se modificado, acrescido do baixista Dennis Bellinger.

Em 1983 os remanescentes jogam a toalha e decretam oficialmente o fim do GFR. Na década de 90 fizeram apresentações esporádicas beneficentes (das quais foi lançado no Japão o cd Bósnia) e comemorativas em 1994 no Woodstock 25 anos.

Com o fim do Grand Funk Railroad, Brewer e Frost juntaram-se ao Bob Seeger no Silver Bullit Band e Farner tornou-se um Artista de Cristo, passando a tocar gospel rock (formou uma banda chamada The Godrockers, e lançou 3 discos e uma coletânea pela Frontline Records).

THE DOORS

2010-08-20T13:38:00.001-03:00

The Doors foi uma banda de rock estadunidense dos fins da década de 1960 e princípio da década de 1970. O grupo era composto por Jim Morrison (vocal), Ray Manzarek (teclado), Robby Krieger (guitarra) e John Densmore (bateria). A banda ainda recebeu influências de diferentes estilos musicais, como o Blues, Jazz, Flamenco entre outros.

Após a dissolução da banda no início da década 70, e especialmente após a morte de Morrison em 1971, o interesse nas músicas dos Doors tem-se mantido elevado, ultrapassando mesmo por vezes o que o grupo teve enquanto esteve activo. Em todo o mundo, os seus discos já venderam mais de 50 milhões de cópias.

O grupo formou-se em 1965 em Los Angeles após um encontro de estudantes de cinema da UCLA. Nesse encontro, Morrison cantou alguns poemas para Manzarek entre os quais “Moonlight drive”. Manzarek já tocava numa banda chamada Rick and The Ravens, enquanto Krieger e Densmore tocavam nos The Psychedelic Rangers, mas conheciam Manzarek por frequentarem juntos aulas de meditação.

A banda foi buscar o nome ao livro The doors of perception de Aldous Huxley, que por sua vez o tinha ido buscar a um poema de William Blake, artista e poeta do século XVIII que dizia: “If the doors of perception were cleansed, everything would appear to man as it is, infinite” (se as portas da percepção fossem abertas, tudo apareceria ao homem como realmente é, infinito).

A banda se detacou na cena da época, porque foi uma das primeiras a tratar de temas obscuros, mulheres e dinheiro, mas também a sua música continha letras de cunho político, escritas na sua maioria por Jim Morrison. A batida “jazzística” de Densmore, o bailado das teclas de Manzarek, que com a mão esquerda tocava as partes que deveriam ser tocadas pelo baixo, e a guitarra de Krieger, que mostrava grandes influências do flamenco, da música indiana, do blues e da guitarra clássica, combinadas formavam um som original.

Muitas das músicas dos Doors eram feitas em comunidade; Morrison normalmente fazia as letras e parte da melodia, enquanto os outros trabalhavam no ritmo e composição da música. Morrison uma vez passeava numa praia da Califórnia com Manzarek, quando passaram por uma rapariga afro-americana; tendo escrito, baseado nisso, em apenas uma noite, a letra de “Hello I love you”, referindo-se à rapariga como “dusky jewel” (jóia negra).

A banda rapidamente ganhou reputação devido à sua rebeldia, principalmente nos concertos. Quando se apresentaram no famoso Ed Sullivan Show, que já tinha mostrado grandes bandas como os Beatles, Rolling Stones e The Who para o público, censores exigiram que o grupo alterasse a letra de “Light my fire”, mudando o verso “Girl we couldn’t get much higher” para “Girl we couldn’t get much better”. No entanto, Morrison cantou a letra original, que devido a ser uma actuação ao vivo, deixou a companhia impotente para fazer alguma coisa. Noutro incidente, em 1969, num concerto em Miami, terá mostrado os órgãos genitais; foi por isso levado a tribunal, não se tendo no entanto chegado a nenhuma conclusão. Morrison terá dito que tinha perdido muito tempo com este julgamento, mas que tinha sido uma experiência valiosa, porque ele tinha, antes desse episódio, uma visão muito irrealística da justiça americana,e que o julgamento lhe teria aberto os olhos.

Enquanto Morrison como figura principal recebia a maior parte da atenção que era dada ao grupo, inclusive nas capas dos ábuns era Morrison que mais aparecia, aos outros membros tornava-se difícil de obterem reconhecimento. Antes de um concerto, em que o apresentador terá anunciado o grupo como “Jim Morrison and The Doors”, Morrison, num acesso de raiva recusou-se a entrar em palco enquanto o grupo não fosse anunciado apenas como “The Doors”.

Em 1971, Morrison morreu em circunstâncias misteriosas, quando vivia em Paris, o que levou alguns fãs a pensarem que ele teria simulado a sua morte para escapar à popularidade. Os restantes Doors continuaram, com Manzarek e Krieger a substituírem Morrison como vocalistas e editaram mais dois álbuns, Other voices em 1971 e Full circle em 1972. Chegaram a realizar novas apresentações ao vivo e duas músicas obtiveram destaque: “In The Eye Of The Sun” e “Tightrope Ride”, ambas do álbum Other Voices.

Não sendo um fracasso comercial, “Other voices” também não teve um enorme sucesso. Após a edição de “Full circle”, a banda separou-se por não se sentirem bem sem Morrison.

Em 1991, Oliver Stone, realizou o filme The Doors, com Val Kilmer no papel de Jim Morrison. Enquanto muita gente ficou espantada com a encarnação de Kilmer, o filme continha muitas imprecisões e os membros do grupo ficaram descontentes com o retrato de Morrison feito por Oliver Stone, que por vezes o fez passar por um psicótico descontrolado, sem dar o merecido destaque a sua arte poética.

Nos fins de 2002, Manzarek e Krieger fazem renascer os Doors, com Ian Astbury dos Cult no lugar de Morrison e com o baterista Ty Dennis e o baixista Ângelo Barbera, ambos pertencentes à Robby Krieger Band, chamando a si próprios os Doors do século XXI. No entanto, um processo por parte do ex-baterista John Densmore resultou na mudança do nome para “Riders on the Storm”, alusão a uma de suas músicas mais conhecidas.

A enorme popularidade dos Doors é demonstrada pela quantidade de álbuns que hoje continuam a vender.

JAMES BROWN

2010-08-20T13:24:00.000-03:00

James Joseph Brown Jr., ou simplesmente James Brown, (Barnwell, Carolina do Sul, 3 de Maio de 1933 — Atlanta, Geórgia, 25 de Dezembro de 2006) foi um cantor, compositor e produtor musical norte-americano reconhecido como uma das figuras mais influentes do século XX na música.

Nascido na Carolina do Sul, foi um prolífico letrista e produtor musical, foi o principal impulsionador da evolução do gospel e do rhythm and blues para o soul e o funk, sendo a invenção deste último gênero creditada a ele. Também deixou sua marca em outros gêneros musicais, incluindo rock, jazz, reggae, disco, no hip-hop e na música dançante e eletrônica em geral.

Foi abandonado aos 4 anos por seus pais e deixado aos cuidados de parentes e amigos. Cresceu nas ruas de Augusta (Geórgia), onde cantava e dançava para pagar por sua vaga no quarto de um bordel.

Aos 16 anos, passou três anos em um reformatório por roubar carros.

Durante os anos 60, lançou canções tais como “Papa’s Got a Brand New Bag”, “I Got You (I Feel Good)”, “Get Up (I Feel Like Being a Sex Machine)” e “I’m Black and I’m Proud”.

ISAAC HAYES

2010-08-20T13:08:00.001-03:00

Isaac Lee Hayes. Nasceu em Covington, Tennessee em 20 de agosto de 1942. Cantor, arranjador, músico, produtor musical e ator, está sem dúvida na galeria e hall dos grandes músicos de Funk Soul norte americano. Foi o maior nome da já extinta gravadora de música negra STAX.
Hayes ganhou notoriedade e grande fama com trilhas de filmes, entre elas, seu maior sucesso com o tema de SHAFT em 72, onde foi consagrado com o OSCAR de melhor canção original, se tornando o primeiro negro não-ator a ganhar a estatueta.
Hayes ganhou ainda 3 grammys, o terceiro com o álbum BLACK MOSES.
Casado quatro vezes e pai de 12 filhos, Isaac Hayes brilhou ao lado de Al Green, James Brown e Stevie Wonder. Estabeleceu uma parceria em composição com David Porter e, nos anos 1960, escreveu hits para Sam and Dave, como Hold On, I’m Coming e Soul Man.
Isaac Hayes participou de diversos filmes, sendo os primeiros da sua carreira os BLAXPOITATION (Filmes da cultura e música negras) como Truck Turner (1974) e Three Tough Guys (1974) ambos com trilhas compostas pelo próprio Isaac, e utilizadas na série Kill Billl de Quentin Tarantino.
Outros são: Fuga de Nova Iorque de John Carpernter, Atraídos pelo Destino, com Nicolas Cage, e Ninth Street, com Martin Sheen mas ficou mais conhecido pelo público jovem de hoje por fazer a voz do chef da cantina da escola do desenho animado South Park.
Aos 65 anos, em um domingo 10 de agosto, 2008 Isaac Hayes faleceu, em sua casa em Memphis, no estado de Tennessee.

CARL ORFF

2010-08-20T12:52:00.000-03:00

Carl Orff (Munique, 10 de Julho de 1895 — Munique, 29 de Março de 1982) foi um compositor alemão. Sendo um dos mais destacados compositores do século XX, a sua maior contribuição deve-se, contudo à sua influência na pedagogia da música, ao criar o instrumental Orff, um método de ensino musical baseado na percussão. Criou um centro de educação musical para crianças e leigos em 1925, no qual trabalhou até à data do seu falecimento. Entre suas obras destaca-se a cantata Carmina Burana.

Orff se recusava a falar publicamente sobre seu passado. É sabido entretanto que Orff nasceu em Munique, e veio de uma família da Bavária muito ativa na vida militar alemã. A banda de regimento de seu pai supostamente tocava freqüentemente as composições do então jovem Orff.

Orff estudou na Academia de Música de Munique até 1914. Serviu então as forças armadas durante a Primeira Guerra Mundial. Posteriormente, ele se tornou membro de várias posições nas óperas de Mannheim e Darmstadt, retornando depois para Munique para continuar seus estudos musicais.

Em 1925, e pelo resto de sua vida, Orff foi o chefe de um departamento e co-fundador do Guenther School, para atividades físicas, músicas e dança em Munique, no qual ele trabalhou com iniciantes em música. Pelo constante contato com crianças, desenvolveu suas teorias na educação musical neste período.

Enquanto a associação de Orff com o nazismo nunca foi comprovada, Carmina Burana era muito popular na Alemanha nazista depois de sua apresentação em Frankfurt em 1937. Orff era amigo de Kurt Huber, um dos fundadores do movimento de resistência Die Weiße Rose (ou A rosa branca em alemão), que foi condenado à morte pelo Volksgerichtshof e executado pelos nazistas em 1943. Depois da Segunda Guerra Mundial, Orff alegou ter sido membro do grupo, tendo se envolvido na resistência, mas não havia evidências exceto por suas próprias palavras.

Orff foi enterrado na igreja barroca do Mosteiro de Andechs, no priorado de Andechs, sul de Munique.

Orff é mais conhecido por Carmina Burana (1937), uma cantata encenada. É a primeira de uma trilogia entitulada Trionfi, que também inclui Catulli Carmina e Trionfo di Afrodite. Essa composições refletem seu interesse pela poesia alemã medieval. É descrita pelo compositor como “a celebração de um triunfo do espírito humano pelo o balanço holístico e sexual”. O trabalho foi baseado no verso erótico do século XIX de um manuscrito chamado Codex latinus monacensis, encontrado em um mosteiro da Baviera em 1803 e escritos pelos goliardos. Apesar de moderno em algumas de suas composições, Orff soube capturar o espírito da era medieval em sua trilogia. Os poemas medievais foram escritos em uma forma arcaica de alemão e latim.

BOB MARLEY

2010-08-20T12:01:00.000-03:00

Robert Nesta Marley, mais conhecido como Bob Marley, (Saint Ann, 6 de fevereiro de 1945 — Miami, 11 de maio de 1981) foi um cantor, guitarrista e compositor jamaicano. Ele é o mais conhecido músico de reggae de todos os tempos, famoso por popularizar o gênero pelos quatro cantos do mundo. Grande parte do seu trabalho lidava com os problemas dos pobres e oprimidos, ele era considerado a voz dos oprimidos e lutava por um mundo de justiça e direitos iguais. Ele foi chamado de “Charles Wesley dos rastafaris” pela maneira com que divulgava a Cultura através de suas músicas. Bob Marley foi considerado pela revista Time como o Artista mais influente do seculo XX a revista rolling stones elege um de seus albums , Exodus, como o melhor album do séc. XX, o Ny times recentemente fez uma capsula do tempo para ser aberta daqui a 500 anos e ecolheram o clipe da musica One love para representar a musica do sec XX , outra curiosidade é que Bob Marley é o artista que possui o maior numeros de covers de todos os tempos.

Bob foi casado com Rita Marley (uma das “I Threes”, que passaram a cantar com os Wailers depois de eles alcançarem sucesso internacional). Ela foi mãe de quatro de seus doze filhos(2 adotados), os renomados Ziggy e Stephen Marley, que continuam o legado musical de seu pai na banda Melody Makers. Outro de seus filhos, Damian Marley (vulgo “Jr Gong”) também seguiu carreira musical

Mesmo após um atendo contra sua vida Bob fez o mundo chorar com suas músicas, se inspirar e lutar com a opressão do capitalismo e a amar com a paixão que ele nos ensina em suas músicas.

Desde 1981 o mundo sente saudades dessa lenda, 1 ano depois de descobrir um cancer, mas seu legado permanece vivo geração após geração, influenciando muitos artistas.

JOHANN SEBASTIAN BACH

2010-08-20T11:30:00.000-03:00

Johann Sebastian Bach, (21 de Março, 1685 - 28 de Julho, 1750)

Foi um músico e compositor do período barroco da música erudita. Foi também um organista notável. Nasceu em Eisenach (Alemanha), no seio de uma família de músicos. É considerado um dos maiores e mais influentes compositores da história da música, ainda que pouco reconhecido na altura em que viveu. Muitas das suas obras reflectem uma grande profundidade intelectual, uma expressão emocional impressionante e, sobretudo, um grande domínio técnico em grande parte responsável pelo fascínio que diversas gerações de músicos demonstraram pelo Pai Bach, especialmente depois de Felix Mendelssohn que foi um dos responsáveis pela reabilitação da obra de Bach, até então bastante esquecida.

Sua Vida

Johann Sebastian BachBach nasceu em Eisenach, na Turíngia, no seio de uma família de músicos. Sua mãe morreu quando ele tinha 9 anos de idade. Um ano depois morreu seu pai Johann Ambrosius Bach, que era músico da cidade e o havia ensinado os rudimentos da música. Foi viver e estudar com seu irmão maior, Johann Christoph Bach, 16 anos mais velho que ele, então organista de Ohrdruff. Através de seu irmão Bach aprendeu a tocar órgão e a compor. Christoph, no entanto, não era um grande entusiasta do talento do jovem Sebastian. O irmão mais novo certa vez pediu a Christoph que lhe deixasse estudar algumas partituras de Pachelbel, que fora padrinho e professor de Christoph, mas este recusou. Sebastian então passou a copiar, todas as noites, as partituras de seu irmão, enquanto este estava dormindo, para que pudesse estudá-las mais tarde. De nada lhe valeu esse esforço, já que Christoph, ao descobrir as cópias, destruiu-as. Especula-se também que o esforço realizado por Sebastian para copiar as partituras na escuridão tenha sido responsável pela cegueira que o atormentou no final da vida.

Em 1703, aos 18 anos, Bach ascendeu ao posto de organista em Arnstadt, graças a seu precoce domínio do instrumento. Nessa época estudou com o famoso organista Dietrich Buxtehude, além de assistir a concertos de outro organista, Jan Adam Reinken.Quatro anos mais tarde se transladou a Mühlhausen, onde casou-se com sua prima Maria Bárbara Bach, que assim como ele era órfã. Ali escreveu também suas primeiras cantatas. Só um ano depois, em 1708, foi nomeado organista da Corte, e em 1714 diretor de orquestra na corte do duque Wilhelm Ernst, em Weimar.

- De 1717 a 1723 Bach foi mestre de capela (Kapellmeister) na corte de príncipe Leopold de Anhalt-Köthen. Em 1720 morreu a sua primeira esposa, e um ano mais tarde ele voltou a casar, desta vez com a cantora Anna Magdalena Wülcken. A partir de 1723 e até a sua morte Bach foi Diretor de Música (Kantor) na igreja de São Tomás em Leipzig. Chegou a ser convidado a corte de Frederico II o Grande em Sans Souci. Morreu em 1750, depois de uma intervenção cirúrgica fracassada nos olhos. Bach foi ficando cego até perder totalmente a vista. Atualmente se crê que a sua cegueira foi originada por um diabetes não tratado.

Bach encabeçou uma família numerosa. Teve sete filhos em seu primeiro matrimônio e 13 no segundo. Quatro de seus filhos do seu segundo casamento se transformaram em compositores respeitados. Entre eles se destacaram Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784), que segundo o patriarca era o mais talentoso de seus filhos, Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), de quem Mozart tinha uma opinião excelente, e que viria ser o Bach mais famoso de sua época, e Johann Christian Bach (1735-1782) que ficou famoso na inglaterra. Entretanto, a confiança que Bach pôs em um Wilhelm Friedemann teve tristes conseqüências depois de seu falecimento. Friedemann possuía uma personalidade evasiva, nunca se fixando nos empregos, e muitas vezes em dificuldades financeiras. Essas dificuldades levaram-no, muitas vezes, a vender várias partituras de seu pai. Nesse processo perderam-se para sempre várias paixões compostas por Johann Sebastian (quem sabe agora fossem elas tão apreciadas como a Paixão segundo São Mateus e a Paixão segundo São João). Se não tivesse sido o cuidado que teve Carl Phillip Emanuel Bach em conservar os manuscritos de seu pai, o mundo poderia ter sido privado de uma boa parte das obras primas de Bach.

Um aspecto impressionante da vida de Bach é que o compositor teve pouco reconhecimento em vida. Era tido por todos como um virtuoso do órgão, talvez o melhor de que se tinha notícia. Como compositor, porém, era considerado como antiquado e sem criatividade. Outros compositores, como Haendel e Tellemann, tiveram suas obras muito mais apreciadas. Na época que se seguiu a sua morte, Bach caiu no esquecimento. Seu filho Carl Phillip Emanuel teve então grande destaque como um dos fundadores do classicismo.

Alguns compositores e músicos conheciam e apreciavam a obra de Johann Sebastian Bach. Haydn, Mozart e Beethoven tiveram um grande apreço pelas obras de Bach.

Sua Obra

Entre as características sobressalentes de J. S. Bach encontra-se o domínio de complexos e engenhosos contrapontos. Teve seu ápice no gênero da fuga com a obra O Cravo Bem Temperado, que consiste em 48 prelúdios e fugas, sendo um prelúdio e uma fuga para cada tonalidade maior e menor. Outro trabalho importante é A Arte da Fuga, que ficou incompleto com a sua morte. Composto com a intenção de que fosse um conjunto de exemplos das técnicas de contraponto, A Arte da Fuga consta de 14 fugas com diferentes formas, pois todas com o mesmo tema básico.

Também despertam bastante interesse seus concertos, que Bach compôs baseando-se na forma dos concertos de Antonio Vivaldi, compositor e violinista italiano contemporâneo de Bach (sete anos mais velho que ele). Assim por exemplo os concertos de Brandenburgo caracterizam-se por estarem dedicados cada um a um grupo diferente de instrumentos solistas.

Bach escreveu muitas de suas músicas para a igreja luterana: em particular suas cantatas foram compostas para as missas dominicais, e suas paixões para as cerimônias de Sexta-feira Santa.

Variações Goldberg (var. 7)Além das citadas, outras obras célebres de Bach são as Variações Goldberg, as suites para orquestra, as suites para violoncelo, os concertos para violino e a Missa em Si menor.

A re-estréia da Paixão Segundo São Mateus, por iniciativa de Meldelssohn em 11 de Março de 1829, deu um grande impulso na divulgação da música de Bach.

Bach teve numerosos alunos e estudantes ao longo de sua vida. Entre eles se conta Johann Friedrich Agricola.

BLIND MELON

2010-08-19T13:29:00.000-03:00

A história da banda começou em 1990, quando o seu líder e vocalista Shannon Hoon deixa sua cidade natal, Lafayette - estado de Indiana - em direção a Los Angeles, onde encontra os outros membros do grupo.

Já em 1991 o Blind Melon assina um contrato de $500.000 com a Capitol Records e começa a gravar seu primeiro disco, que tinha como título o nome da banda e viria a ser lançado em Setembro de 1992.

Ainda em 1991, o amigo e conterrâneo de Shannon, nada mais nada menos do que Axl Rose, o convida para fazer participações especiais em algumas canções do álbum “Use Your Illusion” do Guns ‘N’ Roses, dentre as quais “November Rain” e “Don’t Cry”. Nesta última Shannon dividiu os vocais com Axl e também participou do vídeo clipe, fato que mais tarde contribuiria para a divulgação do próprio Blind Melon, já que o clipe foi exaustivamente exibido no mundo todo e muita gente quis saber quem era o cabeludo a cantar ao lado de Axl.

Porém o sucesso veio mesmo em 1993 com o lançamento do single e do clipe de “No Rain”. Como um foguete, a música atingiu o 3o. lugar na Bilboard e o disco atingiu a incrível marca de 2 milhões em poucos meses. O clipe… bem, é difícil encontrar alguém que nunca o tenha visto. O “clipe da abelhinha”, como até hoje é conhecido, foi um dos mais executados daquele ano, e na MTV Brasil foi o clipe que mais vezes atingiu o 1o. lugar das paradas em 1993, dividindo o mérito apenas com Madonna.

Em 1994 a banda foi indicada ao Grammy nas categorias Melhor Artista Novo e Melhor Banda de Rock, mas não levou nenhum dos dois prêmios. No mesmo ano eles ainda tocaram no Woodstock II.

Em 1995 a história da banda começa a mudar. Em agosto foi lançado o segundo álbum do Blind Melon, “Soup”, porém, a banda mal tem tempo de divulgar o novo trabalho, pois em 21 de outubro Shannon é encontrado morto no ônibus da banda, em Nova Orleans, vítima de overdose de heroína. O vocalista, que já tinha sérios problemas com drogas desde os 17 anos, morreu aos 28 anos deixando uma filha de apenas 3 meses, Nico Blue.

Em meio a promessas de retomar as atividades, os membros da banda lançam o álbum póstumo “Nico” (em homenagem à filha de Shannon, composto de versões demo e músicas que haviam ficado de fora dos álbuns anteriores. O cd tem ainda uma faixa multímídia contendo entrevistas e trechos de clipes, dentre os quais “No Rain” e o ótimo “Toes Across The Floor”.

Até que em 2007, acontece o que milhares de fans pelo mundo queriam, O BLIND MELON está de volta. A Banda ainda está um pouco tímida, fazendo shows em lugares pequenos nos EUA, mas em todos os shows a galera marca presença e canta os sucessos novos e principalmente os antigos agora na voz de Travis Warren. Existem vários videos de shows do novo Blind Melon no Youtube.

No dia 8 de novembro de 2008, o blind melon anuncia o cancelamento da turnê, o vocalista Travis Warren deixou a banda por estar com problemas na voz. Muitos falaram que ele seria substituído por Chris Shinn (ex-Unified Theory, mas isto não aconteceu. A banda lançou um “concurso” para um novo vocalista.

ME FIRST AND GIMME GIMMES

2010-08-16T13:41:00.002-03:00

Me First And The Gimme Gimmes é uma banda cover de punk rock formada no ano de 1995 por integrantes de importantes bandas de punk rock da época, como Lagwagon, NOFX e No Use For A Name.

Os Gimme Gimmes tocam exclusivamente músicas covers, sendo a grande maioria sucessos de décadas passadas, principalmente as de 60 e 70. O repertório da banda passa por versões de clássicos de Simon & Garkfunkel, Billy Joel, Beach Boys, John Denver, Whitney Houston, Bob Dylan, Beatles, Prince, temas de clássicos do cinema e do teatro(O Fantásma Da Ópera , O Mágico de Oz, Evita e músicas tradicionais de diversas culturas Auld Lang Syne (Marcha da Despedida, no Brasil), O Sole Mio e Hava Nagila (música judia).

L7

2010-08-16T13:23:00.000-03:00

L7: Foi uma banda de alternative rock/grunge formada em 1985, em Los Angeles, Califórnia; por Donita Sparks e Suzi Gardner, mais tarde, juntando-se à Jennifer Finch e Dee Plakas.

Elas assinaram com a Epitaph Records para seu primeiro álbum e com a Sub Pop em 1989.
O nome da banda foi tirado de uma gíria da década de 50, que significa “quadrado”, mas é muitas vezes confundido com uma referência à uma posição sexual, também chamada de “69”.
Em 1991, a banda formou o “Rock For Choise”, um grupo de pré-escolhas dos direitos das mulheres, que foi apoiado por outras bandas daquela época, incluindo Nirvana, Pearl Jam, Red Hot Chili Peppers e Rage Against the Machine. O “Rock for Choice” ainda existe e organiza shows atualmente.
Em seu álbum de 1992 (Bricks Are Heavy), produzido por Butch Vig, exibido na revista Rolling Stone de maio de 1992, na lista “Gravações essenciais da década de 90”, e é amplamente considerado seu clássico.
A banda ganhou uma certa quantidade de notoriedade pelo seu desempenho no Reading Festival 1992, quando Donita Sparks removeu seu tampão no palco e jogou-o na multidão, em protesto contra os mísseis sendo lançados pela multidão. No Reino Unido, a banda é mais famosa por uma aparição no popular programa de entretenimento no fim da noite chamado “The Word”, no qual Sparks puxou sua calça para baixo para revelar a sua ‘área pública’. Durante um show em Londres, em 2000, a banda ofereceu uma estadia à noite com Dee Plakas como prêmio de uma rifa, mas não é claro quanto à questão de saber se esta foi uma verdadeira oferta ou não.
A banda fez uma aparição no filme de 1994, de John Waters, “Serial Mom” sob o nome de “Camel Lips”, uma referência para a impressão visual de uma vulva feminina em um jeans apertado. Também em 1994, a música “Shit List” foi destaque no filme “Natural Born Killers”. Em 1996, ainda outros sons da banda foram exibidos no filme “Shirley”, estreiando Angelina Jolie.
O mais recente álbum da banda “Slap Happy”, foi lançado em 1999, e não alcançou grandes vendas.

CHICO BUARQUE

2010-08-16T13:00:00.000-03:00

Francisco Buarque de Hollanda, conhecido como Chico Buarque (Rio de Janeiro, 19 de Junho de 1944) é um compositor, cantor, poeta, dramaturgo e escritor brasileiro, uma das mais importantes figuras da música popular brasileira dos anos 60 até os dias de hoje.

Durante sua infância morou em São Paulo, Rio de Janeiro e Roma, e cresceu cercado de grandes artistas amigos de seus pais e da irmã, a cantora Miúcha, como João Gilberto, Baden Powell, Tom Jobim e Vinicius de Moraes. Ainda em Roma, ouvindo seu pai ao fundo com Vinicius, lia de Dostoievski a Roger Martin e voltava às raízes brasileiras com Carlos Drummond de Andrade, Machado de Assis e Graciliano Ramos. Da Rússia para a França e de volta para o Brasil.

Chico Buarque aprendeu a tocar violão de ouvido, tentando imitar os amigos de sua irmã e o que ouvia no rádio: Ataulfo Alves, Noel Rosa, chorinhos, sambas, marchas e semelhantes. Começou a se apresentar ainda no colégio onde se destacava não só pela música, mas pelo seu amor pelo futebol, suas crônicas e sua participação integral no jornal da escola. Com tantas atividades físicas e intelectuais é de se impressionar que nesta mesma época Chico já compunha Canção dos Olhos, Marcha para um Dia de Sol e Anjinho e chegou a apresentar algumas composições próprias em espetáculos. Terminando a escola, ele até entrou para a FAU, Faculdade de Arquitetura e Urbanismo de São Paulo, mas após poucos anos formou um grupo, chamado de Sambafo, para fazer um “batuque” depois da aula.

Em 1965, Chico Buarque gravou seu primeiro compacto pela RGE com Pedro Pedreiro e Sonho de um Carnaval. Neste ano tocou no programa O Fino da Bossa da Rede Record, musicou o poema Morte e Vida Severina de João Cabral de Melo Neto (versão elogiada pelo próprio poeta), e fez uma turnê pelo Brasil e pela França. No ano seguinte, Nara Leão interpretou sua música A Banda no Festival da Record, onde ganhou reconhecimento como compositor, e nesta mesma época defendeu músicas de sua autoria como Sabiá e Benvinda. No fim da década de 60 excursionou pela França e pela Itália onde morou por pouco tempo antes de voltar para o Brasil.

De volta ao Brasil, Chico gravou alguns de seus álbuns de maior sucesso, como Construção (1971) e Sinal Fechado (1974), até que encarou o seu maior bloqueio artístico: a ditadura militar. Suas músicas e peças eram censuradas aos lotes. O artista chegou a usar o pseudônimo “Julinho de Adelaide” na hora de assinar canções como Acorda Amor.

Chico Buarque lançou também peças de teatro como a Ópera do Malandro e Gota D´Água e livros como Estorvo e Budapeste. Participou de diversas coletâneas e trilhas sonoras e fez tributos e performances ao vivo que entraram para a história. Após oito anos sem lançar material inédito, Chico Buarque lança seu novo CD, Carioca, pela Biscoito Fino, em maio de 2006.

RAGE AGAINST THE MACHINE

2010-08-13T11:19:00.000-03:00

A história da banda começou por volta de 1991. A primeira apresentação dos Rage Against The Machine foi em Orange County. Em seguida o grupo gravou uma demo de 12 músicas, músicas estas que constituiram, majoritariamente, o primeiro CD da banda. Venderam 5.000 cópias da demo revertendo o lucro para o seu clube de fãs e também em vários concertos na região de Los Angeles. Deram dois concertos no segundo palco, Lollapalooza II em Irvine Meadows, Califórnia. Ali assinaram um contrato com a gravadora Epic.

No fim de 1992 os Rage Against the Machine fizeram uma turnê por toda a Europa realizando concertos com os Suicidal Tendencies. Terminada a turnê, lançaram o seu primeiro álbum, denominado “Rage Against the Machine”, em 10 de Novembro de 1992. O disco vendeu mais de 3 milhões de cópias e esteve no Top 200 da Billboard durante 89 semanas. Inclui, entre outras músicas, Bullet In The Head, Bombtrack, Freedom, Wake Up (que entrou na trilha sonora do filme Matrix, anos mais tarde), e também Killing In The Name, um protesto contra o militarismo norte-americano.

Devido às suas atitudes e letras, os Rage Against The Machine foram censurados e proibidos de realizar concertos em muitos estados norte-americanos. Ironicamente, a censura fez a banda crescer, o que a fez encara-la e lutar contra ela em grandes protestos. Em 1993, realizaram espectáculos em beneficiência da Anti-Nazi League e da Rock for Choice.

No Lollapalooza III, desta vez no palco principal, os Rage Against The Machine subiram mas não tocaram. Fizeram apenas um protesto anti-censura contra a PMRC (Parents Music Resource Center), no qual cada membro da banda ficou de pé, nu, durante cerca de 15 minutos, cada um com uma fita preta na boca e com as letras P (Tim), M (Zack), R (Brad), e C (Tom) escritas no peito. Eles afirmaram: “Se não agirmos contra a censura, não teremos direito a ver mais bandas como os Rage!”

Logo após a banda terminar em 2000 os três membros (Tom Morello, Tim Commerford e Brad Wilk) se juntaram a Chris Cornell ex-vocalista do Soundgarden e lançaram 3 albums com a banda Audioslave. Em 2007 a banda Rage Against the Machine voltou, com os membros originais, para 4 concertos ao vivo, entre eles os festivais Coachella e Rock The Bells, e, segundo boatos, até mesmo o lançamento de um novo CD.

JETHRO TULL

2010-08-13T10:59:00.000-03:00

Jethro Tull é uma banda de rock formada em Blackpool em 1967. Sua música é caracterizada pelas letras, o estilo vocal cheio de maneirismos e o trabalho único na flauta de seu líder Ian Anderson, além de uma complexa e pouco usual construção musical.

Inicialmente calcado no estilo blues rock, o Jethro Tull eventualmente incorporou a seu som elementos de música clássica, folk, jazz e art rock.

A banda vendeu mais de 60 milhões de discos ao redor do mundo

História

Os primórdios da banda

O Jethro Tull passou pelo seu “calvário” em clubes britânicos nos anos 60, com uma formação instável que eventualmente se cristalizaria em Ian Anderson (vocais, flauta, violão e mais tarde diversos outros instrumentos), Mick Abrahams (guitarra), Glenn Cornick (baixo) e Clive Bunker (bateria). A princípio a banda passou por inúmeras mudanças de nome para conseguir mais shows, e que Jehtro Tull foi o que acabou ficando depois que conseguiram um contrato com uma gravadora (o nome vem do agricultor Jethro Tull que inventou a semeadeira). Os empresários então sugeriram que Abrahams assumisse os vocais e a guitarra e que a flauta fosse eliminada, relegando Anderson ao piano rítmico. Depois de uma sucessão de compactos mal sucedidos, eles lançam This Was em 1968, altamente influenciado pelo blues e composto por Anderson e Abrahams.

Depois desse álbum, Abrahams deixou o grupo, (formando sua própria banda, Blodwyn Pigs), devido principalmente à “diferenças musicais” (Abrahams preferia continuar tocando blues, que Anderson taxava de estilisticamente limitado e de vocabulário restrito aos ingleses de “classe média”). Depois de uma série de audições (ao contrário de rumores, tais audições não contaram com Tony Iommi do Black Sabbath, que na verdade só concordou em aparecer no Rock’n’Roll Circus dos Rolling Stones para tocar “A Song For Jeffrey”), o ex-integrante das bandas Motivation, Penny Peeps e Gethsemane Martin Barre foi contratado como o novo guitarrista. Barre se tornaria o segundo integrante mais antigo da banda depois de Anderson.

Rock progressivo

Esta nova formação lançou Stand Up em 1969. Composto inteiramente por Anderson (com exceção de “Bouree”, de Johann Sebastian Bach, aqui adaptada para um formato jazzístico), demonstrava o abandono do blues em favor do nascente estilo de rock progressivo, então em desenvolvimento por grupos como King Crimson, The Nice e Yes. Em 1970 eles adicionaram o tecladista John Evan, embora tecnicamente ele fosse apenas um músico convidado, e lançaram o álbum Benefit.

O baixista Cornick abandonou a banda logo após Benefit, sendo substituído por Jeffrey Hammond-Hammond, e esta formação lançou em 1971 o trabalho mais conhecido da carreira do Tull: Aqualung. O álbum é uma combinação de rock pesado focado em temas como párias sociais e cultos religiosos mesclados a experimentos acústicos sobre a vida mundana do cotidiano. Aqualung é adorado e odiado em iguais proporções, embora a faixa título e “Locomotive Breath” sejam constantes em rádios de rock clássico.

Quem saiu em seguida foi o baterista Bunker, substituído por Barriemore Barlow, e o álbum de 1972 da banda foi Thick as a Brick. Trata-se de um álbum conceitual consistindo de uma única longa música separada entre os dois lados do LP, com um número de movimentos integrados e alguns temas repetidos. O quinteto deste álbum - Anderson, Barre, Evan, Hammond-Hammond e Barlow - foi a formação mais duradoura do Tull, permanecendo a mesma até 1975.

1972 também viu o lançamento de Living in the Past, um álbum duplo compilando os compactos, lados-B e sobras de estúdio da banda, com um dos lados sendo gravado ao vivo em 1970. Com exceção das faixas ao vivo, esse é considerado pela maioria dos fãs do Tull como o seu melhor lançamento. A faixa título foi um dos compactos de maior sucesso do grupo.

Em 1973 a banda tentou gravar um álbum duplo (exilada em Chateau d’Herouville para se livrar dos impostos, o mesmo que os Rolling Stones e Elton John, entre outros, estavam fazendo na época), mas, supostamente insatisfeitos com a qualidade do estúdio, abandoram o projeto. Ao invés disso gravaram rapidamente e lançaram A Passion Play, outro álbum conceitual de uma só música, com letras bastante alegóricas. Depois de anos de popularidade crescente para a banda, A Passion Play vendeu relativamente bem mas acabou recebendo diversas críticas negativas. Até então Anderson tinha um relacionamento amigável com a imprensa de rock, mas este álbum acabou marcando um ponto de transição para o Tull. Sua unanimidade entre os críticos diminuiu, seguida pelo declínio de popularidade entre o público. War Child (1974), contudo, recebeu críticas favoráveis, e produziu o sucesso “Bungle in the Jungle”. Também traz uma certa canção, “Only Solitaire”, supostamente dirigida a um compositor que estava entre os mais árduos críticos de Anderson.

Em 1975 a banda lançou Minstrel in the Gallery, um álbum que lembrava Aqualung em seu trabalho bombástico encabeçado pela guitarra de Barre em contraste às peças acústicas mais leves. Depois desse álbum, Hammond-Hammond saiu da banda, sendo substituído por John Glascock.

Too Old to Rock And Roll, Too Young to Die!, de 1976, foi outro álbum conceitual, desta vez sobre a vida de um roqueiro de meia idade. Anderson, atormentado pelas críticas (particularmente as de A Passion Play), respondeu com mais versos afiados. A imprensa pareceu não perceber a alfinetada, e ao invés disso quis saber se o título do álbum era autobiográfico - uma acusação que Anderson negou veementemente.

Folk rock

A banda fechou a década com um trio de álbuns de folk rock, Songs from the Wood, Heavy Horses e Stormwatch. Songs from the Wood foi o primeiro álbum do Tull a receber críticas na maioria positivas desde a época de Benefit e Living in the Past.

A banda teve longos flertes com os roqueiros folk do Steeley Span. Embora não formalmente considerada como parte do movimento folk-rock (que na verdade começou quase uma década antes com o advento do Fairport Convention), havia claramente várias trocas de idéias musicais entre o Tull e os roqueiros folk. Durante esta época, David Palmer, que havia feito alguns arranjos de cordas nos primeiros álbuns do Tull, entrou oficialmente para a banda, tocando principalmente teclado.

O baixista Glascock morreu em 1979 depois de uma cirurgia no coração, e Stormwatch teve de ser finalizado sem ele (Anderson foi o baixista em algumas das faixas). Ian decide então gravar seu primeiro disco solo.

Rock eletrônico

Por pressão da gravadora, Anderson lançou seu disco solo como um álbum do Tull em 1980. Entitulado A, apresentava Barre na guitarra, Dave Pegg no baixo e Mark Craney na bateria. Com uma pegada mais eletrônica, trazida pelo tecladista convidado Eddie Jobson, soava e parecia completamente diferente de tudo lançado pelo Tull até então.

Craney debandou após a turnê de A e o Tull entrou em um período de trocas frequentes de baterista (principalmente entre Gerry Conway e Doane Perry). Peter-John Vettese substituiu Jobson nos teclados e a banda retornou ao som folk - embora com sintetizadores - lançando The Broadsword and the Beast em 1982. 1981 marcou o primeiro ano na história do grupo em que eles não lançaram um álbum.

Em 1984 o Jethro Tull lançou Under Wraps, um álbum fortemente calcado no eletrônico. Embora a banda estivesse supostamente orgulhosa do som, o disco não foi bem recebido e como resultado disso (ou do problema de garganta adquirido por Anderson cantando as músicas de Under Wraps na turnê do disco, ou por ambos os motivos), o Tull entrou em um hiato de três anos durante os quais Ian começou uma bem sucedida carreira de criador de salmão.

A era moderna

O Tull voltou mais forte do que se poderia esperar com Crest of a Knave, em 1987. Com a ausência de Vettese (Anderson contribuiu com a programação dos sintetizadores) e se firmando mais na guitarra de Barre como não acontecia desde os anos 70, o álbum acabou sendo um sucesso de crítica e de vendas. Eles ganhariam um Grammy em 1989 como melhor “Performance de Rock Pesado/Metal”, derrotando os favoritos Metallica. O prêmio foi particularmente controverso pois muitos não consideram o Jethro Tull como uma banda de rock pesado, muito menos de heavy metal. O fato de este ser o primeiro Grammy dado ao rock pesado foi visto pelos fãs do estilo como um insulto (depois disso, e talvez por culpa disso, nos anos seguintes prêmios separados seriam entregues aos melhores do rock pesado e do heavy metal). Em resposta às críticas pelo prêmio, a banda supostamente pagou um anúncio em um periódico musical britânico com a frase “A flauta ‘É’ um instrumento de metal pesado!”. O estilo de Crest foi comparado ao dos Dire Straits, em parte por Anderson, que parecia não mais ter o alcance vocal de antes.

Desde então a banda têm lançado uma variedade de álbum de estilo similiar à Crest, mas também incorporando mais influências folk. O mais notável é A Little Light Music, de 1992, um álbum em grande parte acústico que foi bem recebido pelos fãs devido à suas versões diferentes de muitas composições antigas.

Anderson lançou vários discos solo desde o começo dos anos 80 e nos anos 90 Barre também deu início a uma carreira solo. Anderson e Barre permaneceram como o centro da banda (Pegg finalmente saiu em 1995, sendo substituído por Jonathan Noyce). Em 1996 uma combinação de artistas de rock progressivo lançaram um tributo ao Tull, To Cry You a Song, que incluía contribuições de diversos ex-integrantes da banda.

A banda entrou no século XXI e continua a lançar álbuns inéditos com o passar dos anos. Neste princípio dos anos 2000 a voz de Anderson parece estar retomando um pouco do seu alcance de antigamente.

RUSH

2010-08-13T10:44:00.001-03:00

Rush é uma banda canadense de rock progressivo formada pelo baixista, tecladista e vocalista Geddy Lee, pelo guitarrista Alex Lifeson e pelo baterista e letrista Neil Peart. A banda foi formada no fim da década de 1960 em Sarnia, Ontário, por Lifeson, Lee e John Rutsey.

Mudaram-se para Toronto para desenvolver a carreira da banda e começaram tocando canções de outras bandas em bares. Logo em 1974, duas semanas antes do início da primeira turnê, Peart assumiu a bateria no lugar de Rutsey, completando assim, a formação atual da banda.

História

Primeira fase: 1974–1976

A formação original da banda, em Setembro de 1968, contava com o baixista e vocal Jeff Jones, o baterista John Rutsey e Alex Zivojinovich (guitarra e vocais de apoio), mais conhecido pelo nome artístico Alex Lifeson. O irmão de Rutsey sugeriu o nome Rush batizando e, assim, decretando o início da história de um nome de sucesso. Ainda no mesmo ano, Jones foi substituído por um amigo de Lifeson, Geddy Lee. Sem apoio de gravadoras, lançaram seu primeiro disco independente em 1974, Rush. A popularidade da banda ficou circunscrita à região de Ontário até que o álbum, distribuído pela Moon Records, foi adotado pela rádio Ohio. Esse álbum, mais tarde foi redistribuído pela Mercury Records.

No início da turnê, John Rutsey teve que sair da banda por diferenças musicais em relação aos outros membros da banda. Então, duas semanas antes do início da turnê, Neil Peart “assumiu” as baquetas, criando a terceira e última formação da banda, que se mantém até hoje. Peart é considerado um dos melhores bateristas do mundo. Ele também se responsabilizou pela composição das letras, muito influenciadas por poesia clássica, literatura, ficção científica, e ainda, pela obra e filosofia de Ayn Rand, que marca, por exemplo, a canção “Anthem” do próximo álbum, Fly By Night. A repercussão do primeiro álbum nas rádios estado-unidenses chamou atenção da gravadora Mercury.

Em 1975, foi lançado o segundo álbum, Fly by Night, já contando com Neil Peart na composição das faixas. A banda começou a mostrar o rock progressivo, pelo qual ficou famosa, se afastando do hard rock e do blues, e criando arranjos e letras mais complexas. Ainda no mesmo ano foi lançado o álbum Caress of Steel, mais voltado para o progressivo e considerado por muitos como o mais subestimado. Sofreram, entretanto, alguma pressão para que mudassem o seu estilo, fazendo composições de menor duração e mais comerciais.

O lançamento do álbum 2112, em 1976, definiu, então, o estilo da banda. O disco abre com uma faixa de vinte minutos, reveladora da independência da banda em relação aos padrões considerados comerciais. A gravadora não gostou, mas transigiu, pelo fato de as demais faixas do álbum serem bem curtas e comerciais. Com isso o Rush consegue o grande feito de agradar à gravadora e a si próprios. Como esperado, esse álbum obteve boa repercussão. A partir de então, foram ficando cada vez mais conhecidos pelo mundo afora. No mesmo ano foi ainda lançado o disco ao vivo All the World´s a Stage encerrando a primeira fase da banda.

Segunda fase: 1977–1981

Em 1977, foi lançado A Farewell to Kings, disco em que se estreou o tema “Cygnus X-1”, que também seria editado no álbum que se seguiria: Hemispheres de 1978. O álbum também é conhecido por “Closer To The Heart”, um dos maiores sucessos da banda, e que foi ainda o primeiro compacto lançado pela banda internacionalmente. Ainda deste álbum, podemos citar “Xanadu” que se tornou uma das canções favoritas entre os fãs.

Em 1978, Hemispheres foi lançado. Talvez seja o mais conceitual dentre os últimos três álbuns da banda. O álbum trata do conflito entre razão e emoção e o equilíbrio entre ambos. A primeira faixa continuava o tema “Cygnus X-1” iniciado no disco anterior, e ocupava totalmente o lado A do disco. Além disso, o álbum trazia a primeira faixa instrumental lançada pela banda: “La Villa Strangiato”. “The Trees” (que foi o compacto do disco) é muito tocada nas turnês da banda.

Em 1980, lançam Permanent Waves que traz os grandes sucessos “The Spirit Of Radio” e “Freewill”. Mesmo com algumas canções tendo uma duração maior, como “Natural Science” de nove minutos por exemplo, a maioria dos temas estava dentro do tempo limite das rádios. Em resultado disso, o álbum foi Billboard’s Top 10 e ganhou disco de platina pelas vendas.

Moving Pictures, o álbum seguinte, explodiu comercialmente com “Limelight”, “Red Barchetta” e “Tom Sawyer”, que no Brasil ficou conhecida como tema do seriado Profissão: Perigo. Outro destaque do álbum é “YYZ”, que foi indicada para o Grammy. As composições de longa duração foram representadas por “The Camera Eye”, de onze minutos. Nesse álbum também foi lançada a primeira parte (que, na verdade, é a terceira) da tetralogia Fear, chamada “Witch Hunt”.

Moving Pictures foi terceiro lugar no Billboard Álbum Chart e ganhou quatro vezes o disco de platina. No mesmo ano, gravaram o registro ao vivo Exit… Stage Left encerrando a segunda fase da banda.

Terceira fase: 1981–1988

A partir do álbum Signals, lançado em 1982, os recursos eletrônicos (teclados, sintetizadores, samplers) começaram a ser mais explorados. A primeira faixa do álbum “Subdivisions” é um bom exemplo de tal mudança. “New World Man” que tocou nas rádios, lembrava o som do The Police. Foi uma fase experimental para a banda. Peart foi muito elogiado pelo trabalho que realizou na bateria deste álbum. As canções têm letras relacionadas com as fases da vida, em ordem cronológica. A faixa “The Weapon” dá continuidade à série Fear.

Grace Under Pressure, lançado em 1984, continuou esta tendência. Considerado pelo Rush seu álbum mais comercial, é neste CD que Terry Brown, co-produtor da banda desde o primeiro disco, deixa os projetos da banda, sendo substituído por Peter Henderson. Esse disco traz a terceira parte (que, na verdade, é a primeira) da tetralogia Fear, chamada “The Enemy Within”. Uma curiosidade é que quando tocam “Red Sector A” ao vivo, Lee só toca teclados. A canção “Between the Wheels” deste álbum, é como “Subdivisions” no Signals: são canções em que predominam os sintetizadores. Ambas as canções, mais tarde, se tornaram vídeoclipes famosos na MTV dos Estados Unidos.

Em Power Windows, lançado em 1985, a banda troca, novamente, de co-produtor, sendo dessa vez o trabalho assumido por Peter Collins. “The Big Money” e “Mystic Rhythms”, são provalmente as canções com maior repercussão, pois ambas tiveram um videoclipe na MTV. Este disco, repleto de obras-primas, trazia ainda canções como “Manhatan Project”, “Marathon”, “Territories”, “Middletown Dreams” e “Emotion Detector”.

Lançado em 1987, Hold Your Fire Trazia letras que trabalhavam o tema instintos. Em “Time Stand Still”, Aimee Mann faz vocais extras. Este álbum teve ainda os sucessos “Force Ten”, “Prime Mover” e “Turn the Page”.

Em 1988 foi gravado o álbum ao vivo A Show of Hands, encerrando a terceira fase da banda. Também foi lançado o vídeo do concerto que foi terceiro no Billboard’s Top Music Videos’ e décimo no Top Videocassette Sales Chart. Curiosidade é que mesmo ao vivo, Geddy é quem toca os teclados e sintetizadores das canções.

Quarta fase: 1989–1998

A partir do álbum Presto, lançado em 1989, o trabalho da banda deixou de dar tanta prioridade aos teclados, mas ainda o usando de forma esplêndida. Em “Show Don’t Tell” e “Superconductor”, nota-se menos sua presença, já em “Chain Lightning”, “Scars” e “Red Tide”, os sintetizadores têm muito destaque. “Scars” junta um padrão complexo de ritmos onde a bateria acústica e eletrônica são usadas. De acordo com Geddy Lee, a canção “The Pass” é a favorita da banda. Neste álbum, novamente, o co-produtor foi substituído. Em seu lugar entrou Rupert Hine.

A turnê do álbum Presto foi a última em que Peart usou bumbo duplo em sua bateria[1]. A partir de Roll the Bones ele passaria a usar pedal duplo [2].

Após Presto, foi lançado o Chronicles, coletânea de 1990, com dois CDs e um vídeo com videoclipes que abrangem toda a carreira da banda. Recentemente, em 2001, os vídeos foram relançados em DVD.

Em 1991, a banda lança um novo trabalho. Roll the Bones. “Dreamline” e “Roll the Bones” foram populares na rádio do começo da década de 1990. A faixa “Roll the Bones” teve também direito a um videoclipe. “Where’s My Thing?” é o terceiro instrumental da banda, tendo sido indicado para o Grammy. Destaque também para “Bravado”, uma das canções mais emotivas da banda, como se pode ver nos concertos.

Counterparts foi o álbum seguinte da banda. Lançado em 1993, marca a volta de Peter Collins na co-produção do trabalho. O CD ganhou mais um instrumental da banda, “Leave that Thing Alone” que foi indicado mais uma vez para melhor instrumental no Grammy. “Stick it Out” é uma das composições mais pesadas do Rush, talvez introduzindo o estilo que teria o próximo álbum. Seu videoclipe chegou a aparecer em um capítulo de um desenho animado da MTV. “Nobody’s Hero” chegou a ter direito também a um videoclipe. Outros destaques do álbum são “Animate”, “Cut to the Chase” e “Between Sun and Moon”.

Antes de lançar o álbum Test For Echo, a banda dedicou algum tempo a projetos paralelos. Lifeson lançou seu disco solo Victor. Enquanto Lee dedicou seu tempo à sua família, Peart produziu o primeiro volume de Burning For Buddy. Neste álbum participaram vários bateristas a convite de Peart: nomes como Dave Weckl, Steve Gadd, Bill Bruford, entre outros - alguns até já haviam tocado com Buddy Rich. A partir de então, Neil se motivou a voltar a estudar bateria, para descobrir timbres e ritmos novos. Pode-se notar uma mudança na maneira de tocar nos álbuns que se seguiram.

Em 1996 foi lançado Test For Echo. Neste álbum a banda fez um som bem criativo e com peso na medida exata, que agradou bastante ao público. “Limbo” se tornou o mais recente instrumental da banda. A linha de baixo de “Driven” ficou muita marcada para os fãs e, desde então, nas turnês onde a banda a toca, Lee faz um improviso no meio da canção. No ano seguinte Peart produziu o segundo volume de Burning For Buddy.

Dois anos depois foi lançado o álbum triplo ao vivo Different Stages. Os dois primeiros CDs foram gravados durante as turnês do Counterparts e Test For Echo. O terceiro CD consistia em material que estava guardado de um concerto de 1978, marcando a primeira fase da banda.

Fase atual

Depois de Test For Echo, a banda interrompeu os trabalhos por problemas pessoais na vida de Peart. A sua filha, Selena, morreu em um acidente de carro em Agosto de 1997 e, logo depois, a sua esposa, Jacqueline, morreu de câncer em Junho de 1998. Peart entrou, como ele mesmo descreve, em uma jornada de cura [3] com sua motocicleta, viajando milhares de quilômetros pela América do Norte. Essa jornada foi mais tarde descrita no livro Ghost Rider: Travels on the Healing Road.

Vapor Trails: o álbum e a turnê

Em 2000, a banda se reuniu algumas vezes e constatou que não voltaria enquanto Neil não estivesse bem. E foi em maio de 2002 que voltaram definitivamente à ativa com um novo álbum: Vapor Trails. Destaque para “One Little Victory”, “Secret Touch” e “Earthshine”. A belíssima faixa polirrítmica “Freeze” surge como a parte quatro da tetralogia Fear.

A turnê de Vapor Trails foi notável, já que foi a primeira depois de cinco anos de ausência, e também por ter passado por lugares inéditos, como na Cidade do México e no Brasil, onde tiveram uma das maiores platéias de toda carreira. Nos concertos inéditos, a banda fez questão de colocar no repertório canções que não tocavam há anos, como “By-thor and the snow dog”.

A banda era uma das favoritas para tocar no festival SARS relief concert. Em Agosto de 2003, participaram no festival no Downsview Park em Toronto, onde também tocaram os Rolling Stones, sendo a primeira vez em que fizeram um concerto onde não eram a única atração para um público de mais de meio milhão de pessoas.

Em Outubro de 2003, foi lançado o tão esperado DVD e CD Rush in Rio, gravação do último concerto da turnê Vapor Trails no Maracanã, Rio de Janeiro, Brasil. O DVD foi premiado com o Juno Awards, como melhor DVD musical do ano.

Feedback e a turnê de trinta anos

Em Julho de 2004, voltaram a surpreender com Feedback, disco com oito covers, clássicos de bandas como The Who, Cream, por eles tocados no início de carreira. Algumas canções passaram a tocar nas rádios norte americanas, introduzindo a banda para novos ouvintes.

Logo após isso, a banda foi novamente para estrada, para realizar a turnê comemorativa de trinta anos. Passaram pelos Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Alemanha, Itália, Suécia, República Tcheca e Países Baixos. Em Frankfurt, na Alemanha, aproveitaram para gravar o DVD R30 Live In Frankfurt, que foi lançado em 22 de Novembro de 2005.

MARK KNOPLER

2010-08-13T10:32:00.000-03:00

Mark Knopfler (nascido em 12 de agosto de 1949 em Glasgow, Escócia) é um guitarrista e cantor britânico mais conhecido pelo seu trabalho com a banda Dire Straits que liderou. Considerado por muitos um génio da guitarra, é bastante idolatrado principalmente pelo seu estilo alternativo de tocar. Paralelamente, lançou álbuns a solo, escreveu bandas sonoras e criou ainda uma outra banda (Notting Hillbillies).

Participou também no trabalho de outros artistas, como Bob Dylan, BB King, Phil Lynott (Thin Lizzy) e produziu álbuns para Tina Turner, Randy Newman e, novamente, Dylan. Ao longo da sua carreira, deu mais de quatrocentos concertos em mais de trinta países, além de ser considerado por muitos como um dos maiores guitarristas e compositores da história do rock.

DIRE STRAITS

2010-08-13T10:28:00.000-03:00

Dire Straits foi uma banda de rock britânica formada em 1977 por Mark Knopfler (guitarra e vocais), seu irmão David Knopfler (guitarra), John Illsley (baixo) e Pick Withers (bateria). Embora formada em uma época em que o punk rock reinava absoluto, decidiram lidar com as convenções do rock clássico, firmando-se em uma sonoridade mais leve, que agradou ao público cansado do som superproduzido do rock dos anos 70. Não tardou para que a banda se tornasse conhecida mundialmente, ganhando o status de disco de platina logo em seu primeiro álbum.

Entre suas canções mais conhecidas estão “Sultans of Swing”, “Your Latest Trick”, “Romeo and Juliet”, “Private Investigations”, “Money for Nothing”, “Walk of Life”, “Brothers in Arms” e “So Far Away”

Apesar do grande sucesso, a banda terminou sem estardalhaços em 1995, quando Mark Knopfler expressou o desejo de não mais fazer turnês em larga escala, passando imediatamente a se dedicar integralmente à sua carreira solo.

ERIC CLAPTON

2010-08-10T13:44:00.000-03:00

Eric Patrick Clapton nasceu em 30/03/1945 em Ripley, Inglaterra. Ganhou sua primeira guitarra aos 13 anos e se interessou pelo Blues americano de artistas como Robert Johnson e Muddy Watters. Foi convidado pelo guitarrista Tom McGuiness para formar sua primeira banda, o “The Roosters”. O grupo fez algumas apresentações em 1963, tocando ao redor de Richmond, e após isso, os dois se juntam ao “The Engineers”, que também não foi muito longe. O reconhecimento de Clapton só começou quando entrou no “Yardbirds”, banda inglesa de grande influência que teve o mérito de reunir três dos maiores guitarristas de todos os tempos em sua formação: Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page.

Apesar do sucesso que o grupo fazia, Clapton não admitia abandonar o Blues e, em sua opinião, o Yardbirds estava seguindo uma direção muito pop. Sai do grupo em 1965, quando John Mayall convida-o a juntar-se à sua banda, os “Bluesbreakers”.

Gravam o álbum “Bluesbreaker”, mas o relacionamento com Mayall não era dos melhores e Clapton deixa o grupo pouco tempo depois. Em 1966, forma o “Cream” com o baixista Jack Bruce e o baterista Ginger Baker.

Com a gravação de 3 álbuns (“Fresh Cream”, “Disraeli Gears”, e “Wheels Of Fire”) e muitos shows em terras norte americanas, o Cream atingiu enorme sucesso e Eric Clapton já era tido como um dos melhores guitarristas da história. A banda se separa no fim de 1968 com mais brigas e discussões entre os integrantes.

Forma o “Blind Faith” com Steve Winwood, Ginger Baker e Rick Grech, que durou só um disco e não foi muito bem sucedido. Clapton e George Harrison gravam os solos de “While My guitar Gently Weeps”, do álbum branco dos Beatles, e iniciam um triângulo amoroso com a mulher de Harrison.

Um álbum ao vivo da turnê com Delaney & Bonnie é lançado em 1970 e no mesmo ano saiu o primeiro álbum solo do guitarrista. Juntamente com dissidentes da banda forma o “Derek and The Dominos”, com quem lançou um de seus maiores sucessos,“Layla”, uma declaração explícita à esposa de George Harrison. Participou ainda da banda de Duane Allman (que mais tarde fundaria os Allman Brothers).

Problemas pessoais e conflitos emocionais no início da década de 70 levaram Clapton a se afundar cada vez mais no vício em heroína e álcool. O guitarrista fica vários anos longe na mídia, tentando se recuperar em clínicas para dependentes químicos.

Em 1974, Clapton volta com o reggae “I Shot The Sheriff”, tornando-se o responsável pelo lançamento de Bob Marley nas paradas de todo o mundo. Inicia assim uma boa fase musical que rendeu também o clássico “Cocaine”, em 1978. Durante a década de 80 a aceitação por parte do público foi crescente. Em 1990 Clapton ganhou seu primeiro Grammy com a música “Bad Love”.

No ano de 1991, o filho Conor, de 4 anos, nascido de um relacionamento extra-conjugal, caiu do apartamento onde morava com a mãe e faleceu. Esse triste episódio foi registrado na canção “Tears In Heaven” que o guitarrista dedicou ao filho. A música, além de expressar toda a tristeza de Clapton, tornou-se o maior sucesso de toda a sua carreira e teria seu lançamento no álbum “Unplugged”.

O disco acústico foi um sucesso absoluto e ganhou dezenas de prêmios, inclusive 6 Grammys. “Unplugged” marcou ainda uma volta de Clapton às suas raízes de blues, que teria seqüência com o álbum “From The Craddle”, apenas de canções tradicionais, num tributo aos clássicos que o influenciaram.

Em 1998, Clapton lançou “Pilgrim”, o primeiro álbum com material inédito em nove anos. Nesse álbum, Clapton fala sobre todos os dramas pessoais como a falta do pai, a morte do filho querido, os vícios e o amor perdido, além de revelar um profundo amadurecimento como cantor.

Em 2000, juntou-se a B.B. King para o lançamento de “Riding whit the King”, álbum muito bem recebido por todos. No ano seguinte, lança o diversificado “Reptile”. A turnê desse disco passou pelo Brasil, nas cidades de Porto Alegre, Rio de Janeiro e São Paulo, onde Clapton tocou no estádio do Pacaembu.

Aproveitando a boa fase, grava um álbum ao vivo e, em 2004, coloca nas lojas “Me and Mr. Johnson”, que traz versões de músicas de Robert Johnson. Em 2005 lança “Back Home” e, no ano seguinte, “Road To Escondido”, este em parceria com JJ Cale.

WHITESNAKE

2010-08-10T13:33:00.000-03:00

Whitesnake é uma banda de hard rock britânica formada no final dos anos 70. Entre os seus sucessos destacam-se a balada Is This Love, do álbum Whitesnake de 1987, e a pesada Love Ain’t No Stranger, do álbum Slide It In de 1984.

Logo que saiu do Deep Purple, em 1976, David Coverdale não perdeu tempo e no mesmo ano criou seu projeto solo que lançou David Coverdale’s Whitesnake. O segundo álbum desse projeto, Northwinds (1977) foi produzido por Roger Glover (do Deep Purple) e contou com a participação de Ronnie James Dio nos ‘backing vocals’.

Nessa época a formação era Bernie Marsden e Micky Moody (guitarras), Neil Murray (baixo) e Dave Dowle (bateria). Em 1978 saiu o álbum considerado de estréia do Whitesnake, Trouble. No ano seguinte, Jon Lord (que havia saído do Deep Purple) juntou-se à banda e na sequência vieram Lovehunter de 1979, Ready An’ Willing (marcando a entrada de outro ex-Purple,Ian Paice,na bateria) e Live In The Heart Of The City ambos de 1980,somando-se a Come and Get it,de 1981.

Apesar de tantos ex-Purples, o som do Whitesnake teve, desde o início, um estilo totalmente diferente do Deep Purple, mais voltado para as baladas hard rock, com muito ‘love’ nas letras de suas canções.

Muitas mudanças ocorrem no Whitesnake, até o término da banda foi cogitado, o que não aconteceu. As mudanças: Bernie Marsden, Neil Murray e Ian Paice deixam a banda. Mas Coverdale não esmorece e chama Cozy Powell para substituir Paice. Mel Galley (ex-Trapeze) assume a guitarra e Colin Hodgkinson o baixo. Lançam Saints And Sinners que conquista o público com músicas como Here I Go Again e Crying In The Rain.

Slide It In de 1984 traz mais uma mudança: Micky Moody sai, logo após as gravações da primeira versão do disco, sendo substituído por John Sykes (ex-Tygers Of Pan Tang e Thin Lizzy). O álbum é um sucesso (Love Ain’t No Stranger e Guilty Of Love estão nele), considerado um dos melhores da banda. Mel Galley apresenta problemas no braço e fica afastado da banda. O Whitesnake segue com um só guitarrista. O baixista Neil Murray volta para a banda enquanto Jon Lord volta para o Deep Purple.

Em 1985 a banda toca no Brasil, no Rock in Rio, no lugar do Def Leppard (que desistiu na última hora devido ao trágico acidente de carro de seu baterista, Rick Allen, que teve um braço amputado). Cozy Powell também deixa a banda e em seu lugar entra Aynsley Dunbar. Whitesnake de 1987 traz como participação especial, o guitarrista Adrian Vandenberg. A música Is This Love estoura nas paradas mundiais, sendo inclusive tema de telenovela no Brasil.

As mudanças não param por aí, Vandenberg é efetivado na banda e John Sykes sai (dizem que ele queria ser o único guitarrista), Tommy Aldridge e Rudy Sarzo (Quiet Riot) substituem Aynsley Dunbar e Neil Murray respectivamente. Vivian Campbell (atualmente no Def Leppard) faz do Whitesnake um quinteto mais uma vez. O próximo álbum Slip Of The Tongue de 1989 porém, tem Steve Vai na guitarra, em vez de Campbell.

Apesar do sucesso de hits como The Deeper The Love, o disco não vendeu muito bem, e Coverdale decide dar um tempo. Ele só volta em 92 com um projeto chamado Coverdale / Page (com Jimmy Page, ex-Led Zeppelin).

Coverdale reformulou o Whitesnake em 1994, lançando uma coletânea, Greatest Hits. Em dezembro de 97 esteve no Brasil, no show da festa da 89 FM promovendo seu novo álbum, Restless Heart. Starkers In Tokyo surgiu quando a EMI propôs que Coverdale e Adrian Vandenberg fizessem um show acústico no Japão para promover o novo álbum. O resultado foi tão bem aceito pelos fãs que acabou virando CD.

Em 2000, a gravadora lançou o “The Best Of”, um disco que traz todos os grandes hits que fizeram do Whitesnake uma das melhores bandas de Hard Rock do mundo. Já em 2003, ele começam uma turnê mundial, onde forma “headliners” em diversos festivais na Europa e América do Norte. No “line up” estão Reb Beach e Doug Aldrich nas guitarras, Timothy Drury nos teclados, Marco Mendonza no baixo e Tommy Aldridge na bateria, além é claro, de Coverdale nos vocais.

CYPRESS HILL

2010-08-10T13:17:00.000-03:00

Cypress Hill é um grupo de hip-hop latino formado em Los Angeles, Califórnia. As letras de suas canções costumam falar sobre a legalização do consumo da maconha. Foi também o primeiro grupo de hip hop latino a obter disco de platina. O disco de maior sucesso foi “Los grandes exitos en espanhol” os grandes sucessos cantados em espanhol.

integrantes:

DJ Muggs (Lawrence Muggerud, DJ e produtor)
B-Real (Louis Freese, rapper)
Sen Dog (Senen Reyes, rapper)
Eric Bobo (Eric Correa, percussionista) - entrou em 1994

CAPPUCCINO CASEIRO

2010-07-28T15:24:00.001-03:00

AI GALERA COMO BOM APRECIADOR DE CAFÉ E SEUS DERIVADOS, VOU DIVIDIR COM VCS ESSA RECEITA DE CAPPUCCINO CASEIRO QUE ALEM DE BEM SABOROSA É RENTÁVEL, NO SABOR SE ASEMELHA MUITO AOS CAPPUCCINOS INDUSTRIAIS QUE ENCONTRAMOS NO MERCADO, PORÉM O CUSTO BENEFÍCIO É MUITO MAIOR.

INGREDIENTES

200g DE CAFÉ SOLUVEL
400g DE LEITE EM PÓ INSTANTÂNEO
20 COLHERES DE SOPA DE AÇUCAR
10 COLHERES DE SOPA DE CHOCOLATE EM PÓ (sim sim aquele do frade)

PREPARO

COLOQUE EM UMA TIGELA GRANDE TODOS OS INGREDIENTES E MISTURE BEM. BATA AOS POUCOS NO LIQUIDIFICADOR ATÉ OBTER UMA FAROFA BEM FINA. GUARDE EM LATA OU VIDRO BEM FECHADO. PARA 1 XÍCARA(chá), DISSOLVA 2 COLHERES(sopa) DA MISTURA EM AGUA FERVENTE.

PS: EU TAMBEM FIZ COM LEITE E O RESULTADO ME AGRADOU MAIS, PORÉM ISSO É QUESTÃO DE GOSTO.OUTRA DICA É AQUELA PITADINHA DE CANELA EM PÓ OU MERGULHAR CANELA EM CASCA NA XICARA.

BELEZA GALERA, LOGO MAIS POSTAREI MAIS ALGUMAS RECEITAS,COMENTEM E SE TIVEREM AI RECEITAS INTERESSANTES MANDEM QUE EU POSTAREI !!!!!

AL DI MEOLA

2010-07-23T17:24:00.000-03:00

Al Di Meola (nascido em 22 de Julho de 1954) é um guitarrista dos Estados Unidos da América.

Meola nasceu em New Jersey. Em 1971, ingressou no Berklee College of Music em Boston, Massachusetts. Em 1974 juntou-se à banda de Chick Corea, Return to Forever, com a qual tocou até à sua dissolução em 1976.

Meola dedicou-se à exploração de uma grande variedade de estilos, notando-se sobretudo os seus trabalhos de fusão influenciados pela música latina. Por quatro vezes foi considerado o melhor guitarrista pela revista Guitar Player Magazine.

A somar à sua profícua carreira a solo, envolveu-se em diversas colaborações, donde se destacam, Stanley Clarke, Jean-Luc Ponty, John McLaughlin e Paco de Lucía.

TOOL

2010-07-23T17:12:00.000-03:00

Tool é uma banda de Los Angeles, Califórnia, formada em 1990. Conhecidos pelas suas composições de elevadíssima qualidade e pelos imensos significados escondidos atrás das palavras do vocalista Maynard James Keenan ou até mesmo em pequenos ruídos imperceptíveis à primeira audição, Tool é uma banda de culto e arrasta consigo uma legião de fãs apaixonados pelas sonoridades transcendentes do grupo.
Desde seu princípio a banda conta com o guitarrista Adam Jones, o baterista Danny Carey e o vocalista Maynard James Keenan. Desde 1995 Justin Chancellor tem sido o baixista da banda, substituindo o baixista original, Paul D’Amour. Tool sempre se saiu bem em vendas ao redor do mundo e já venderam aproximadamente 9.25 milhões de albuns só nos Estados Unidos.
A banda surgiu com um som heavy metal no primeiro album de estúdio Undertow em 1993, numa época que o gênero era dominado pelo thrash metal; e mais tarde se tornou o símbolo do movimento alternative metal com o lançamento de seu segundo album, Ænima, em 1996. Os seus esforços para unir experimentação musical, artes visuais e uma mensagem de evolução pessoal continuou com o terceiro album, Lateralus, em 2001; e o mais recente album, 10,000 Days, lançado em 2006 fez com que a banda fosse ganhasse aclamação da critica e sucesso ao redor do mundo todo.
Devido à incorporação de artes visuais e lançamentos relativamente demorados e complexos, a banda geralmente é descrita como um ato de transcendência de estilo e parte importante dos gêneros progressive metal e art rock. A relação da banda com a atual industria da musica é ambivalente, as vezes marcada pela censura e pela insistência dos membros da banda em manter privacidade.

PRA QUEM CURTE SURF TA AI !!!!!!!!!

2010-07-23T16:50:00.000-03:00

AI GALERA PRA QUEM CURTE SURF, ESSE SITE É BEM BACANA , PRATICAMENTE TUDO SOBRE A CULTURA DO ESPORTE, VALE A PENA DAR UMA OLHADA

http://www.almasurf.com.br/ /

THE MARS VOLTA

2010-07-23T13:50:00.000-03:00

The Mars Volta é uma banda estadunidense fundada por Cedric Bixler-Zavala e Omar Rodriguez-Lopez, em 2001. São considerados como uma banda de rock, com influências de punk rock, rock progressivo e música latina.

Membros da banda At the Drive-In, Cedric Bixler-Zavala e Omar Rodriguez-Lopez, faziam parte do DeFacto com o técnico de áudio Jeremy Michael Ward desde meados dos anos 90. DeFacto tinha Cedric na bateria, Omar no baixo e Jeremy no vocal, e efeitos de distorção. Apesar de ter-se iniciado como uma banda local com estilo rock, eles foram influenciados pelos pioneiros do reggae como Lee Perry e Dr. Alimantado. O grupo também utilizava música electronica, música latina, salsa e jazz, o que resultava em um som distinto e universal. A banda se apresentou em locais próximos a sua cidade natal, El Paso, Texas, e lançaram seu primeiro álbum How do you dub? You Fight for Dub. You plug Dub in. Ao se transferir para Long Beach, California em 2000 a banda adicionou o tecladista Isaiah “Ikey” Owens. Ikey trouxe um novo tom para o DeFacto que gerou uma popularidade que antes não existia. Em 2001, DeFacto lançou seu segundo álbum, Megaton Shotblast, conseguindo sucesso instantâneo. O DeFacto continuou experimentando novos sons por Omar e Cedric decidiu terminar o At the Drive-In (o resto da banda formou Sparta). Eva Gardner se juntou a banda, o que criou The Mars Volta - um novo projeto que visava preencher seus desejos criativos. Seu nome para o primeiro show público em Anaheim, California foi DeFacto + Eva Gardner + Jon Theodore. Durante 2001, a banda gravou duas músicas com Alex Newport, resultando na sua primeira demo. Gravaram mais três músicas com Alex Newport, o que se tornou o álbum, Tremulant EP, lançado no ínicio de 2002. Tremulant era composto pelas músicas Cut that City, Concertina, e Eunuch Provocateur. O EP era uma fusão de rock progressivo, salsa e música experimental.
De-Loused in the Comatorium:
Seguindo o Tremulant EP, o The Mars Volta continuou com apresentações e troca de membros enquanto preparavam o álbum De-Loused in the Comatorium, produzido por Rick Rubin. Enquanto Tremulant não possuía um tema específico (exceto pela menção a seu álbum seguinte), De-Loused foi o trabalho unificado de fantasia que contava uma história de um viciado de drogas em coma, na primeira pessoa. Apesar das letras implícitas, The Mars Volta alegava em entrevistas que o protagonista do álbum era baseado em um antigo amigo Julio Venegas, ou “Cerpin Taxt”, como mencionado na história, que esteve em coma por vários anos antes de acordar. Ele entrou em coma após ter pulado de um viaduto sobre uma rodovia em El Paso durante o período de pico de trânsito na hora do almoço. A morte de Venegas foi também referenciada na música do At the Drive-In entitulada “Embroglio”, do seu álbum “Acrobatic Tenement”.

Nessa época a banda não possuia um baixista. Flea (renomeado baixista dos Red Hot Chili Peppers) tocou baixo em nove das dez música do LP. De-Loused se tornou seu maior hit tanto para a crítica quanto comercialmente, vendendo 500.000 cópias.

Enquanto estavam como banda de abertura para os Red Hot Chili Peppers na turnê de divulgação do álbum deles, o engenheiro de som e letrista da banda, Jeremy Ward, foi encontrado morto por overdose de drogas. A banda cancelou a segunda parte do turnê e o primeiro single de De-Loused foi posteriormente dedicado à Ward.

Frances the Mute:

Com a volta da turnê De-Loused, Juan Alderete se tornou baixista e Marcel Rodriguez-Lopez (irmão de Omar), percussionista. Iniciava-se então o trabalho para o segundo álbum em 2004.

Em 2005, a banda lançou seu segundo álbum, Frances the Mute, inspirado no engenheiro de som Jeremy Ward. Cada trilha do álbum é inspirada nos personagens descritos em um álbum encontrado no carro de Ward.

Frances se tornou um hit comercial ainda maior que De-Loused, vendendo 123.000 cópias em sua primeira semana e estreando como o número quatro na lista de álbuns da Billboard, principalmente porque “The Widow” recebeu considerável divulgação no rádio. Críticas ao álbum variaram bastante. “L’Via L’Viaquez” foi posteriormente lançada como um single, reduzida de seus doze minutos originais para cinco minutos.

Talvez o fato mais incrível do álbum, seja o grande envolvimento de Omar em sua criação. Ele escreveu todas as partes instrumentais (guitarra, teclado, melodias vocais e rotinas de bateria, com ajuda de Theodore), assim como realizou os arranjos e a produção. Ele utilizou um método que diretores de filme como Woody Allen constumavam usar para produzir grandes performances de seus colegas de banda: proibir os membros de ouvirem outras partes, ou o contexto de sua própria parte, forçando-os a tocarem cada parte como se fosse uma música auto-suficiente.

Durante sua turnê pelos Estados Unidos, o antigo membro do At the Drive-In, Paul Hinojos, se uniu à banda e deixou o Sparta, dizendo: “meu tempo com o Sparta tomou seu rumo, e simplesmente não era mais divertido.” Ele é agora o engenheiro de som, cargo antigo de Ward. Em 2005, a banda entrou em turnê com o System of a Down, dilvulgando seu mais novo álbum.

Amputechture:

Banner promocional do álbum Amputechture (2006)Lançado em setembro de 2006, Amputechture é o terceiro álbum de estúdio da banda, e foi gravado em Los Angeles, E.U.A., e em Melbourne, na Australia e foi produzido por Omar e mixado por Rich Costey. O álbum conta com a participação de vários artistas, como o guitarista John Frusciante da banda Red Hot Chili Peppers, que aparece como convidado em todas as faixas, exceto em “Asilos Magdalena”.

Em Amputechture, pela primeira vez Omar e Cedric conseguiram criar um trabalho singular em sua composição. Entrentanto, o processo criativo continuou o mesmo: Omar compondo a parte musical para Cedric poder escrever as letras — mas desta vez, com mais liberdade para contar histórias obscuras e inusitadas, e iserir vinhetas estranhas, piadas subliminares, toda a sorte de pessoas, eventos, e memórias.

No início de julho, “Asilos Magdalena” foi lançada oficialmente na página da banda no site MySpace. No dia 13 de julho, a banda disponibilizou um link para o site oficial, onde se podia ouvir a música na integra. Logo, a versão de “Asilos Magdalena” do site MySpace foi substituída por uma versão editada para o rádio. “Vermicide” foi confirmada como sendo o primeiro single deste álbum. O álbum estreou no Billboard Top 200 em nono lugar, atingindo a marca de 59,000 cópias vendidas na primeira semana do lançamento.

SOULIVE

2010-07-23T13:42:00.000-03:00

O Soulive marcou presença no Festival de Jazz e Blues de Rio das Ostras tocando basicamente o repertório de No Place Like Soul. Na banda destaca-se tudo, desde a guitarra nervosa, funkeada de Eric Krasno, a bateria e teclados dos irmãos Alan e Neal Evans e o convidado - a figura marcante de Paul Toussaint Yeshua nos vocais. O Soulive é uma banda que assume as influências setentistas e incorpora Jimi Hendrix, Brown, Earth, Wind & Fire e toda a música negra numa releitura groove. É a mais autêntica black music, funk, fusion, jazz jam, vocalizada pela comovente figura e Toussaint, sempre acompanhado de seu cajado hastafári. O teclado de Evans nem deixa notar a ausência do contrabaixo e o substitui plenamente. Impossível não balançar a cabeça ao som do Soulive. O som penetra pelas entranhas e bate direto no peito fazendo o coração mudar a pulsação. O Soulive é a mais grata surpresa musical desta década.

FAITH NO MORE

2010-07-23T13:29:00.001-03:00

O grupo surgiu em 1982, vindo das cinzas do Faith No Man, banda formada e liderada por Mike “The Man” Morris. Roddy Bottum, Mike Bordin e Bill Gould, então integrantes do grupo, decidiram livrar-se de Morris e ao invés de demití-lo, preferiram formar uma nova banda. Por sugestão de um amigo, o nome escolhido foi Faith No More, já que “The Man” (Morris) “não mais” (no more, em inglês) faria parte do grupo (Nota do editor: A tradução literal de Faith No More para o português é de Fé Não Mais). No lugar de Morris, foi recrutado Jim Martin na guitarra. Diversos músicos ocuparam a vaga de vocalista nesta fase - dentre eles Courtney Love - até os membros optarem por Chuck Mosley, que participaria apenas dos dois primeiros discos da banda: We Care a Lot, de 1985, e Introduce Yourself, de 1987.

Mosley foi demitido em 1988 e os motivos da sua saída ainda geram certa discussão entre os fãs de Faith No More. A versão oficial seria de que Chuck foi mandado embora por ser alcoólatra e por ter causado problemas em alguns shows da banda. Entretanto muitos acreditam que o real motivo da demissão foi o fato de Mosley ser um vocalista limitado. No seu lugar foi escolhido Mike Patton, que rapidamente se tornaria a figura mais emblemática do grupo.

Mike Patton entrou no Faith No More poucas semanas antes das gravações do disco The Real Thing por indicação de Jim Martin, que havia ouvido uma fita demo da banda de Patton, o Mr. Bungle.

A banda na sua formação clássica Mike Patton entrou no Faith No More direto para o estúdio onde a banda gravou The Real Thing, lançado em 1989. The Real Thing é um verdadeiro divisor de águas na carreira do grupo, com músicas mais bem resolvidas e com o carisma de Mike Patton contribuindo para transformar o Faith No More num grande sucesso comercial.

A música responsável pela transição foi “Epic”, que com seu arranjo grandioso que faz jus ao título da música, vocal hip-hop e refrão grudento, arrematou o nº 9 na parada de singles da Billboard e teve o videoclipe exibido a exaustão na MTV americana. Com mais dois singles de sucesso, a contagiante Falling to Pieces e o rock de From Out Of Nowhere, o disco The Real Thing chega ao 11º na parada e atinge um milhão de cópias vendidas nos EUA.

O curioso é que internacionalmente, o sucesso da banda foi ainda maior. No Brasil, a MTV Brasil começava a dar seus primeiros passos em 1990 e o Faith No More foi uma das estrelas reveladas naquele ano. A popularidade conquistada pela banda no país impressionou seus próprios integrantes. Em 1991, o FNM tocou para o Maracanã lotado durante o Rock In Rio 2, iniciando um verdadeiro culto à banda nas terras brasileiras. O sucesso foi tão grande que eles retornaram no decorrer daquele ano para uma mini-turnê nacional.

Uma das características das apresentações ao vivo do Faith No More é o hábito das covers insólitas. Ainda antes do sucesso, a banda tocava a improvável Pump Up the Jam do Technotronic, apenas para infernizar suas platéias. Na época de The Real Thing, a banda incluiu no disco um cover de War Pigs do Black Sabbath, em um tempo onde a credibilidade artística do velho Sabbath era próxima a zero. Mas para War Pigs, a tática não funcionou e o Faith No More começou a atrair a atenção e o respeito do público do heavy metal. O que fez a banda? Substituiu War Pigs do repertório dos shows pela melosa balada Easy dos Commodores.

Depois de dois anos de turnê, era hora de pensar no próximo disco e as gravações não foram tranqüilas. O guitarrista Jim Martin estava descontente com os rumos que a sonoridade da banda vinha tomando. Rumores dão conta de que ele participou muito pouco das composições, limitando-se a enviar pelo correio as bases de guitarras em fitas K7 aos outros integrantes da banda.

Em meio à grandes expectativas, Angel Dust foi lançado em 1992 e apontava para outras direções. Descartava definitivamente o rótulo funk metal e vinha recheado de temas mais mórbidos e sombrios. Propositalmente designado para chocar os fãs temporários, a banda apostou em sonoridades inusitadas, longe do hit fácil Epic que carimbava a banda até aquele momento. Diferente do que aconteceu com The Real Thing, em Angel Dust Mike Patton participou de todo o processo criativo do disco, e pôde exercitar o experimentalismo e o gosto pelo bizarro que marcou o seu trabalho no Mr. Bungle. Musicalmente a banda também mostrava evolução, incorporando elementos eletrônicos e teclados mais climáticos, proporcionando uma atmosfera cinematográfica a algumas canções. Os videoclipes coloridos do álbum passado deram lugar a videos sombrios, que faziam questão de negar o lado “sex-symbol” que o líder possuía na época. A crítica americana não mostrou muito entusiasmo e o disco acabou não tendo a mesma repercussão de The Real Thing. Nos demais países, no entanto, o Faith No More continuava enorme, e seu lugar privilegiado nas paradas de sucesso era garantido pelos singles de Midlife Crisis e A Small Victory. O terceiro single de Angel Dust foi para uma música que na verdade não estava no disco: Easy, o cover dos Commodores que a banda vinha tocando ao vivo há tempos e que finalmente ganhou uma versão de estúdio. Easy foi devidamente incluída em Angel Dust nas prensagens subseqüentes ao lançamento do single.

Angel Dust rendeu mais uma turnê gigantesca pelo mundo todo. A turnê durou cerca de dois anos onde eles, além de promover shows próprios, tocaram em festivais e abriram shows para o Metallica e para o Guns N’ Roses ne mega turne Use Your Illusion.

Ao invés de encarar o compromisso como oportunidade de consolidar a banda em novos públicos, o Faith No More usou seu tempo para provocar a audiência com sessões de garra-fadas, insultos e sacanagens principalmente através de Patton. O saldo do período foi uma grande repulsão por parte dos adoradores de plantão, aqueles que há pouco tempo atrás veneravam os autores de Epic e ali não entendiam o não-comercialismo sarcástico da nova fase. Por outro lado, os fãs que seguiram em frente tornaram-se verdadeiros cultuadores do álbum e da banda.

Com a saída de Jim Martin logo após a turnê, o Faith No More nunca mais seria o mesmo. A dificuldade de encontrar um guitarrista à altura do cargo somada à cada vez maior necessidade de Patton explorar outros projetos veio a instituir uma grande desunião entre eles, principalmente no que dizia respeito aos rumos que deveriam tomar. Patton revelou-se um grande explorador de sons, chegando a lançar um disco solo composto apenas de efeitos vocais. Seu trabalho no Mr. Bungle cresceu em profissionalismo e experimentalismo, seu tempo foi ocupado com participações no cenário avant-garde de São Francisco, cena notória de radicalismo musical. Todas estas demonstrações mostravam que, além de musicalmente distante dos integrantes do FNM, Patton cultivava um interesse cada vez maior em outros horizontes musicais. A banda titular então ganhava conotação de emprego, de compromisso, o que influenciou bastante a música deles a partir daquele ponto.

Embora bem recebido por muitos fãs (e outros não-fãs), o álbum King For A Day, Fool For A Lifetime chegou de mansinho, com bem menos atenção que o anterior recebera. Com as guitarras gravadas por Trey Spruance, colega de Patton no Mr. Bungle, o álbum apostava em sonoridades mais cruas e bem menos elaboradas. Pela primeira vez a mesa de som era comandada por outro produtor que não o tradicional Matt Wallace. Um outro Wallace - Andy – seleto nome da produção de discos pesados, encarregou-se de aplicar sua mão pesada e distorcer ao máximo os acordes, dispensando bastante o trabalho de teclados nas músicas. O trabalho funcionou no quesito peso, mas no caráter experimental e caprichado que a banda necessitava as coisas deixaram um pouco a desejar. Trey teve dificuldades de aplicar seu estilo “torto” no panorama “mais convencional” do Fenemê e o resultado foi pouco empolgante, com altos e baixos no decorrer do trabalho. Mesmo com vocais brilhantes, era possível identificar o caráter burocrático que tomava alguns pontos do trabalho e o princípio de falta de sintonia entre os integrantes.

Alegando dificuldades em se adaptar à banda, Trey recusa o convite de participar da próxima turnê e o Faith No More escala o então roadie de teclados Dean Menta para fazer o trabalho ao vivo das guitarras. A banda passaria mais uma vez por nossas terras, tocando em uma edição do festival Monsters Of Rock. Mesmo reconhecido por fãs com uma certa simpatia, o álbum não empolgou da mesma maneira que os anteriores e passou despercebido pelas massas. A turnê européia terminou cancelada pela metade. Curiosamente, a este lançamento é atribuído o título de precursor do gênero new metal em que as bandas deste estilo seguidamente citaram-no como grande influência no método de composição e delineação sonora daquele movimento.

O momento seguinte se notabilizou pela grande proporção alcançada pelos trabalhos paralelos de seus integrantes. Patton entrou de cabeça no avant-garde, lançou outro trabalho solo e elevou o status de adoração do Mr. Bungle com turnês expressivas. O baterista Mike Bordin tocou com Ozzy Osborne, Roddy Bottum estreiou sua banda Imperial Teen.

Os rumores sobre um possível fim da banda tomavam proporções maiores e coube ao baixista Billy Gould segurar a peteca. Em um período de entressafra, Billy tornou-se o único integrante disposto a segurar a bandeira do quarteto em meio a rumores fortíssimos de uma inevitável dissolução. Partiu dele a iniciativa de convidar o amigo John Hudson, da banda System Collapse, para assumir as guitarras do disco a ser gravado.

Talvez por razões contratuais, talvez por influência de Gould, o Faith No More adentra mais uma vez o estúdio e grava o que viria a ser o seu último trabalho: Album Of The Year. Em meio à recente febre da música eletrônica, Gould assumiu a varinha de condução e escalou o produtor Roli Mosimann, com quem co-produziu as gravações. A influência de música eletrônica, especialidade de Mosimann, viria a permear algumas faixas do álbum como Stripsearch e a grande gama de remixes lançados como lados-b do álbum. Notava-se também uma preocupação em alcançar a sonoridade de Angel Dust em faixas como Last Cup Of Sorrow, onde os teclados passavam novamente a exercer um papel importante nas músicas. O legado mais tosco da época de King For A Day apareceu em faixas como Collision e Naked In Front Of The Computer. O fato é que, mais profundamente que no álbum anterior, o espírito de desunião e indiferença musical tornou-se muito evidente, levando muitos fãs a apostar no tão falado encerramento de atividade da banda. Foi notória a participação burocrática dos integrantes, visivelmente imersos em outros trabalhos. O resultado final foi uma colcha de retalhos, músicas pouco inspiradas e sem um fio condutor entre si. Com recepção fria, oposta aos anos dourados da banda, Album Of The Year foi praticamente ignorado por público e mídia.

A banda em Album of the Year. Curiosamente, os últimos meses do Faith No More caracterizaram-se por uma grande reverência a suas apresentações ao vivo. Notoriamente uma banda especialista em palcos, os rapazes passaram a apresentar o que muitos defendem ser os melhores shows da carreira. Mesclando músicas novas com hits e material antigo, passaram a arrecadar uma leva impressionante de fãs para os clubes europeus e australianos.

Com Mike Patton no auge de seu talento vocal e com a banda para lá de experiente, o Faith No More literalmente vestia terno e gravata para destilar suas músicas de maneira altamente empolgante. Mas os problemas citados tomaram proporções insuperáveis e foi através de um e-mail que Billy Gould, ao final de uma turnê européia, anunciou o tão falado final de atividades.

Dali para frente, com suas responsabilidades aliviadas, os integrantes passaram a dedicar seu tempo a projetos pendentes de forma integral. Roddy Bottum deu continuidade a seu Imperial Teen, lançando mais álbums e recebendo bons resultados no cenário indie. Mike Bordin assumiu as baquetas da banda de Ozzy, tocou em participações com Jerry Cantrell (Alice In Chains) e ajudou o Korn por uns tempos. Hoje exerce papel de baterista freelancer. Billy seguiu com pontas despretensiosas na banda Brujeria e deu início a uma gravadora obscura, trabalhando principalmente com artistas latinos. O guitarrista Jim Martin, após seu desligamento da banda, dedicou-se a projetos paralelos obscuros, chegando a lançar um disco solo chamado Milk And Blood. Fez pontas em um disco do Primus e participações em coletâneas. Hoje Jim reside em um rancho interiorano e dedica-se, além de seus projetos musicais, a plantar abóboras gigantescas. O grande foco ficou mesmo no lendário Mike Patton que surpreendentemente justificou o fim do Faith No More, dando aos fãs um motivo para acreditar que a banda devia sim chegar ao final. Além de seguir com suas participações com outros artistas inusitados, enfileirou projetos de qualidade em pouquíssimo tempo. Através de uma gravadora própria, a Ipecac, Patton criou um lar para seus projetos e outros artistas de seu interesse. O sucesso da Ipecac foi indiscutível, ajudado pelos órfãos do Faith No More Patton mostrou ao mundo o quanto prolífico ele era. Só em 2001, participou de 3 bandas de expressão: Fantômas, Tomahawk e Lovage. Todas marcadas pela experimentação musical, o não-comercialismo e a aparente falta de preocupação com o mercado. De forma madura e desencanada, Patton levou à sua maneira a tarefa de adotar os fãs que lamentaram o final desta que foi uma das bandas mais autênticas e cultuadas dos anos 90.

O legado da banda é indiscutível, tendo influenciado dezenas de artistas da atualidade, não sendo raro encontrar músicos que referenciam os álbuns do FNM como melhores da década passada. Acima disso, há também o espírito da música desafiadora, do não-conformismo com o sucesso fácil que o Faith No More viveu na pele e fez questão de trazer para os terrenos mainstream. Objetos de culto, a banda reside hoje entre as que melhor trazem o espírito da primeira metade da década de 90.

Em 2009, para a alegria dos fãs, a banda retomou as atividades em maio, durante o Download Festivel 2009, e em show marcados na Europa. O primeiro show da turnê aconteceu na Brixton Academy, mesmo local onde foi gravado o álbum ao vivo do Faith no More em 1990.

BAD RELIGION

2010-07-20T17:21:00.000-03:00

Primeira fase (1980-1985)
O Bad Religion foi formado em Los Angeles, Califórnia, em 1980 pelos estudantes do ensino secundário Greg Graffin (vocal), Jay Bentley (baixo), Jay Ziskrout (bateria) e Brett Gurewitz (guitarra), este último também conhecido como “Mr. Brett”. Suas maiores influências estão nas primeiras bandas de punk rock tais como Ramones, Black Flag e The Clash. Fora do movimento punk, suas influências também incluem Beach Boys, Elvis Costello, Todd Rundgren, The Jam e Nick Lowe, e autores como Jack Kerouac.

Em 1981 a banda lançou seu primeiro EP, homônimo, através de sua recém aberta própria gravadora, Epitaph Records, que era gerenciada por Gurewitz. No ano seguinte a banda lançou o primeiro álbum, How Could Hell Be Any Worse?. Durante sua gravação Jay Ziskrout deixou a banda, tendo sido substituído por Peter Finestone.

Foi lançado em 1983 o álbum Into the Unknown, um álbum de rock progressivo não popular entre os fãs mais assíduos, e que está atualmente fora de circulação. No ano seguinte, Greg Hetson do The Circle Jerks, que já havia tocado um solo de guitarra em “Part III” de How Could Hell Be Any Worse?, entrou na banda para substituir Gurewitz, que estava em reabilitação por problemas com drogas. A banda voltou ao seu estilo do primeiro EP, mas terminou logo após.

Reunião (1986-1992)
A banda foi lentamente reformada, com Jay Bentley sendo chamado por Greg para voltar ao grupo. Após ter sido assegurado que a lista de faixas do primeiro concerto de volta consistiria na maioria das faixas de How Could Hell Be Any Worse?, ele aceitou voltar à banda para este concerto, mas acabou retornando como membro oficial. Brett Gurewitz, agora reabilitado, também foi convencido a voltar à banda.

Lançaram então Suffer em 1988, oficializando sua volta ao punk rock. Os álbuns No Control (1989) e Against the Grain (1990) aumentaram a popularidade da banda, seguidos de Generator (1992). Em 1991, antes das sessões de gravação de Generator, o baterista Pete Finestone deixou a banda para focar-se em sua outra banda, The Fishermen, que havia assinado contrato com uma grande gravadora, tendo sido substituído por Bobby Schayer.

Também em 1991 foi lançado o primeiro álbum de compilação, 80-85, uma repacotamento de How Could Hell Be Any Worse?, Bad Religion e Back to the Known, além das três contribuições da banda para o EP Public Service. Esse álbum está atualmente fora de circulação, tendo sido substituído pelo relançamento de How Could Hell Be Any Worse? de 2004, com a mesma lista de faixas.

Sucesso na mídia (1993-1995)
Com o sucesso do rock alternativo e do grunge na grande mídia, a banda deixou a Epitaph Records para assinar contrato com a Atlantic Records, re-lançando então seu sétimo álbum de estúdio, Recipe for Hate (1993), agora em uma grande gravadora. O álbum foi seguido de Stranger Than Fiction (1994), e Gurewitz deixou a banda novamente logo após seu lançamento. Ele citou oficialmente a quantidade de tempo gasto nos escritórios da Epitaph pelo fato da banda The Offspring ter se tornado uma das maiores bandas de em meados da década de 1990. Entretanto, tanto Gurewitz quanto vários outros fãs acusaram a banda de “vendida” por ter deixado a Epitaph para buscar maior retorno financeiro.

Gurewitz foi substituído como guitarrista por Brian Baker, ex-membro de bandas como Minor Threat e Dag Nasty. Com a saída de Gurewitz, Greg tornou-se o principal compositor da banda. Em 4 de março de 1998, “Stranger Than Fiction” tornou-se recebeu a primeira certificação da RIAA para a banda, o ouro, com mais de meio milhão de cópias vendidas nos Estados Unidos.

Período pós Gurewitz (1996-2001)
A banda continuou sem Brett Gurewitz e lançou mais álbuns pela Atlantic Records. The Gray Race (1996), produzido pelo ex-líder do Cars, Ric Ocasek, tornou-se um sucesso razoável, apesar da desaprovação dos fãs em relação à ausência de Gurewitz. O álbum lançou o hit “A Walk”, assim como o lançamento para a Europa de “Punk Rock Song” (cantada tanto em inglês quanto em alemão). A popularidade de The Gray Race proporcionou à banda a construção de uma nova legião de fãs.

Seu próximo álbum, No Substance (1998), não foi bem recebido pela crítica e pelos fãs. O álbum conta com o convidado The Campino, vocalista do Die Toten Hosen, na faixa “Raise Your Voice”. Apesar do desapontamento, no mesmo ano a banda liderou o “Vans Warped Tour”, dividindo palco com bandas como NOFX, Rancid e Deftones.

Para o álbum The New America (2000), a produção foi feita por Todd Rundgren, uma das primeiras inspirações de Graffin. Na mesma época, Bobby Schayer deixou a banda com problemas no ombro, tendo sido substituído por Brooks Wackerman (Suicidal Tendencies). Com a queda da popularidade, o Bad Religion saiu da Atlantic Records em 2001 para retornar à Epitaph Records.

Volta de Gurewitz (2002-atualmente)
Brett Gurewitz voltou ao grupo em tempo para gravar The Process of Belief (2002). O próximo álbum, The Empire Strikes First, foi lançado em junho de 2004. Ambos os álbum são considerados a uma volta às origens da banda, em oposição ao seu período na Atlantic.

A banda relançou versões remasterizadas digitalmente de vários de seus álbuns, incluindo How Could Hell Be Any Worse?, Suffer, No Control, Against the Grain e Generator. O relançamento de How Could Hell Be Any Worse?, apesar do nome igual ao primeiro álbum, contém o mesmo material da compilação 80-85, incluindo o primeiro EP, Public Service.

Em 7 de março de 2006 foi lançado o DVD ao vivo Live at the Palladium, contendo um concerto realizado no final de 2004 no Hollywood Palladium, entrevistas, videoclipes e uma galeria de fotos.

Abril de 2007 marca o retorno da banda à América do Sul. Foram cinco concertos em três países (Chile, Argentina e Brasil). Em terras brasileiras foram três concertos, nas cidades de Curitiba (13 de março), São Paulo (14 de março) e Rio de Janeiro (15 de março).

Em 10 de março de 2007 a banda lançou pela Epitaph Records o seu mais recente álbum, New Maps of Hell e em 2008 uma edição de luxo do mesmo CD contendo um DvD com um show, video clipes e making off.

PEARL JAM - clipe de Amongst the Waves

2010-07-20T16:33:00.001-03:00

PARABENS MAIS UMA VEZ AO PEARL JAM PELA INICIATIVA DE ALERTAR-NOS SOBRE OS MALES QUE ESTAMOS FAZENDO A NOSSO MARAVILHOSO OCEANO E POR QUE NÃO PLANETA.

GALERA NÃO ESQUEÇAM DE COMENTAR OS POSTS VALEU?????

THIN LIZZY

2010-07-20T16:21:00.000-03:00

Thin Lizzy foi uma banda de rock formada em 1969 pelos irlandeses Phil Lynnot (baixo e vocal), Brian Downey (bateria) e Eric Bell (guitarra). Iniciou suas atividades em Dublin, Irlanda, tocando em pequenos clubes e bares. O repertório variava entre covers e algumas composições de Phil.

Em 1970 assinam com o selo Decca, onde lançam tres albuns e uma série de compactos. Nos dois primeiros albuns, “Thin Lizzy” e “Shades of Blue Orphanage”, o estilo ainda era centrado em uma mistura de Folk e Blues. No terceiro album, “Vagabonds of Western World”, eles optaram por um som mais pesado. Conseguiram colocar nas paradas de sucesso os singles “Whiskey in the Jar” e “The Rocker”. A banda começava, enfim, a ter sucesso.

Em 1973, Eric Bell deixa a banda e é substituido temporariamente por Gary Moore, amigo de muitos anos de Phil Lynnot. Trocam o selo Decca pelo Vertigo. O escocês Brian Robertson e o americano Scott Gorham assumem as guitarras. O Thin Lizzy está pronto para decolar.

Gravam “Nigh Life” (1974), “Fighting” (1975) e conseguem certo destaque com os single “The Boys are Back in Town” do álbum “Jailbreak” em 1976. Seguem-se os albuns “Johnny the Fox” (1976) e “Bad Reputation” (1977). O Thin Lizzy conseguia enfim sucesso nos EUA e Europa, com boas posições nas paradas principais das rádios.

Em 1978 é lançado o album “Live and Dangerous”, considerado até hoje um dos melhores “ao vivo” de todos os tempos. Brian Robertson deixa o grupo. Mais uma vez Gary Moore é chamado. Com esta formação gravam o album “Black Rose: A Rock Legend” (ou Róisín Dubh: Finscéal Cnoc, em gaélico), em 1979, com outros singles bem posicionados, como “Do Anything You Want” e “Waiting for an Alibi”.

O ano de 1980 chega e a banda começa a ter problemas. Phil Lynnot começa a se afundar nas drogas por acreditar que os trabalhos do Lizzy já deveria ter tornado a banda uma das maiores do mundo, como o Led Zeppelin. Scott Gorham também começa a ter sérios problemas de alcoolismo e Gary Moore deixa a banda, sendo então substituido por Snowy White, ex-sideman do Pink Floyd. Phil lança o album solo “Solo in Soho”. O Thin Lizzy grava o album “Chinatown”, um dos mais pesados da banda.

Lançam em 1981 o album “Renegade”. Darren Wharton, que tocou como convidado no disco anterior, assume os teclados como efetivo. Snowy White deixa a banda.

Em 1982. Phil Lynnot lança mais um album solo, “The Phil Lynnot Album”. John Sykes, ex-Tyger of Pan Tang, assume uma das guitarras. Gravam o último album de estúdio “Thunder and Lightning”, o mais pesado do grupo irlandês. Phil está perdendo a luta para as drogas…

Em 1983 o Thin Lizzy faz a sua turnê de despedida com a participação dos membros anteriores, menos Snowy White. A turnê foi registrada no album “Live Life”. O Thin Lizzy não existe mais.

Phil Lynnot ainda tenta continuar na ativa. Monta a banda Grand Slam, com o ex-baterista do Thin Lizzy, Brian Downey. O projeto não vai adiante. Em 1985, Phil e Gary Moore excursionam juntos. Phil está doente.

Em 04 de Janeiro de 1986, Philip Parris Lynnot, negro, filho de pai nascido na Guiana e mãe irlandesa, morre de complicações de saúde derivadas do uso contínuo de drogas pesadas. Para homenagear Phil Lynnot, sua música e sua poesia, existe na Irlanda a Fundação Roisin Dubh (Black Rose, em gaélico), mantida por sua mãe Philomena Lynnot. Anualmente, no dia da morte de Phil, 04 de Janeiro, acontece um espetáculo em sua homenagem, o “Vibe For Philo”, com a presença de antigos membros do Thin Lizzy, bandas covers e convidados.

Um reformulado Thin Lizzy recentemente abriu alguns shows para o Deep Purple e excursiona se apresentando. Hoje a banda nessa “volta” é capitaneada pelos guitarristas John Sykes (também nos vocais) e Scott Gorham e faz parte do grupo das bandas que tentam continuar com uma nova formação sem o vocalista original, como Queen, The Doors e The Jam.
Apesar de terem possuido datas de abertura para o AC/DC na Europa, John Sykes deixou a banda, que desde então (2009) está em hiato indefinido.

PEARL JAM

2010-05-14T17:54:00.025-03:00

Pearl Jam é uma banda formada em 1990, oriunda da cidade de Seattle, Washington, EUA. No auge do período do movimento local Grunge e é considerada uma das mais populares e influentes da década de 90. Eles, junto com Nirvana, Soundgarden, Mother Love Bone e Alice in Chains, ajudaram a popularizar o Movimento Grunge no início dos anos 90. Pearl Jam é uma das poucas bandas grunge que continua activa hoje, mesmo após o fim das suas contemporâneas.

A banda detém uma marca inusitada, durante a turnê de um de seus álbuns a banda lançou nada menos que 70 CDs duplos e triplos, que traziam na íntegra cada um dos concertos da turnê, suas atitudes em defesa dos fãs, tais como um processo movido contra a empresa Ticketmaster (que monopoliza o mercado de venda de ingressos em território americano) tornou-se um marco, a banda exigiu na justiça que a empresa reduzisse os seus lucros para diminuir o preço dos ingressos de seus concertos para que os fãs fossem beneficiados, isso junto ao engajamento político e em causas de ajuda humanitária tornaram Pearl Jam uma das mais idolatradas e respeitadas bandas da história do rock.

Formação da Banda

Eddie Vedder juntou-se a Stone, Jeff e Mike através de Jack Irons, que posteriormente viria a ser o baterista do Pearl Jam no período entre 1994 e 1998. Jack Irons enviou, após audição dos intrumentais de Stone e grupo (tocados com a ajuda de Matt Cameron, baterista do Soundgarden e do Temple of the Dog), um fita demo para Eddie Vedder. Os grooves cheios de energia e dinamismo de Stone inspiraram Eddie a compor as letras (todas no mesmo dia) para os três instrumentais contidos na fita. Tornaram-se assim as músicas que futuramente fariam-se sucesso na banda sendo duas do álbum “Ten”: Alive, Once e Footsteps, essa lançada no single: Jeremy. O que mais impressionou Stone e os outros foi o fato de que as letras que retornaram cantadas no canal sobressalente da fita eram marcantes, fortes e instigantes. E extremamente pessoais, cantadas por Eddie com extrema paixão, convicção, num modo tocantemente ligado ao cantar das letras; em ocasiões sussurando; por vezes cantando-as como se saíssem das visceras, do fundo de seu coração. Falavam de temas psicológicos envolvendo traumas familiares, conseqüências desses conflitos e a ausência da figura paterna. Alive fala do garoto que descobre, através de sua mãe, que seu pai verdadeiro não era o que conhecia. Que toda a sua vida o homem que acreditara ser seu pai (e há razões para acreditar que esse pai não o tratava muito bem) não era seu verdadeiro pai. A perturbação psicológica e o comportamento homicida manifestaram-se em Once, sua continuação. Em Footsteps temos o rapaz, já mais crescido, na cela de uma cadeia, completando a mini-ópera de Vedder. O tema é todo tocante e as interpretações as mais diversas. Facto é que essas canções permitiram que os rapazes montassem uma das mais importantes bandas do Rock and Roll. A essas três canções, Eddie Vedder deu o título de Mamasan Trilogy.

PEARL JAM - TEN

PEARL JAM - VS

PEARL JAM - VITALOGY

PEARL JAM - NO CODE

PEARL JAM - YIELD

PEARL JAM - BINAURAL

PEARL JAM - RIOT ACT

PEARL JAM - 2006

PEARL JAM - BACKSPACER

ALICE IN CHAINS

2010-05-14T17:02:00.000-03:00

Alice in Chains é uma banda dos Estados Unidos formada em 1987 em Seattle, Washington e que, ao lado de Nirvana, Soundgarden e Pearl Jam, constitui um dos principais representantes do movimento Grunge, nascido no início da década de 1990 na mesma cidade. No entanto, apesar de pertencer ao movimento grunge, o som da banda tem influência de bandas do heavy metal e hard rock, ao invés do punk, o que a torna única no cenário da região na época.

É uma das bandas mais bem sucedidas comercialmente da cena grunge de Seattle, vendendo aproximadamente 15 milhões de álbuns ao redor do mundo. Após o falecimento do vocalista original Layne Staley em 2002, o grupo fez algumas aparições esporádicas em forma de tributo, e acabou decidindo pelo retorno “oficial” com um novo vocalista, o músico William Duvall, em 2005.

SOUNDGARDEN

2010-05-14T16:57:00.001-03:00

A banda foi formada em 1984 por Chris Cornell na bateria e vocal e Hiro Yamamoto no baixo; posteriormente adicionada por Kim Thayil na guitarra. Pouco tempo depois Scott Sundquist assumiu o lugar na bateria, para que Cornell pudesse se dedicar exclusivamente aos vocais. A banda gravou duas músicas que apareceram em uma compilação da C/Z Records chamada Deep Six, que também incluia músicas das bandas Green River, Skin Yard e The Melvins.

Em 1986, Sundquist deixou a banda, sendo substituido por Matt Cameron que havia sido baterista do Skin Yard. Tendo assinado com a Sub Pop, a banda lançou os EP’s Screaming Life em 1987 e Fopp em 1988.

Apesar da banda estar sendo processada por grandes selos, em 1988 assinaram com a SST Records para lançar seu primeiro álbum, Ultramega OK, que ganhou uma indicação para o prêmio Grammy. Em 1989 lançaram outro álbum Louder Than Love. Após esse álbum Yamamoto deixou à banda para voltar a faculdade. Ele foi brevemente substituído por Jason Everman, previamente do Nirvana, deixando a banda para que Ben Shepherd assumisse sua posição.

A nova formação lançou Badmotorfinger em 1991. Apesar de bem sucedido, as atenções do público estavam voltadas para o Nevermind do Nirvana. Ao mesmo tempo, o foco da atenção para bandas de Seattle trazido pelo Nevermind aumentou o reconhecimento para a banda, permitindo que Outshined e Rusty Cage tivessem audiência em rádios alternativas e na MTV. A banda fez turnê com o Guns N’ Roses para promover o álbum, e produziu o vídeoclipe Motorvision com cenas da estrada.

O álbum Superunknowmn foi o maior sucesso da banda, através de singles como Black Hole Sun, Spoonman, The Day I Tried to Live e Fell on Black Days. As canções de Superunknown capturaram a criatividade dos trabalhos anteriores, enquanto mostrava uma abordagem mais comercial da banda. As letras do álbum são obscuras e misteriosas, sendo que muitas músicas lidavam com abusos, suicídios e depressão.

O último álbum da banda foi Down on the Upside, lançado em 1996, tendo sido produzido pela própria banda. É notavelmente menos pesado que os álbuns ateriores, com a tentativa da banda em explorar novos sons. Tensões no grupo afloraram durante as sessões deste álbum, com a constante discussão entre Thayil e Cornell sobre os desejos de Cornell evitar os riffs pesados de guitarra que tornaram-se a marca da banda. Apesar de críticas positivas, o álbum não atingiu o sucesso comercial de seus antecessores.

A banda volta a reunir-se em 2010.